Espacio para el Cine

Graciela Muñoz nos brinda su mirada cinematográfica
La valentía de Vicenta

Vicenta es una madre soltera que ha sudado la gota gorda trabajando y cuidando a sus dos hijas. Ha cumplido con todos los mandatos de ser una madre abnegada, de alimentar y cuidar a sus hijas. Puso todo su mejor empeño en mantener todas las variables bajo control, pero los imponderables muchas veces traen tormentas que desequilibran a la más pintada. De modo que esta mujer bonaerense nunca se imaginó que su trabajo sería más esforzado aún, debido a las capacidades diferentes de una de sus niñas. Tampoco pudo avisorar que una mente masculina y macabra pudiera siquiera insinuar algún acto de abuso hacia su pequeña más desfavorecida de entre los y las desfavorecidos y desfavorecidas.
Esta peli cuenta las vicisitudes de una mujer que ha caído en los sótanos de las desgracias. Pero también nos ofrece escenas de su elevación paciente, persistente, inclaudicable, que comenzó desde esa oscura situación en la que la dejaron las sucesivas circunstancias. La fortaleza de Vicenta es retratada en este innovador documental con tanta pasión y amor que en varias ocasiones solo queremos abrazarla, más allá de la rabia que puede provocar tanta injusticia acumulada.
El documental quiere ser un mosaico en las paredes de las avenidas más céntricas de nuestra injusta patria, intentando una mixtura entre su arte y sus ganas de llegar a los ojos y corazones de cada ciudadano-ciudadana. Entonces logra una armonía que amalgama textualidad, artesanía plástica, colores, música, oralidad, silencios y sobre todo mucha paciencia. Y es que el relato documental, consta de muy poco archivo audiovisual y mucho del arte del cine de animación. Pese a que nuestra, ya vieja amiga, Vicenta, es una muñeca, no está articulada. La animación del documental se logra con la destreza de un mínimo equipo de filmadores y colaboradores.
Vicenta trasciende todas las fronteras que enmarcan las imposibilidades, las trabas, las burocracias y se levanta con la valentía de quien no tiene nada que perder. Gracias a la mirada amorosa de su director podemos conocerla, admirarla, desear que no hayan más Vicentas que sufran como ella sufrió, pero sí que su valentía salga de la pantalla y nos contagie lo más epidémicamente posible.
Ficha técnica:
Título original: Vicenta
País: Argentina
Director: Darío Doria
Ayudante de dirección: Agustín Manavella
Dirección artística: Mariana Ardanaz
Guionistas: LuisCamardella, FlorenciaGattari, Darío Doria
Género: Documental, animación
Año: 2020
Duración: 69 minutos 

Un mar de amor

Parece que el amor puede darse con una particularidad tal que a cuántos más años de estar en pareja puede llegar a aumentar, en parecida proporción, la asfixia.
Que podría ser causada por una relación que mantenga dosis constantes de reclamos, advertencias, descalificaciones, desvaloraciones, reprobaciones, indiferencias, insustancialidades, destratos y muchas cosas más.
De modo que los dos personajes principales de esta peli, son un hombre y una mujer maduros, que intentan sobrellevar un matrimonio lleno de descontentos. Cada uno, a su manera, lleva adelante una lucha interna por ser feliz, útil, reconocido/a, pero poco parecen expresar en cuanto a la afectividad. Todo el tiempo mantienen una fachada frívola y desamorada, pero lo cierto es que lo pasan muy mal viviendo de ese modo. En lo aparente tal vez no se demuestre, pero, como toda procesión va por dentro, las fisuras que han tratado de disimular luchan por hacerse visibles, y hasta quieren gritar el espanto.
Tapan, niegan, disimulan lo indisimulable. No se soportan ni ellos, sufren, pero jamás lo demostrarán, nunca se detienen, el tiempo es el que domina la escena y completamente sus vidas. Mientras tanto son perfectos desconocidos para sí y para sus seres más queridos, deambulan por la casa familiar como figuras fantasmagóricas, sin identidad, sin sentimientos, pero en permanente tarea de vigilancia, que impide que algo se mueva de su sitio. Los cambios no son permitidos en la rígida estructura familiar.
Así como la rutina es rutinaria, las vacaciones no son vacaciones, la existencia de esta pareja no puede trascender más allá de la repetición de acciones automáticas y autómatas. Levantarse, vestirse, bañarse, desayunar, tomar una copa, sol o una ducha, nada parece diferenciarse de lo anterior ni de lo por venir. Los estímulos no logran ser indiferenciados, es una continua amalgama empastada. Tal vez la asfixia resulta anesteciante, tal vez el mar resulte ahogante. En definitiva barquitos que arrastra el temporal.
Puede verse en Disney+
Ficha técnica:
Título original: Asfixiados
País: Argentina
Director: Luciano Podcaminsky
Guionistas: Alex Kahanoff, Silvina Ganger, Sebastián Rotstein, Andrea Marra
Protagonistas: Julieta Díaz, Leonardo Sbaraglia, Marco Antonio, Natalia Oreiro
Género: Comedia dramática
Año: 2023 / Duración: 97 minutos 

Pintura de un amor

Los colores del mundo están a la vista, pero pocas veces podemos pintar nuestra aldea sin que parezca deslucida, poco importante o sin interés. El encuentro entre Gregorio y Eva, es una de esas historias románticas que cuentan dolores y conflictos de la vida que se entrecruzan con otros pesares y dificultades de otras personas. A ver quién la tiene más complicada. Pero como siempre: “hay un roto para un descocido”, el mundo sigue girando con nosotros y nosotras sobre su superficie. Y la piloteamos como podemos.
Por eso no nos sorprenden los destinos que emprenden los protagonistas de Goyo, película de reciente estreno en la plataforma Netflix. Sin caer en un efecto de spoiler puede decirse que ambos personajes principales están delineados con mucho amor y la intención de poder llegar a ambos corazones, sino rotos, al menos, frustrados. No solo alcanzamos a comprenderlos, sino que nos emocionan sus emociones.
Las ambientaciones y los climas están construidos con sutileza, pericia y justeza. Por momentos algo ocurre, que no podemos explicar, pero que nos separa de la trama, queda a cada quien este análisis. La historia del arte ocupa tan preponderante lugar que nos invita a editar o reeditar el encuentro con la pintura, como un arte plástico digno de explorar, conocer o reconocer. A la vez que se la envuelve de un aura sentimental, amorosa y romántica.
Un aplauso muy especial para la interpretación de Gregorio que realiza el actor Nicolás Furtado, seguramente mucho tenga que ver con la dirección que recibió para componer a su personaje, pero él ha logrado ponerle cuerpo y alma a un Goyo adorable y memorable. Nuestra siempre en alta estima Nancy Duplaá no solo se puso a la altura del actor, sino que realiza una transferencia epidérmica efectiva hacia la pantalla de las vivencias de una mujer como la que protagoniza.
Como ya se dijo, la peli puede verse por Netflix.
Ficha técnica:
Título original: Goyo / País: Argentina
Director: Marcos Carnevale / Guionista: Marcos Carnevale
Protagonistas: Nicolás Furtado, Nancy Duplaá, Soledad Villamil, Pablo Rago, Cecilia Roth.
Género: Comedia romántica
Año: 2024 / Duración: 106 minutos

Espacio para el Cine

Graciela Muñoz nos brinda su mirada cinematográfica
La felicidad siempre nos ronda, sólo hay que mirarla a los ojos

Una canción del pasado, una estable infelicidad, la muerte de una madre, una pareja que ha dejado de ser lo que era, una ama de casa al servicio de una familia, una hija aparentemente indiferente y unas ganas tremendas de vivir de otra manera. Ese es el presente de Zeynap, una mujer de 49 años que vive en Alemania de padre croata y madre ucraniana que al momento de la muerte de su progenitora, al redescubrirla a ella, por medio de un diario íntimo, se le revela otra posible trama inversa.
Y al mejor modo de Thelma y Louise, pero en la soledad de su dolor, emprende un viaje iniciático aunque en la madurez de su vida. Así, en franca escapada de aquello que no quiere ver ni hacerle frente, huye ayudada por la dulce mirada de la madre póstuma, que reconoce haber moldeado en demasía la vida de su hija con el simple hecho de haberla incluido en las elecciones que había tomado para la suya propia.
Pero esa huida es lo que le dará la posibilidad de salirse de su cotidianidad, de ver distinto. En un principio su corazón y su cerebro la mantendrán atada a sus viejos esquemas. En la medida que pasa cada vez más tiempo alejada de su hogar irá, de a poco, viendo diferente, como a través de un velo que se va descorriendo. En esta autoconseción de permisos paulatinos y parciales, irá renaciendo, rejuveneciendo y creciendo esa mujer que vivía tan contenida.
Esta peli, “Muy lejos”, es casi una sentencia de: “ten cuidado con lo que deseas”, tal vez podría hacerse realidad. Y qué bien nos viene una brisa de esperanza en momentos en los que se nos van los sueños escabullidos entre las pesadillas que inundan nuestra vigilia, de las que ni siquiera podemos escapar despertándonos.

Ficha técnica:
Título original: Faraway
País: Alemania, Croacia
Directora: Vanessa Jopp
Guionista: Alex Kendall, Jane Ainscough
Protagonistas: Naomi Krauss, Goran Bogdan, Bahar Balci, Adnan Maral, Artjom Gilz, Vedat Erincin, Davor Tomic
Género: Comedia
Año: 2023
Duración: 109 minutos

Modelo recargado

Get me Roger Stone es un documental estadounidense que relata las derivas de un personaje, un hombre, que podría considerarse un Rasputín a la medida de la gobernanza de ese país del norte. Justamente su lugar siempre fue el de las sombras, tras bambalinas siempre diversificando redes nefastas. Su construcción favorita es la destrucción, controversia interesante, pues anima a los jefes de estado a pregonar discursos con promesas de grandeza y fortaleza, pero a su vez propone campañas de difamación, de ataques y mentiras.
Este señor teje, cual viuda negra, las condenas que someten a la política, a la sociedad y a las personas de su país a un oscuro presente en el que no se vislumbra luz hacia el futuro. El impacto en las personas es de una irracionalidad tal que no les deja juzgar moral ni éticamente los correlatos de las acciones en desmedro de sus propios intereses.
Cualquier coincidencia con la actualidad de nuestro país no será entonces pura casualidad, sino un correlato planificado por los poderes transnacionales que solo justifican sus existencias con la rapiña de vidas ajenas y del globo terráqueo entero.
Este personaje se presenta y actúa, según sus propias palabras como “un agente provocador”, con la traición siempre en punta de lanza, justificando siempre los medios para conseguir determinados y funestos fines, sin principios en su accionar, ni alma alguna a la que objetar. Con un manejo de la publicidad negativa a favor de lo odioso, se deleita con el odio que le dispensan, pretendiendo que lo consideren infame antes que famoso.
Entre sus lemas favoritos están: “ganar como sea”, “atacar, atacar, nunca defenderse”, “peor que que hablen mal es que no hablen de vos”. Así como creó a Donald Trump como un político con aspiraciones al gobierno creó un extraño principio, que parece que atrae a las mayorías, que es: que hay que ser ofensivo para resaltar. Y es todo suyo el personal disfrute de, por fin, hacer posible un país devastado, mientras la población “lo mira por TV” y pospone vida en pos de la opulencia de “otros”.
Insisto, cualquier parecido con nuestra realidad, no es pura casualidad.

Ficha técnica:
Titulo Original: Get me Roger Stone
Dirección: Dylan Bank Morgan Pehme Daniel DiMauro
Género: Documental político
Duración: 92 minutos
Año: 2017
País: Estados Unidos
Puede verse en Netflix

Y es que nadie escupa sangre pa' que otro viva mejor

Cuánta razón tiene la filosofía Aymara cuando asegura que si en una comunidad existe algo o alguien que padece todo el ecosistema sufre. La Zona de interés, recientemente ganadora de un Oscar a la mejor película extranjera y al mejor sonido, así lo certifica.
Para ello su director despliega una brillantez extraordinaria que se impone ya desde el primer fotograma de un color pleno como única imagen a la vez que se reciben una serie de estímulos auditivos. Todo el tiempo se demandará a quien oficie de espectador o espectadora un trabajo de pensamiento, de procesamiento, de reflexión y de juicio ético y estético que se tendrá que hacer de cuerpo presente y mientras dura la proyección. Por supuesto, las sensaciones seguirán dando vueltas en los minutos, horas y días siguientes, pero la tarea in situ será ardua para quien elija ver este film.
No la han premiado por la banda sonora, sino por el sonido y es que la utilización del sonido como proveedor de información, de incomodidad, de contradicciones, de obligatoriedad de ser testigos, es construido como un protagonista importantísimo de la película. Pero en su peculiaridad, es casi como el agua en una inundación, no se lo puede frenar, se puede cerrar los ojos para no ver, se puede escupir para no degustar algo amargo, se puede dejar de tocar para evitar una aspereza al tacto; pero aunque nos tapemos los oídos, el sonido penetra tanto como el agua. Y esa penetrabilidad es la que el director asemeja a los traumas, nada ni nadie queda indemne.
La Zona de interés no necesita más presentación que lo dicho, no es una película más sobre el Holocausto, es una obra de arte que merece ser experimentada y apreciada por todos y todas. Va aquí hecha la invitación.

Ficha técnica:
Título original: The Zone of interest
País: Reino Unido, EEUU, Polonia
Director: Jonathan Glazer
Guionista: Jonathan Glazer – Basada en The Zone of interest de Martin Amis
Protagonistas: Christian Friedel y Sandra Hüller
Género: Drama - Holocausto II Guerra Mundial Nazismo / Año: 2023 / Duración: 106 minutos 

Espacio para el Cine

Graciela Muñoz nos brinda su mirada cinematográfica
Las paralelas a veces se cruzan

Los amores imposibles tienen ese… que se yo viste? Lo de siempre, cuando de repente aparecen, o más bien reaparecen, personificados en esos seres que despiertan en esos otros seres una carrada importante de sensaciones, sentimientos y emociones. Que pueden llegar a negar bajo cualquier circunstancia.

Pero, a veces, en esas situaciones que producen reagrupaciones luego de tantos años, las personas vuelven a comportarse o a relacionarse, a los pocos minutos del reencuentro, como si nunca se hubiesen alejado, de la misma forma en que lo hacían en tiempos en los que tenían un contacto más cercano y cotidiano.

Mucho peor se torna la ocasión si lo que existía en ese vínculo era un amor con fuertes tendencias hacia las pasiones sexo-afectivas. Y, por fin crecen mucho más las tensiones si, por alguna razón, alguna de las dos personas está transitando los últimos días de vida.
Entonces resultan corajes tales como los que invitan a usar esa ropa que guardábamos tan celosamente para eventos especiales en circunstancias ordinarias, o esos que nos mueven a realizar aquello otro con lo que soñamos o que todo el tiempo tuvimos como anhelo siempre pateado para un “más adelante” espléndido cuando todas las condiciones estuvieran alineadas a la perfección. Pero que nunca toman las formas concretas de realidades tangibles o materiales.

Son los minutos en los que arden las naves que nos acaban de dejar en puertos sufrientes y con víveres que alcanzarían solamente para 30 días. De modo que todos los espejos distorsionan, las sombras se vuelven largas y solo queremos despedidas cortas.

Un poco de todo esto y más pone en escena Casi muerta, una peli protagonizada por la, cada día mejor actriz, Natalia Oreiro y el irreconocible Fernán Mirás como director. Es que los detalles delatan esmeros “filmatográficos” casi de autor, a la vez que una preocupación esmerada se evidencia en el guion, en las actuaciones y en una estética que explota a fondo el poder de las imágenes. De la lágrima a la carcajada nos traslada, en una dramática zigzaguente, la cámara, ya tan íntima, ya tan distante que ve torcerse lo imposible: dos paralelas.

Ficha técnica:
Título: Casi muerta
Dirección: Fernán Mirás
Basada en: Bypass, película española de 2012
Guion: BeatrizCarbajales, Fernán Mirás y Rodrigo H. Vila
Protagonistas: Natalia Oreiro como María, Alberto Ajaka como Mudo, Violeta Urtizberea como Julieta, Paola Barrientos como Paula, Diego Velázquez como Javier, Ariel Staltari como Lucas
Género: Comedia romántica
Duración: 93 minutos
Año: 2023
País: Argentina y Uruguay
Puede verse en HBOMax 

Música de película

Ennio Morricone fue un músico italiano que, sin quererlo, algún día comenzó a componer música para películas de cine y nunca dejó de hacerlo hasta sus 91 años. Ennio, el maestro es un documental que cuenta su historia en relación a la música. Es un tributo luego de su muerte ocurrida en 2020.
Es difícil y se convierte en un desafío ponerle palabras a su obra. Durante bastante tiempo escuchaba la banda de sonido de la película Cinema Paradiso, una de mis pelis favoritas, entre otras cosas, por su música. Sabía que la había compuesto él, pero no era consciente del tamaño de su trabajo. Por ejemplo, la banda Metállica utiliza algo de lo compuesto por este ser tan especial en el inicio de sus conciertos.
En su larga trayectoria ganó muchos premios, entre ellos dos Oscars. En el trasncurso de su vida compuso música, entre otras muchas más, para las siguientes películas: Por un puñado de dólares (1964), El bueno, el malo y el feo (1966); Novecento (Bernardo Bertolucci, 1976) Érase una vez en América (1984), Sergio Leone; Teorema (Pier Paolo Pasolini, 1968); La misión (1986), Roland Joffé; Los intocables (Brian De Palma, 1987); Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1988) y Los 8 más odiados (Quentin Tarantino, 2015).

Más allá de ponerle notas y sonidos a sus composiciones para la gran pantalla, su arte es mucho más complejo, debido a que las sensaciones auditivas en los largometrajes a veces suelen ser más eficaces en la creación de climas que las propias imágenes. Algo similar ocurre también con los silencios. Aunque también, en otras oportunidades la generación de contrastes auditivos provoca efectos más contundentes. Lo cierto es que la calidad de la musicalización llevada adelante por el gran Ennio hasta convirtió en clásicos músicas como la de los westerns. No se anduvo con pequeñeces y se dio el lujo de componer sinfonías para películas.

Esta vida no sería la misma sin cada una de las notas con las que musicalizó a este loco, cinéfilo y sonoro mundo.

Ficha técnica:
Titulo Original: Ennio, el maestro
Dirección: Giueseppe Tornatore
Guion: David Magee / Basada en: Un hombre llamado Ove de Fedrik Backman
Protagonistas: Hans Zimmer, Giuseppe Tornatore, Ennio Morricone, Cleant Eastwood, Leonardo Di Caprio, Quentin Tarantino, Bruce Springteen, etcetera.
Género: Documental / Duración: 160 minutos
Año: 2021 / País: Italia
Puede verse en Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=WWw9jZJEAbU / Lo mejor de Ennio Morricone: https://www.youtube.com/watch?v=Jjq6e1LJHxw

Irse no es despedirse

Un hombre automatizado por su rutina, vive una cotidianidad chata y de una obsesión controladora de todo lo que ocurre en su vecindario. Día a día repite las mismas acciones de ida y vuelta a su trabajo, antes de salir toma una moneda de un cuenco que descansa sobre una cómoda y lo devuelve al retornar a su casa. Que de hogar poco tiene.
Y es que Otto anda por sus sesenta y pico además de que ya no le quedan muchas ganas ni motivos por los que seguir viviendo, tampoco tiene una descendencia que lo motive a ponerle pasión a su existencia. Sumado a todo esto, en la empresa en la que se desempeña como ingeniero lo han invitado amablemente a jubilarse, primero desplazándolo de sus responsabilidades para luego solicitarle el retiro de manera formal.
Mientras planifica y organiza el fin de su vida, quiere quitársela, llega al vecindario una joven mejicana embarazada, con su esposo y sus dos hijos. Esta no tan buena nueva resulta un entorpecimiento para sus planes, la joven comienza a requerir su ayuda. De una manera tan inocente que el temperamento amargo y hostil de Otto no puede negarse a brindar diversos tipos de apoyo a los recién llegados al vecindario.
A Otto le pasa algo parecido a lo que a mí con los gatos, definitivamente no me gustan, de manera que ellos se empeñan en regodearse desfilando sus osamentas en torno mío, como queriéndome demostrar lo valiosos que son y de lo que me estoy perdiendo. Igual le pasa a Otto, trata a todo el mundo con una parquedad lo más antipática posible pero de forma contraria las personas parecen empeñadas a conseguir su asilo, su sostén, sus enseñanzas, hasta su cariño.
Pero él ya decidió que está fuera de este mundo y no comprende la insistencia del universo en mantenerlo en contacto con su entorno, paradójicamente está más activo que nunca. Es que tal vez, luego de la vida tan plena que vivió pueda parecer injusta una retirada tan gris y oscura. Su propia historia, su memoria, sus afectos y su esencia le requieren que muera como vivió, irse con la cobardía del ser sufriente que se siente en los últimos tiempos no hace honor a lo mejor de su vida. De modo que tendrá que poner orden a sus sentimientos y sentires antes de caer en una partida deslucida y victimista.

Ficha técnica:
Titulo Original: Un hombre llamado Otto (Aquí: Un vecino gruñón)
Dirección: Marc Foster
Guion: David Magee / Basada en: Un hombre llamado Ove de Fedrik Backman
Protagonistas: Tom Hanks, Mariana Treviño, Rachel Keller, Manuel García Rulfo
Género: Drama y Comedia
Duración: 126 minutos
Año: 2022
País: Estados Unidos-Suecia
Puede verse en HBO

Hacemos lo que podemos

“Salida francesa” es una película en la que la siempre cautivadora de la atención que nos demanda su sola imagen, Michelle Pfeiffer, nos acompaña a transitar casi sin darnos cuenta de que pasaron cerca de dos horas del tiempo material de nuestras vidas. Pero en el que pudimos explorar por mucha de la vida de la mujer a la que representa en ella: Francis.
Sospechamos de su grandioso pasado por los rastros que quedan de él pero la trama nos sumerge en el presente de una mujer madura que deambula en una existencia rodeada de evidentes sentires distorsionantes de su propia realidad. La cual no logra encarar de frente ni tampoco consigue verla con claridad. Sin embargo se muestra con sus pares fuerte e impenetrable, aunque su interior se derrame cual cera caliente.
Es, a la vez, sostén de una extraña familia y solo teme dejar desprotegido a su hijo. La bohemia les apremia de manera que saben que su alimento son los sentimientos y la poesía y que podrían bien terminar viviendo bajo un banco de plaza antes que dedicar un segundo de sus existencias a la negación del ocio.
La sutileza con la que la bohemia del director va armando el entramado dramático con el apoyo actoral, fotográfico, musical y de arte dan un perfecto corolario al guion de Patrick De Witt, al que alguna vez han nombrado como el nuevo Bukowsky.
El misterio de lo inexplicado sostiene el interés y las ansias por querer saber todo, o al menos más de lo que se nos muestra. A pesar de algunos indicios que se van entregando a cuenta gotas, con los que vamos a lograr armar algo de lo no evidente, nos conformamos con los detalles de las pocas palabras, de las miradas que significan mucho más que cualquier otra cosa, con el detalle de una pausa, de una caricia, de una comprensión superior a cualquier racionalidad. Pero, por sobre todo, el círculo se cierra como en la vida misma, cuando, con los protagonistas, comprendemos que siempre hacemos lo que podemos.
Ficha técnica:
Titulo Original: El conde
Dirección: Azazel Jacobs
Guion: Patrick Dewitt. Novela: Patrick Dewitt
Protagonistas: Michelle Pfeiffer, Lucas Hedges, Tracy Letts, Valerie Mahaffey, Imogen Poots, Susan Coyne, Danielle Macdonald, Isaach de Bankole
Género: Comedia. / Duración: 113 minutos / Año: 2020
País: Canadá-Reino Unido / Puede verse en Netflix

La familia y sus roles

Una mujer ama de casa se replantea por qué parece mayor que su hermana mayor, quien se ha pasado mucho tiempo de viaje y decide irse de viaje. En ese acto de arrojo deja a un padre con sus cuatro hijos totalmente a la deriva, desaparece.
Por su parte el padre realizará el camino del héroe, los hijos lo ven a como alguien que no puede hacerse cargo de ellos, ni tiene idea de sus días, ni de sus vidas. Tampoco valoran mucho su desempeño laboral, no están de acuerdo con muchos de sus valores.
Al principio la peli se vuelve un chicle de gags muy obvios, pero mediando su duración comienza a tomar tintes más profundos. Sin llegar a una profundidad extrema plantea cuestiones de relaciones entre mapadres e hijos que a veces está bueno que se pongan en palabras.
El padre realiza el camino, la madre vuelve y ya nada volverá a ser lo mismo.
Ficha técnica:
Titulo Original: Mamá se fue de viaje

Dirección: Ariel Winograd /Guion: Mariano Vera
Protagonistas: Diego Peretti, Carla Peterson, Martín Lacour, Agustina Cabo, Julián Baz Lorenzo Winograd
Género: Comedia / Duración: 110 minutos /Año: 2017
País: Argentina / Puede verse en Netflix 

Lo reparador de las despedidas

La peli La horas contigo es una oda a la vida, en ella un grupo de mujeres repasa sus pasados, sus presentes e hipotetiza sobre sus futuros.
A la vez que remeda sus heridas se abraza a la vida sin permitir una entrega a la muerte sin antes realizar un balance sobre las cuentas sin saldar.
El tiempo y el avance de la trama dramática tienen el pulso justo de una melodía tranquila, que no afecta con la prisa del ansia, a la vez que solicita un tiempo extra para que los malos entendidos y las incomprensiones puedan ser reparadas en pos de un cambio de prisma. Por uno que permita ver más allá que las construcciones que cada una realizó sobre falsos prejuicios.
De repente, con pocas imágenes y sensaciones entregadas a cuentagotas entramos en ese universo femenino de juegos, sensaciones y sentimientos profundos. Nos convertimos en espectadoras-actuantes, las imágenes, la cadencia y las sensaciones se convierten en sentimientos de empatía. De manera que poco nos cuesta estar sintiendo, desde el inicio del relato, lo mismo que las protagonistas
Y es que parece que Catalina, la hija de Ángeles, quien eligió la palabra para transmitir sus relatos, ha heredado el arte de contar pero en este caso lo realiza magistralmente con las imágenes. El producto final es un poema de amor a la vida perfectamente hilvanado, que termina cuando debe terminar, en el momento justo en que cada una de las mujeres ha arribado a la paz de haber comprendido lo que precisaba comprender.

Ficha técnica:
Titulo Original: Las horas contigo
Dirección y guion: Catalina Aguilar Mastretta
Protagonistas: Cassandra Ciangherotti, María Rojo. Isela Vega, Arcelia Ramírez, Evangelina Martínez. Julio Bracho, Isabella Camil, Pablo Cruz, Humberto Busto.
Género: Comedia. Drama
Duración: 88 minutos / Año: 2014
País: México / Puede verse en Netflix

La monstruosidad solo puede ser inhumana

Invencible, poderoso, millonario y dictador el Conde Pinochet a probado sangre de todos los rincones del planeta. Ese ha sido su deleite, pero la preferida siempre fue la inglesa, parece una obviedad que solo cabría explicarse por una prosapia que puede llegar a emparentar, por el espíritu carroñero, a piratas con vampiros. Las marchas militares y las óperas se asocian desde el Imperio Romano por con el entrecruzamiento de las ramas de las sucesivas capas genealógicas de vikingos, la resultante: una sangre oscura y amarga.
Inevitable y desgraciadamente ha probado así mismo “sangre latinoamericana, de obreros, no la recomienda, dice que es agria y huele a perro”, asegura la voz en off femenina del comienzo del film, “un sabor plebeyo que se queda pegado en su paladar y en sus labios”, continúa.
En sus comienzos era un simple Claude Pinoche que llegó a los 20 años viviendo en un orfanato, en la París de antes de la revolución francesa, para luego devenir en oficial del ejército de Luis XVI. Hasta que revela su inocultable naturaleza mordiendo con sus poderosos y afilados colmillos el cuello de una prostituta, para más tarde defenderse de que le claven una estaca en el pecho matando a un cura y a otra prostituta de masazos en la cara (horrible). Pero es solo el comienzo de la acumulación de atrocidades, que principió cirujeando la cabeza de María Antonieta.
Se prometió luchar contra todas las revoluciones, eso incluyó oponerse a la de Haití, Rusia y Argelia. Pero su ambición lo llevó a desear comandar un ejército, eligió el de Chile, creyéndolo un lugar perdido en el mundo, que en su estructura mental necesitaría un rey, y él podría ocupar ese espacio bacante.
Habiendo arribado al puesto de General del Ejército chileno, derrocó mediante un golpe de estado al presidente constitucional, elegido por el voto popular: el socialista Salvador Allende. Ello ocurrió en 1973 mediante un bombardeo a la casa de gobierno.
Antes y después de ello, cualquier parecido con la realidad, no es pura casualidad, sino pura causalidad. Y las semejanzas estéticas pueden buscarse en una película de 1987 de Wim Wenders, en la cual el ángel Daniel observa a la humanidad desde las azoteas de una Berlín anestesiada. Mientras aguanta la tentación de convertirse en humano para conseguir el amor de la trapecista de la que se enamoró. A la vez que intenta descubrir que esconde el ser del humano que lo hace ser tal.
Al contrario, en El Conde se intentará una explicación sobre lo inhumano que se puede ser.

Ficha técnica:
Titulo Original: El conde
Dirección: Pablo Larraín
Guion: Guillermo Calderón, Pablo Larraín
Protagonistas: Jaime Vadell como Augusto Pinochet, Gloria Münchmeyer como Lucía Hiriart, Alfredo Castro como Forydor Krassnoff, Paula Luchsinger como Carmen, Stella Gonet como Margaret Thatcher, Catalina Guerra como Luciana Pinochet
Género: Comedia. Fantástico | Comedia negra. Vampiros. Sátira
Duración: 110 minutos
Año: 2023
País: Chile
Puede verse en Netflix

Buena suerte, Leo Grande

Todas tenemos nuestros sueños, hasta la profesora de religión más mojigata o “dime que criticas y te diré de qué adoleces”, las anteriores son apenas dos ideas como para poder empezar por algún lado para entender las vidas de las mujeres que hoy tienen entre 60 y 80 años. En general les ocurrió que se casaron vírgenes o con el primer hombre con el que tuvieron relaciones y con ese ser continuaron toda su vida sexual, no tuvieron oportunidad de experimentar, ni de conocer y mucho menos de explorar sus propias satisfacciones. El mundo sexual les pertenecía a los hombres, solo ellos tenían derecho a tener sexo con más de una persona a lo largo de sus vidas. Las mujeres podían hacerlo, pero corrían el riesgo de deshonrar a la familia al ser consideradas “putas”.
Luego viene toda la cuestión moralista de querer encausar, controlar, conducir las apetencias sexuales de la población en general que se produce mediante la creación de instituciones como el matrimonio (para controlar al mismo tiempo también los patrimonios materiales) y la monogamia (para encausar el sexo con las riendas del amor romántico). Todo el resto que se saliera de estos parámetros entraba en el terreno de la perversión y era censurado por los poderes hegemónicos.
Hoy en día las cosas no han cambiado mucho, se ha oído hablar del poliamor o del amor libre, pero detrás de sus fachadas se ha escondido la falta de compromiso o diversos tipos de intereses manipuladores que se encontraban muy alejados de las cuestiones básicas en el “Arte de amar” de Erich Fromm como lo son el cuidado, la responsabilidad, el respeto y el conocimiento.
Más allá de los vaivenes y los sufrimientos y frustraciones que todo este tipo de cuestionamientos y sometimientos han producido en las personas y en sus relaciones; lejos de juzgar, cada generación ha hecho lo que pudo.
Como dicen las chicas de entre 60 y 80: “chicas, vean esta peli solas” y disfruten de la belleza madura e insegura del personaje que encarna nuestra entrañable Emma Thompson.

Ficha técnica:
Titulo Original: Good luck to you, Leo Grande
Dirección: Sophie Hyde
Guion: Katy Brand
Protagonistas: Emma Thompson, Daryl McCormack
Género: Comedia Dramática
Duración: 97 minutos
Año: 2022
País: Reino Unido
Puede verse en Netflix 

Blondi

Blondi es una mujer que cumple las funciones de madre, de hija y de hermana. Trabaja con la única ambición de mantener un hogar, puede llegar a coordinar que un trabajo salga bien, pero sin ninguna intención de escalar ni de planificar un ascenso tras otro. Su familia no le demanda mucho más que su compañía, buenos tratos y, tal vez, cada tanto, le permite que de rienda suelta a su sinceridad, levemente autorreprimida, en la mayor parte del tiempo.
Su vida es apacible mientras todo parezca estar en su lugar; es que aunque no se dedique a estructurar su existencia en base a un mapa de previsibilidades, depende mucho más de lo que le gustaría de cierta estabilidad rutinaria y cotidiana, para que su mundo no colapse.
Parecería que ni la autoevaluación ni el detenerse a examinar el estado de situación en el que vive son cuestiones que le quiten el sueño. Más bien se deja empujar por las circunstancias que la vida le coloca a su alrededor.
No queda claro si vive cómoda, si no tiene inquietudes que la lleven a reformularse, si tiene miedo a los cambios, o si profundamente prefiere que su entorno se modifique lo menos posible.
La cuestión es que a su apacible vida, en la que hace mucho tiempo las cosas vienen ocurriendo de una manera similar, de forma previsible, comienzan a llegar, de a una, situaciones desestabilizantes. Al principio intenta, sin alterarse ir asimilándolas de forma paulatina, no sin cuestionarlas ni buscar explicaciones.
Si hay algo de lo que Blondi no carece es de la necesidad de explicaciones, porque aunque no persiga objetivos su accionar está constantemente justificado, o autjustificado racional o afectivamente.
En cierta manera lo que le llega es el movimiento de la vida misma, “si quieres que algo muera déjalo quieto”, canta un músico del otro lado del charco, y tanto Blondi como todo su entorno familiar está muy vivo y coleando, por eso se mueve y mucho. Entonces, tendrá que moverse ella también.

Ficha técnica:
Título Original: Blondi
Dirección: Dolores Fonzi
Guion: Dolores Fonzi, Laura Paaredes
Protagonistas: Dolores Fonzi, Carla Peterson, Rita Cortese .Leonardo Sbaraglia
Género: Comedia / Duración: 87 minutos
Año: 2023 /
País: Argentina, Estados Unidos, España
Puede verse en Cines o en Amazon Prime Video

Certezas inciertas


Valeria Bertuccelli, escribe y co-dirige La reina del miedo una peli en la que su personaje principal, interpretado por ella misma, podría ser más de una mujer argentina representada en una gran inseguridad conformada por los sucesivos temores. Aquellos que se van depositando como en capas a medida que transcurren las existencias femeninas.
De manera contraria a lo que ocurre con “la alegría, que no es solo brasilera” y es un sentimiento que se extiende al resto de la humanidad, “la culpa y la autoexigencia” sí son solo atributos que se cargan a las féminas. En cierta forma son estados alienantes que las y nos mantienen preocupadas y no nos dejan existir con un poco más de paz.
Claro que es responsabilidad propia y del género revertir tales situaciones, esa es la parte que nos toca. El tema es que recorremos gran parte de nuestras existencias con semipadeceres, si tenemos la suerte de llegar a vislumbrarlos, la cosa mejora y si logramos revertirlos, el tinte ya comienza a aclararse y la vida comienza a tener más brillo.
El problema es que para cuando ocurre todo eso, ya ha pasado tal vez más de la mitad de nuestras vidas, de todas maneras ¡nunca es tarde! Y arremetemos en revancha oportuna, entusiasta y positiva.
La historia de Robertina, si bien es una típica estrella de teatro, muestra palmariamente los vericuetos sentimentales de ella como mujer. Pero a pesar de que se le presentan como un laberinto sin salida, Tina se revela constantemente, se debate entre el deber ser y lo que se es, entre el pragmatismo de cumplir con los negocios o con la humanidad de poner en valor a los afectos.
Ficha técnica:
Titulo Original: La reina del miedo
Dirección: Valeria Bertuccelli y Fabiana Tiscornia
Guion: Valeria Bertuccelli
Protagonistas: Valeria Bertuccelli, Diego Velázquez, Sary López, Gabriel Goity, Darío Grandinetti
Género: Drama
Duración: 107 minutos
Año: 2018
País: Argentina
Puede verse en Cinear 

Una voz en el teléfono ya pronto serás

Como siempre y desde siempre, lo hace tan bien, Pedro Almodóvar nos invita a perdernos en otro universo femenino más. Esta vez elige como basamento un monólogo creado por Jean Cocteau ((1889-1963) poeta, novelista, dramaturgo, pintor, crítico literario, diseñador, ensayista y cineasta francés) para ser interpretado por Edith Piaf (quien nunca se animó a ponerlo en escena) al que tituló: La voz humana.
Lo que nos lleva cuestionarnos si se trata de una voz humana. En realidad son dos voces humanas que dialogan al teléfono, pero solo somos testigos de una de ellas. Al contrario de lo que dicen los manuales cinematográficos sobre filmar a personajes hablando por teléfono, aquí el melodrama se sostiene en una llamada telefónica. Lo que ocurre es que esa conversación telefónica bien podría ser un monólogo del personaje femenino consigo misma.
La mono-conversación es una larga despedida, tan larga como lo permiten las mentiras, los reclamos, las súplicas, las manipulaciones, las caídas, los dolores y por fin las reivindicaciones y las verdades arrepentidas. En apariencias parecería un mediometraje amoroso pero cuánto de amor puede llegar a tener un adiós de aquello que fue una relación sentimental romántica. Desborda sentimientos y pasiones, pero todo ha ocurrido en el pasado.
Además la centralidad de la voz sirve de excusa y de vehículo material para trasponer en escena dramática la angustia, la soledad, el vacío y las frustraciones de algo que termina, de las resistencias a las despedidas, a dejar atrás mucho de lo que no queremos dejar irse.
Como trasposición de la obra de Cocteau y remake del mediometraje de Rosellini Almodóvar derrocha talento capturando planos cual cuadros pictóricos, resemantizando sus propias pelis: La ley del deseo (1987), Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) y Dolor y gloria (2019) y dirigiendo la actuación de una impecable e impagable: Tilda Swinton.

Título original: The Humain Voice
País: España /Año: 2020
Duración: 30 minutos / Género: Drama
Dirección: Pedro Almodóvar
Guion: Pedro Almodóvar, basado en una obra de teatro de Jean Cocteau
Dirección de Fotografía: José Luís Alcaine/Música: Alberto Iglesias/Decoración del set: Vicent Diaz/Diseño de Vestuario: Sonia Grande/Compañías productoras: Skydance , El Deseo, FilmNation Entertainment; distribución: Avalón
Reparto: Tilda Swinton: Mujer. Agustín Almodóvar, Pablo Almodóvar, Miguel Almodóvar
Puede verse la versión de Almodóvar: https://www.tokyvideo.com/es/video/2020-la-voz-humana
Puede verse la versión de Roberto Rosellini: https://www.youtube.com/watch?v=gbZ_1K6lbeE

Nada ni nadie queda indemne
A 40 años de Democracia seguimos exigiendo “Memoria, verdad y Justicia”

Nada ni nadie queda indemne
A 40 años de Democracia seguimos exigiendo “Memoria, verdad y Justicia”
Mientras la vida sigue, y pese a muchas intenciones de tapar el sol con la mano, la historia salta por los poros de la sociedad argentina y grita a viva voz que pasaron y pasan muchas cosas. La multipremiada peli La historia oficial mostró y seguirá mostrando una instantánea de una Argentina dolorosa pero tan real que nos sirvió a propios y extranjeros para pensar qué no queremos que ocurra Nunca más. Luego tarea para el hogar, qué hacemos en el cotidiano para que eso que no queremos que nos pase no vuelva a suceder.
“Comprender la historia es prepararse para comprender el mundo, ningún pueblo podría sobrevivir sin memoria”, dice nuestra actriz protagónica Norma Aleandro. Y vaya si esta peli quedará “grabada en nuestra memoria”. La necesidad de dilucidar la verdad recorre cada fotograma, cada audio, cada sensación, la premura de alcanzarla, de llevarla a la luz, se pelea palmo a palmo y en todos los rincones.
En cada ámbito que se muestra hay un malestar, nada está ordenado, los cuerpos y las almas están dolidos, sufrientes, acongojados, estupefactos por el horror que los acechó durante tantos años. “Perdí la noción del tiempo, fue como si se me hubiera roto algo adentro, que no sé si tiene arreglo. Todavía me despierto ahogada en la mañana y estoy allí colgada, me meten la cabeza en un tacho de agua. Después de siete años todavía me ahogo.” Nos cuenta una Chunchuna (actriz) íntima y misericordiosa consigo misma.
Mientras en la calle una manifestación exige: “Que digan dónde están! Milicos, mal paridos que es lo que han hecho con los desaparecidos, la deuda externa, la corrupción son las prebendas que ha tenido la nación. Qué pasó con las Malvinas que esos chicos ya no están!”, dentro de una paqueta y elegante empresa, que en sus pasillos se escucha hablar en inglés, parece reinar el orden, pero solo hasta que los problemas comienzan a colarse y la convierten en un lugar caótico.
Las exiliadas, los desaparecidos, la calle, los trabajos, pero también las familias sobrellevan con esfuerzo un presente heredero de un pasado muy reciente y negro, que además augura tiempos en los que los buitres rapiñarán lo que quede pudriéndose a la luz del día. “¡Nuestros pibes van a pagar los dólares que se afanaron, no comiendo, no pudiendo estudiar. No los vas a pagar vos, si vos no sos un perdedor!” Le escupe sin compasión un hermano al otro.
Pero siempre hay esperanzas, pero no en espera apática de regodearse en el sufrimiento, sino en la acción de exigir lo que por derecho propio nos pertenece y nos merecemos. Así, a pesar de los embates, de los golpes, de las heridas y aunque “Después del incendio no quedó nada, estas cuatro fotos nomás y nuestra memoria.” no está muerto/a quien pelea.
La puerta abierta a ser mejores cada vez es un faro guía que la peli iza como estandarte, cuando otorga el beneficio de la duda: “A lo mejor ella ni sabía que le estaban quitando a la hija.”, cuando nos permite equivocarnos: “Y porque hasta usted se merece una nueva oportunidad.”; sobre todo cuando le otorga al arte un lugar de redención, de liberación y de catarsis que nos hace un mimo al corazón: “La literatura siempre se encuentra con la historia”

Ficha técnica:
Titulo Original: La historia oficial
Dirección: Luis Puenzo – Director de producción: Marcelo Piñeiro
Guión: Aida Bortnik y Luis Puenzo
Protagonistas: Héctor Alterio, Norma Aleandro, Hugo Arana, Chunchuna Villafañe, María Luisa Robledo, Jorge Petraglia, Analía Castro
Género: Drama histórico
Duración: 112 minutos
Año: 1985 / País: Argentina
Puede verse en Netflix o en youtube

CUANDO ENSEÑAR SE CONVIERTE EN UN POLICIAL O, EL SUPLENTE

El suplente es una película argentina de reciente estreno, en la que un apacible escritor, algo frustrado por haber perdido, frente a otro competidor, el prestigio de ser premiado por su única novela; se enfrenta a los devenires de reemplazar a un docente en un colegio público de una zona baja en las periferias boquenses.
Así, con La Boca como escenario, con las inclemencias económicas a las que obliga la realidad de la marginalidad, con las frustraciones con las que se choca de manera cotidiana cualquier docente que intente llevar alguna brisa poética que ablande los jóvenes pero callosos corazones, con una pizca de dolor, otra de impotencia; el film propone mucho más.
No cierra puertas, no permite que las frustraciones se conviertan en fracasos; al contrario, cada traba es una oportunidad para modificar algo, para arribar a adaptaciones que no solo permitan seguir viviendo, sino transformar el entorno para ser mejores a cada paso.
Pero lo genial es que el proceso que hará nuestro protagonista no ocurrirá solo en cuanto a lo profesional; sino que mientras su trabajo lo acorrala, lo sacude con desafíos y sinsabores, en su vida personal le ocurre otro tanto. La simpleza no es algo con lo que pueda contar, más bien, sus días y noches mantienen una agitación monocorde. Como cualquiera, tiene una ex, una hija adolescente y un padre con algún padecimiento de salud.
Combo completo para un hombre que se verá envuelto en una trama policial por el simple hecho de ser parte de ese contexto. Bueno, tal vez, su espíritu inquieto y colaborativo lo lleva a involucrarse, “más de la cuenta” diría alguien, “con compromiso social, político, económico, etcétera” dirán otras y otros. Lo cierto es que, no en busca de palmas que se batan en su honor; transcurre un período otoñal con la intención de, no sólo poner parches, sino reconfortar las almas. “Esas cosas que “poseemos” las humanas y los humanos, que, al igual que la literatura, para nada sirven.”.
Ficha técnica:
Titulo Original: El suplente
Dirección: Diego Lerman
Guion: Diego Lerman, María Meira y Luciana De Mello
Protagonistas: Juan Minujín, Bárbara Lennie, Alfredo Castro, Rita Cortese, María Merlino
Género: Drama
Duración: 110 minutos / Año: 2022
País: Argentina-España-Italia-México-Francia
Puede verse en cines

De Hurlingham a Tilcara en búsqueda del cielo

En el predio del Microestadio Municipal de Hurlingham, el 6 de abril último se produjo un movimiento particular promovido por la banda hurlinguense Divididos. El fin fue la proyección del documental realizado por Roly Rauwolf y Benjamín Avila y producido por 300 Productora. De carácter netamente solidario se promovió el acceso con la colaboración de alimentos no perecederos y la participación de organizaciones sin fines de lucro.
De modo que estuvieron presentes la Fundación SI, recolectando donaciones; Red Solidaria, que promueven la búsqueda de chicas y chicos que están siendo buscados por sus familias; La Garganta Poderosa, que juntaron firmas para el proyecto de Ley para el Salario de las Cocineras Comunitarias; la Fundación Empate, integrantes de esta Fundación que tiene como objetivo la inclusión de personas con Síndrome de Down; Proyecto 4 patas, haciendo campaña de concientización para la adopción de animales callejeros y en contra del maltrato animal; y El Movimiento Ambientalista Hurlingham (MAH), que estuvieron juntando de firmas para el Proyecto "Reserva Natural Urbana Arroyo Morón".
El largometraje: “Tilcara, un poco más abajo del cielo” es un relato sobre el proyecto de la banda de ir a presentar en vivo el disco: “Amapola del 66”. Casi en tono de Road Movie los integrantes de la banda van dando testimonio del proceso de planificación y de puesta de acto del desafío de montar un enorme escenario e invitar a sus seguidores a sumarse a presenciar un show en vivo. Uno más de una de las bandas argentinas que mejor suena “au vivo”.
Con toda la intención de spoilear voy a contarles que al final, justo esa tarde, justo esa noche en la que se desplegó un montón de esfuerzo humano, en la que las montañas están iluminadas dando un marco poético al escenario, en la que todo estaba pensado al detalle, llueve. Pero no en tono de castigo divino, sino en bendición divina y es la coronación épica en el mejor de los epílogos que quedarán para la historia.
Luego de la proyección del documental, se proyectó el recital entero y a pesar de lo fresca que se puso la noche, casi todo el público se mantuvo firme hasta el último minuto. Luego, en silencio las personas se fueron alejando, asimilando esa energía puesta en acto que solo los grandes son capaces de transmitir. Gracias!

PINOCCHIO (pinnoquio)
PINOCHO PARA NOSOTRAS Y NOSOTROS 

Desde 1882, fecha en la que nos llegó de la pluma de Carlo Collodi, venimos leyendo Pinocho, generación tras generación. No solo nos llegaron versiones escritas, sino que el cine nos ha entregado muchas películas que contaban esa historia de la marioneta de madera que quería ser un niño de verdad.
Lo cierto es que de cuento infantil esta narración poco tiene, es más bien una historia con claroscuros que expone tópicos como la soledad, la ruindad, la explotación infantil, la crueldad social y la vida versus la muerte. Tal vez lo que la convirtió en una narración para niñas y niños haya sido las terribles consecuencias de “ser malos niños” y de “decir mentiras”, exponentes del comportamiento del “mal” niño Pinocho, todo lo que “un correcto infantil” no debía ser.
Pero el mundo fue cambiando y por suerte los niños y las niñas son personas con derechos, a ser rebeldes, a decidir por sí mismos, aunque el ambiente siga siendo un escenario de años ha. Como el de la segunda guerra mundial que elige Guillermo del Toro, director y guionista excelso, apasionado, humano e hipercreativo de esta sofisticada versión.
Del Toro escogió el camino complicado, 15 años les tomó la realización de este Pinocho, la técnica que eligieron los realizadores fue la de Stop Motion, que es una técnica de animación cuadro por cuadro. En el cine normal una película tiene 25 fotogramas por segundo, si en Stop Motion eligen la duración en 0.04 segundos para cada cuadro, obtendrán una animación de stop motion de 25 cuadros por segundo (fps).
Este procedimiento requiere de una especialización y una paciencia gigantescas. La película es una verdadera obra de arte estética y de guion, recomiendo ver, luego de la peli, el Making Off (el video que cuenta cómo se realizó el film).
También me preguntaba si las nuevas generaciones se quedarán con esta versión del Pinoquio en la que la ballena ahora es un monstruo marino, en la que Pinocho tiene libre albedrío y opta por proteger a su “mentor/creador”, en la que se resiste a ser como Carlo (hijo de Gepeto), en la que la magia llega para acomodar “lo importante”, nunca el egoísmo está en un lugar de privilegio. Y en la que, como en la vida misma, hay vida en los vivos más allá de la muerte de los muertos, siempre seguimos intentando.

Ficha técnica:
Titulo Original:
Guillermo del Toro's Pinocchio
Dirección:
Guillermo del Toro y Mark Gustafson

DAR VALOR A LO VALIOSO

En tiempos en los que la ideología dominante, aquella que establece los parámetros y los puntos de vista desde los cuales ha de pensarse la actualidad, la identidad y la realidad, ataca todo lo que tiene valor para las clases subalternas, la escuela no queda exenta de ser un blanco de acometida. Entre las agresiones que recibe se pueden encontrar: la exclusión de amplios sectores de la población (que aparezca solo permitida o accesible para las elites), el desfinanciamiento, la desvalorización de sus trabajadores (adjudicándoles sueldos bajos), la falta de vacantes, la estigmatización (sobre todo de la educación pública), etc.
De modo que encontrarnos con una película que defiende a ultranza la educación es bastante inusual. El niño que domó al viento es una peli que transcurre en África, en Malawi país que durante el año 2001, momento en que azota una terrible hambruna a su población, fue uno de los países que compartieron el 7% inferior de los índices de Pobreza y Desarrollo Humano del Programa de las Naciones Unidas.
En su trama se elige poner en valor al conocimiento, que comienza a entramarse en instituciones como la escuela, más aún en sectores sociales rurales, en los que históricamente los quehaceres intelectuales son despreciados. De modo que se pone en disputa mediante la brecha generacional, como si fuese una cuestión etaria, la brecha tecnológica y de conocimientos. Sin embargo el germen de que la ciencia y la tecnología eran importantes lo habían planteado de entrada el padre y la madre, ya que consideraban que su hijo debía ir a la escuela. Pero en momentos de desesperación y crisis, parecen caerse los sueños, las utopías y la racionalidad y solo puede verse “lo conocido”, como si fuera un volver a las raíces que tranquiliza. Su forma de vida sin acceso a los bienes intelectuales y académicos no les permitió grandes avances pero al menos es con lo que han ido sobreviviendo.
Pero no es suficiente con toda la sapienza que pueda alcanzarse si hay desunión, ese sí es un elemento de relación comunitaria que les ha permitido superar dificultades y vivir de la mejor manera posible. Y es lo que le plantea la mamá de Wiliam Kamkwamba, nuestro protagonista del día, al director de la escuela. De modo que queda muy bien planteado que el conocimiento lo generamos como humanidad, es un bien comunitario que nos pertenece a todos y a todas, a pesar de que algunos se lo quieran acaparar, nadie debería hacerlo.
Ficha técnica:
Titulo Original: The Boy Who Harnessed the Wind (El niño que domó al viento)
Dirección: Chiwetel Ejiofor
Reparto: Maxwell Simba, Chiwetel Ejiofor, Norma Dumezwei, Joseph Marcell, Aîsa Malga.
Género: Drama
Duración: 113 minutos
Año: 2019
País: Reino Unido
Puede verse en Netflix 

Mis valores, mi territorio

Luego de varios años de filmar en Argentina y “en argentino” Caetano decidió realizar su séptimo arte en el país que lo vio nacer. Si bien el paisaje cambia, el “mar” que costea Montevideo enmarca también los dramas callejeros que tan bien retrata este realizador. Tal vez “la calle” argentina o bonaerense tenga, para el director, una impronta que en lo cinematográfico pueda dramatizar de otra manera debido a que se acerca más a la ficción en la medida en que se va alejando de “las calles” tan conocidas de tan caminadas.
A veces el extrañamiento de la propia idiosincrasia cuesta tanto que se dificulta ficcionalizar la propia cultura y resulta mucho más fácil vérselas con otras formas de representación, algo alejadas a la propia forma de ver y de relacionarse.
Como sea Caetano junto a los actores y actrices con los que eligió trabajar logra construir ese universo tan hostil que se teje en los días y las noches que se viven a la intemperie, sin el derecho a un techo. Si bien el relato no deja de ser una tragedia, hay en la manera de contarlo, una cierta forma de revelarse, el drama está instalado, no puede escapársele, nadie puede huirle. Pero se convierte en una lucha por la justicia que le rompe todo los planes a la inevitabilidad trágica.
De modo que, a pesar de las desventuras, de la dureza de sufrir la intemperie, de los golpes sin pausa, Togo, el personaje principal ofrece un punto de fuga que parte desde los valores, desde los cuidados, desde la solidaridad, desde la amorosidad. Y decide enfrentarse no solo al destino sino a la falta de valores de una nueva realidad que irrumpe en la vida social que tiene nombre y apellido: “el narcotráfico”. Destino dramático y narcotráfico se convierten en el blanco al que apuntar para destruir si realmente se quiere vivir de otras formas.

Ficha técnica:
Titulo Original: Togo
Dirección: Adrián Caetano
Reparto: Diego Alonso, Catalina Arrillaga y Néstor "Tito" Prieto. A ellos los acompañan Luis Alberto Acosta, Marcos Da Costa, José Pagano, Federico Morosini y Sabrina Valiente, entre otros.
Género: Drama / Suspenso
Duración: 95 minutos
Año: 2022
País: Uruguay
Se puede ver en Netflix.

NUNCA MÀS 


Parece que “1985”, la peli argentina de reciente estreno, se está proyectando a sala llena, además de tener una perspectiva bastante positiva y con amplias posibilidades a ser candidata a los Oscars. No sé si ello es bueno, pero al menos asegura una buena cuota de pantalla: es la cantidad de público que debe llevar una peli para que no se la baje de cartel.
Y también es constructivo que la sociedad se esté movilizando hasta los cines, de forma masiva, para mantener viva la memoria de algo, que para la historia universal, pasó hace apenas un pestañear de ojos. De la misma forma que es muy nutritivo para el tejido discursivo social que en las conversaciones de refloten tanto los sentimientos como las anécdotas que se experimentaron por aquellos años. Y sobre todo hacer partícipes a las nuevas generaciones.
Sobre todo, en momentos en los que asoman intenciones de querer volver a exterminar físicamente a personas por ser portadoras de ideología. Aunque haya quedado fehacientemente comprobado que la eliminación física de las personas no mata a las ideas, aún hay personas y grupos que reivindican esas maneras de actuar.
De forma que transmitir cinematográficamente (una de las mejores maneras en las que los discursos de diseminan), con cierta ficción apegada a la realidad, el Juicio a las Juntas Militares lo considero un hallazgo. Además en el preciso momento en el que hace mucha falta recordar de qué forma no queremos vivir, que no toleramos y qué justicia es la que no queremos. El resto es “tarea para el hogar”, conseguir que todo lo anhelado se cumpla.
En cuanto a lo estrictamente fílmico, puede decirse que el guion conforma una estructura tan dinámica y entretenida en la que la comicidad y la acción absorben la parte dolorosa, de modo que podemos pasar por este mal trago con risas y expectación. La recreación de época está impecable, ropas, objetos, autos, etc. nada falta. Las actuaciones son sutiles y precisas, el protagónico de Darín supera con creces su perfil actoral standard. La música se sostiene con exactitud y perfectamente representativa. El archivo fotográfico, perfecto. ¡Una joyita para no perderse!

Ficha técnica:
Titulo Original: Argentina, 1985
Dirección: Santiago Mitre
Guion: Santiago Mitre y Mariano Lliná
Reparto: Ricardo Darín, Peter Lanzani, Alejandra Flechner, Norman Briski, Carlos Portaluppi
Género: Judicial / Dictadura
Duración: 140 minutos
Año: 2022
País: Argentina – Coproducción con EEUU
Por ahora solo puede verse en cines ¡Buena oportunidad para allegarse a la pantalla grande! 

¡Si arde la tierra, que arda la pasión! 

La tierra como primer y último confín a defender, como al cuerpo mismo. Mientras nos cuesta entender lo unidos que estamos al territorio por habernos convertido en desterrados en nuestra propia tierra; seguiremos siendo parias desorientados.
El ardor nos devuelve a esa comunión tan necesaria, fortalecedora e identitaria que sólo es posible en ese contacto tan cercano con las raíces mismas, que nos permite esa unión tan sagrada con el universo que se hace patente simplemente pisando el pasto con los pies desnudos.
El ardor es un Western latinoamericano en el que el oro es la tierra, porque estos nuevos cawboys saben que el oro no se come, no se bebe, ni se respira. Y también saben que tienen la más ardua de las luchas ya que “¡No pueden comprar la tierra, no se vende!”, y cuánto más amenazada está más resistencia para salvarla habrá.
Además estos cawboys modernos son mercenarios que nada entienden de sabiduría chamánica, de poderes ancestrales que resguardan las selvas amazónicas, de fuerzas heredadas de resistencias inclaudicables. Porque podrán quitar la vida a un cuerpo o desaparecerlo, pero su espíritu seguirá vivo en la descendencia, “somos un pedazo que vale la pena” y la cosmogonía lo entiende, lo sabe, lo valora y lo trasmuta.
Impecable peli, de esas para rememorar, con el ritmo pausado de lo nativo, con su halo misterioso y con el contraste que le da el pulso acelerado de la persecución, de la inevitabilidad de lo trágicamente injusto.

Ficha técnica:
Titulo Original: El ardor
Guion y Dirección: Pablo Frendrik
Reparto: Gael García Bernal, Alice Braga, Claudio Tolcachir, Lautario Vilo, Jorge Sesán, Julián Tello
Género: Drama, acción, secuestros, desapariciones
Duración: 90 minutos
Año: 2014
País: Argentina-Brasil-Estados Unidos-México-Francia

Trailer Oficial: https://www.youtube.com/watch?v=8MnrxH0eT5w
Podrás verla, si la encontrás, suerte! 

ALMAS LIBRES, OTRA HIPÓTESIS ES POSIBLE

Dicen que los niños, niñas, locos, locas y borrachos, borrachas son quienes dicen verdades. Y parece que Biglietti (Con “B” larga) ha llegado a un núcleo familiar a desestabilizar y a cantar descaradamente “la posta” a esos seres acartonados, que, de tan rígidos, pareciera que no les corre sangre por las venas o que de pasiones nada comprenden.
¿Cuán costoso le fue andar despilfarrando la vida en sufrimientos a fondo a este personaje principal? puede constatarse tanto en pérdidas materiales, como en padeceres físicos ¿qué sería de la vida de todos y todas sin estos desvíos, que planteados como antihéroes, finalmente resultan los héroes liberadores? Y cuando Bigli baila ¡le baila a la vida!
¿Pero qué liberan y a qué costos? Desde el Quijote hasta aquí ellos, los antihéroes, han dado rienda suelta a la fantasía, al deseo, al permiso (autoinflingido) de salirse de los cánones y estereotipos ejercidos por mandatos irrenunciables. Siempre los órdenes imperantes se han cobrado con creces semejantes atrevimientos.
Por ello tal heroicidad tiene su proporcionalidad directa con el sufrimiento pero también en relación a los favores que entregan con enorme generosidad al “progreso” de la libertad. Los padecimientos que generan a su alrededor no tienen que ver con su egoísmo como con normalidad se los acusa, sino con el castigo social, epocal, de estructuras rígidas, tan estrictas que al no ceder ni un ápice castigan por doquier cualquier desvío impertinente.
Con Bigli me llegó al presente la vida de mi abuelo, periodista trasnochado, viudo también, que ha pateado más de un tablero, tan querido como vilipendiado. En definitiva, la vida solo “C’est la vie” y las disculpas en nombre de tanta injusticia llega por la mirada y el tratamiento que la peli hace con mucho amor y de forma reivindicativa del personaje y de todo su actuar.

Ficha técnica:
Titulo Original: Bigli
Dirección: Nicolás Tacconi
Guión: Nicolás Gueilburt, Nicolás Tacconi, Dodi Scheuer.
Reparto: Luis Luque, Ana Celentano, Sebastián Gagliardi, Laura Grandinetti
Género: Drama
Duración: 78 minutos
Año: 2021
País: Argentina

Puede verse en Cine.ar por un alquiler de $ 90. 

La sumisión es ajena, la valentía es nuestra
Los antihéroes son tan argentinos como la misma idiosincrasia local 


La combinación de “Policial” con “Comedia” siempre dio buenos resultados, y “Tiempo de valientes” viene a certificar que tal mixtura es un salvoconducto hacia el entretenimiento seguro y que no muestra fisuras. La clásica combinación de dos detectives como pareja en pos del espionaje internacional es tal cual, pero está construida con matices que enriquecen el perfil del clásico policía o investigador.
Las vicisitudes de la actualidad del policía principal solo pueden conducir a la inevitabilidad, casi con la misma direccionalidad con que la tragedia busca ese final fatal, de caer solo en compañía del segundo personaje que intentará colaborar con él. Por momentos el hilo que conduce la trama comienza a enredarse de tal forma que ya no sabemos quién colabora con quién, quién duda de quién, quién padece más que quién.
Como siempre nos une más el espanto que el amor, ambos personajes principales quedan, marcados por sufrimientos similares, intrincados en padecimientos que se espejan según avanza la trama. Los momentos en los cuales cada personaje muestra su solidez regodeándose en las particularidades de su rol, son los que más van a provocar nuestro placer divertido de sentirnos un poco en la piel del ignoto que debe acompañar sin escapatoria al profesional. Sentimos su desamparo tan parecido al que sufriríamos en su lugar que nos reímos de él y de nosotras mismas o mismos a la vez.
Por tal motivo, se garantiza el disfrute que implica la tensión de acompañar las complicaciones que cualquier investigación policial demanda, sumado a las delicadas pinceladas de comicidad. Las que se intercalan con la sutileza elaborada entre el guion, la dirección y la actuación.
Como siempre la risa a coro se contagia y se potencia es aconsejable dedicarle a la peli una expectación en compañía, sea cual sea que elija. Ya que estamos en vacaciones, desde 13 años en más puede disfrutarse sin dudas, algún que otro un poco más pequeño la ha visto sin traumas aparentes.
Ficha técnica:
Titulo Original: Tiempo de valientes
Dirección: Damián Szifrón
Guión: Damián Szifrón
Reparto: Diego Peretti, Luis Luque, Oscar Ferreiro, Gabriela Izcovich, Martín Adjemián, Tony Lestingi, Carlos Portaluppi, Ernesto Claudio, Daniel Valenzuela, Antonio Ugo
Género: Thriller. Acción. Comedia | Policíaco. Buddy Film. Crimen
Duración: 110 minutos
Año: 2005
Se puede ver en Netflix 

SÁLVESE QUIEN PUEDA 

Si has caído en las garras de algunos de estos seres, difícil es que puedas salir indemne.
Tanto de tragedia tiene cierta ficción como la realidad misma. Muchas personas simplemente creen que han tenido mala suerte, peor racha o que han tomado una serie infinita de erróneas decisiones que les han dejando en un punto sin retorno. Pero tal vez lo que han hecho es montar un espectáculo para sí mismas con extrañas justificaciones sumado a algo más pésimo aun, han ido negando una a una todas las señales que sus propias percepciones les han ido entregando como signos de alarma.
Estar frente a estos seres nos pone en un nivel tan primitivo en relación a lo instintivo, que no podemos creer que algún humano tenga sus comportamientos tan parecidos a un depredador. Pero lo son, son parásitos depredadores, son dueños y señores de cuanto les rodea. Y no hace falta que hayan montado un imperio a su alrededor. Cada uno de estos especímenes infrahumanos, en la medida de sus propias vidas, instalan sus propios reinos en los que son amas, amos y señoras, señores.
La representación que escenifica la peli “La ira de Dios”, puede que nos deje aliviadas y aliviados en cuanto se trata solo de una ficción. Pero tengo una mala noticia, hay muchos de este tipo de personajes en la vida real, hay diversas estadísticas y sus tipos o grados de fechorías son variados. Pero una cosa es segura, son soles negros, que en lugar de dar lugar a crecimientos sólidos, saludables y felices, todo lo que tocan lo arruinan.
Dedican sus vidas a pergeñar, siempre están tramando, enredando con sus telas de arañas, mientras tú vas inocentemente viviendo tu vida, fueron, dieron varios saltos en el aire, cayeron, volvieron y te cocieron. Si esto no te da suficiente miedo, busca la peli en Netflix, si no te atragantas con el pochoclo, adelante, pero por más que te advierta, le creerás todas sus excusas. Ah, no lo olvides, siempre son víctimas y sufrientes de una realidad que los maltrata.

Ficha técnica:
Titulo Original: La ira de Dios
Dirección: Sebastián Schindel
Guión: Sebastián Schindel, Pablo Del Teso. Novela: Guillermo Martínez
Reparto: Juan Minujín, Macarena Achaga, Diego Peretti, Monica Antonopulos, Guillermo Arengo, Romina Pinto, Ornella D'Elía, Germán de Silva
Género: Thriller
Duración: 98 minutos
Año: 2022 

Engañar siempre es un arma

El engaño compromete nuestra ética y nuestra moral, hay que tener una construcción personal bastante particular para embarcarse en situaciones que escondan la verdad para favorecer, al menos nuestra imagen frente a las y los demás. Dicen que hay mentiras piadosas, según para quién y qué cosas sean las que se pongan en juego. De todas maneras las verdades aseguran la autenticidad de quienes las portan y las mentiras sostienen máscaras con las que algunas personas aseguran sus relaciones o impulsan amplios beneficios mediante esa manipulación.
La cuestión de los y las espías tiene un antiguo recorrido en nuestra cultura, por lo general se asocia a potencias (poderes) a las que les es imperioso mantener sus dominancias. La Segunda Guerra Mundial fue un hito trágico plagado de inteligencias y contrainteligencias. La peli “El arma del engaño” se ocupa de esa temática, cómo puede operarse con el espionaje a favor, de manera que colabore en su propio detrimento. Y precisamente la temporalidad en la que se ubica es en aquella década oscura para la humanidad en la que el nacismo se encargó de destruir y asesinar a diestra y siniestra.
Hemos transcurridos cantidad de horas en impostergables padecimientos, al menos por empatía, frente a diversas pantallas en las que se transmitían o proyectaban films de la Segunda Guerra, o, y de espías. Con mil y un puntos de vista, desde los más funestos que recreaban las dramáticas vivencias en los campos de concentración, pasando por los thrillers, hasta las comedias en las que las pintaban como un juego de niños, como en “La vida es bella”.
En esta película se elige contar estas vicisitudes desde la retórica del amor imposible, de modo que el sufrimiento ya no es el de la violencia ni el de la muerte sino que es el sufrimiento por amor. Lo que se despliega, entre las peripecias que ponen en vilo los presentes de los y las protagonistas, son esos detalles que crecen cada vez con más fuerza cuando dos personas se encuentran atraídas por mil y una circunstancias, pero que saben que ese amor está destinado a no concretarse.
Mientras el amor está esforzándose por triunfar entre tanto odio, el engaño, como arma, intenta colaborar en favor de los aliados y en contra de los nazis.
Ficha técnica:
Titulo Original: “Operation Mincemeat” (Operación carne picada) (Título en Netflix: El arma del engaño)
Dirección: John Madden
País: Reino Unido
Protagonistas: Colin Firth, Matthew MacFadyen, Kelly Macdonald, Penelope Wilton
Género: Drama / Hechos reales
Duración: 128 minutos
Año: 2022

Puede verse en Netflix 

¿Ayer, hoy o mañana se pudo o se puede arreglar el mundo?
Título: Hoy se arregla el mundo

Pareciera que ser madres, “buenas madres” es una condición “sine cua non” (que es indispensable) en el hecho de ser mujer, sin la cual nos convertimos en unos seres detestables. “La hija oscura” es un film que nos incomoda cuando nos plantea el lado B de la maternidad. Todo aquello que oscurece la historia rosa que nos cuentan desde pequeñas, cuando nos enseñan que cambiar pañales a un bebote es tan divertido como jugar a la pelota. De modo que si a cualquier mujer se le ocurre salir a “patear la pelota” en cualquier momento de su vida, en lugar de sostener ese rol de abnegación, es pasible de recibir una sanción, al menos moral de parte del resto de la sociedad.
Como ya sabemos muchos roles que históricamente hemos cumplido las mujeres, son ocupaciones no remuneradas que el sistema se termina ahorrando, ya que ningún sueldo estaría en condiciones de solventarlas. Por tanto toda nuestra crianza gira en torno a alimentar y potenciar la amorocidad hacia la humanidad toda, para que logremos entregar alma y vida al cuidado de las y los demás en detrimento de la realización personal.
Ahora, qué individualista suena la “realización personal” en contraposición a “la solidaria actividad de cuidados”. Para más tarde defenestrar a los padres abandónicos y alabar a las sacrificadas y altruistas mujeres… pero que Dios te lo pague. Las mujeres y las infancias somos la parte más pobre de la población mundial.
Luego cada quien, más allá de ser madres o padres, decidirá si hacerse cargo o no de los cuidados, o poner foco en sus crecimientos personales individuales. Lo óptimo, como siempre, serían los equilibrios, que todos y todas pudiésemos hacer ambas cosas sin costos personales, familiares ni sociales. Pero siempre se hace más difícil estando del lado del que cuesta llegar a fin de mes, por lo que la resignación y los padecimientos se transforman en moneda corriente.
Las crianzas y los crecimientos implican estas contradicciones, que por supuesto son bienvenidas, ya que nos ponen de frente a la búsqueda de superaciones que nos dejen en lugares, al menos, un poco más cómodos. Y de parabién las incomodidades que nos mantienen en movimiento.

Ficha técnica:
Titulo Original: La hija oscura
Dirección: Maggie Gyllenhaal
País: EE.UU:
Protagonistas: Olivia Colman, Jessie Buckley, Ed Harris, Dakota Johnson, Peter Sarsgaard, Paul Mescal, Oliver Jackson-Cohen
Género: Drama psicológico
Duración: 121 minutos
Año: 2022

Puede verse en Netflix 

PORQUE VIVIMOS A GOLPES…

Porque a penas si nos dejan decir que somos quien somos…
Otra nueva oportunidad, de esas que se esperan largo tiempo, como es el estreno de una película de nuestro caro Almodóvar que logra llevarnos sin pausa y sin prisa a alguna sala del conurbano bonaerense. Puede explicarse esa atracción que ejerce en los públicos tal vez por la herencia creativa que pudo haber absorbido de nuestro benemérito Manuel Puig. Tal vez no sea solamente coincidencias de plumas y de puestas de cámara lo que pinten esos universos femeninos como pocos y pocas lo han logrado, con esa manera de llegar a las fibras que solo algunos y algunas privilegiadas logran componer.
Quizá algo más trascienda sus creaciones como puede ser la herencia, los genes españoles o la historia que si no se resuelve sigue repitiéndose hasta que aprendamos. ¿Cuánto de la Guerra Civil española podemos equiparar a sucesos y tragedias ocurridas en la última dictadura Cívico Militar argentina? ¿Cuántas capas de sentidos, sentimientos y sufrimientos podemos encontrar en la pérdida de una bebé de meses? ¿Y cuánto puede semejarse una privación de identidad a la desaparición forzada de personas ocurridas en ambos momentos históricos, español y argentino?
La lágrima estará garantizada tanto como los silencios que dejan aparecer lo inevitable. Nuestras amigas nunca resignan ni se resignan, sus fortalezas las representan fieles a sus géneros leoninos llenos de sabanas traspasadas y por atravesar. Y claro que no quedan indemnes y no les queda más remedio que relamerse las heridas y jurarse y perjurarse, cada vez, que esa será la última.
Justicia es lo que empieza susurrando la peli, hasta que termina gritándolo a los cuatro vientos. Y en ese pedido lo que termina fabricando nuestro director de cabecera es una molotov que estalla en el seno del patriarcado, al que se le reclama y se lo acusa de todo. El que tendrá que poner las barbas en remojo por ser la mejor creación de este mundo manejado por los monopolios, destructor de futuros, tanto materiales como ambientales. Invención que ha permitido la explotación del hombre por el hombre y del hombre por la mujer. Me tiraron de la lengua, y si hay que decirlo, digámoslo. Gracias Pedro!

Ficha técnica:
Titulo Original: Madres paralelas
Dirección: Pedro Almodóvar
País: España
Protagonistas: Penelope Cruz, Milena Smit, Israel Elejalda, Rossy de Palma, entre más…
Género: Drama / Maternidad Melodrama
Duración: 123 minutos
Año: 2021
Puede verse en cines / Neflix

¿Ayer, hoy o mañana se pudo o se puede arreglar el mundo?
Título: Hoy se arregla el mundo

La peli que propone algo así se titula: “Hoy se arregla el mundo”. ¡Para pretender, pretende alto y pomposo! Y tal vez un despistado o despistada tenga la expectativa de ver, en la pantalla que elija para tal proyección, una solución al hambre, a la miseria y a las guerras. Pero no, la peli propone una muy prolija situación de unas personas a las que poco les falta hablando de satisfacción de necesidades materiales. Pero las que tal vez carezcan de humanidad.
Quizá, luego de ver la peli en cuestión, se me tilde de extremista. Si todo cierra… si es la perfección hecha guion llevado al fílmico. Si se plantea el drama… si todos los conflictos están perfectamente planteados, si se producen todos los escollos necesarios para el arribo al climax y a la resolución. ¡Y si, por supuesto, cuenta con excelentes actuaciones!
Y está bien, lo cordial no quita lo valiente. Hay dramas personales tremendos ¿pero qué pasa cuando a esos dramas se le suma que no tenés un peso partido al medio y que nunca nadie en tu familia lo tuvo y que no hay perspectivas de que puedan tenerlo hacia el futuro? ¡Ahí se complica mucho más! Todo se vuelve más dramático aún.
No es dramatismo, negativismo, frustración ni odio de clase. Es simplemente mirar alrededor, no quedarnos en nuestros dolores personales, que sí duelen, que sí merecen ser contados, que son tan reales como penosos. Pero es que es un buen momento como humanidad de pensarnos como un todo, no solo los y las seres humanos y humanas sino también la naturaleza, la tierra. El tan mentado ecosistema que nos enseñaron en la primaria. Si un solo ser del ecosistema se cae, sufre, muere, se altera, el equilibrio se rompe y puede perecer el sistema todo. La cultura Aimara le llama: “El buen vivir”.
¿Qué tendrá que ver chicha con limonada? Se preguntarán… Y la respuesta es todo: los esfuerzos de cada día deberían estar motivados a un arreglo comunitario de este despiole, desastre, catástrofe que nos está quedando hecho el mundo más allá de las problemáticas personales. Creo que estamos frente a una emergencia, que es necesario dar respuestas y que tenemos mucho que hacer para arreglar este mundo, que no se compondrá solo y que necesita una reparación urgente.

Ficha técnica:
Titulo Original: Hoy se arregla el mundo
Dirección: Ariel Winograd
País: Argentina
Protagonistas: Leonardo Sbaraglia, Natalia Oreiro, Benjamín Otero, Diego Peretti, Gabriel Corrado, Charo López
Género: Drama / Comedia
Duración: 113 minutos
Año: 2021

Puede verse en Netflix 

ELIGE TU PROPIA AVENTURA 


Si optaste por ver la peli: “No mires arriba” (que encontrarás si tenes acceso a Netflix) podrás elegir hacerte la película que quieras. ¡Alerta spoiler! ¡Avisados y avisadas!
Hipótesis 1: La ciencia y la tecnología nada lo pueden. Ambas han llegado a un estadío tan alto que pueden avizorar que un asteroide colisionará con la tierra y la destruirá, pero no pueden transmitir esa racionalidad a la humanidad. La cual vive en estado de bobera total y su nivel intelectual máximo le permite hacer “memes”. (Metáfora de la Pandemia del COVID-19).
Hipótesis 2: La humanidad merece la extinción. Si las personas no analizan, investigan, estudian, leen, discuten y solo se limitan a opinar sobre la vida amorosa de los famosos, rondar eternas horas en las redes sociales y, como ya se dijo, hacer “memes”… Y solo hay un par de iluminados que dedican sus vidas a ello, que por otra parte es complejísimo, demanda niveles académicos inalcanzables… Merecemos ser historia, nadie nos extrañará y menos este planeta tan arrasado por nuestra ambición desmedida.
Hipótesis 3: Los y las gobernantes son tan ambiciosos como las corporaciones y en alianza siempre destruyen, de variadas maneras, a las y los ciudadanos, que tan inocentemente depositan sus votos a su favor. Y luego adoran y perpetúan sin la mínima crítica.
Hipótesis 4: Eres la única ilumiada o el único iluminado, el resto de la humanidad está hechada a perder.
Cómo y cuál sea la opción que hayas elegido ¡estas jodido o jodida! Eso es lo que te repite la peli. ¿Pero, qué tal si lo ves del lado del humor ácido? ¡Todo cambiará! Entonces te encontrarás de frente con una caricatura de nuestra sociedad, de lo peor de ella. Pero como siempre reaccionaras con una carcajada, con una mueca o con desagrado. Está en ti disfrutar de la acidez humorística o enojarte con un retrato tan pesimista. ¡Pero nunca perdamos ni la esperanza ni las ganas de dejar un mundo mejor!

Ficha técnica:
Titulo Original:Don´t look up
Dirección: Adam McKay
Guión: Adam McKay y David Sirota
País: EEUU
Protagonistas: Leonardo DiCaprio, Jennifer Lawrence, Rob Morgan, Jonah Hill, Mark Rylance, Tyler Perry, Timothée Chalamet, Ron Perlman, Ariana Grande, Scott Mescudi, Cate Blanchett, Meryl Streep.
Género: Comedia, catástrofe, sátira
Duración: 145 minutos
Año: 2021
Puede verse por Netflix

EL ARTE COMO VÁLVULA DE ESCAPE DEL DOLOR


Cuando el padecimiento de alguien más nos mira tan de frente como lo hace la magistral música y voz de Luca Prodan se nos estremece la sensación y dan ganas de abrazarlo. Con la inocente creencia de que cualquier gesto de contención, de empatía transitoria pudiera reparar tanta pena acumulada. Es impactante como un alma lastimada queda tan estancada en etapas infantiles que solo las mueve las básicas satisfacciones de un tirano cerebro adicto.
“Luca vive” se regodea en la ambivalencia constante de una realidad que destella momentos que tienen que ver con la ciudad, los trenes y los subtes, el resto del tiempo deambula en una nebulosa envolvente, inestable e invasora. Hasta tal punto se adueña de la pantalla y de las emociones que toda urgencia pasa a ser la necesidad de un ancla, de una linga que nos rescate de esa inestabilidad sensorial. Da un respiro cuando invita a compartir momentos al sol, con el mar de una playa y las sonrisas de disfrute de Luca y de “la rubia tarada”.
La circularidad de la peli es tan trágica que, a pesar de conocer el destino de nuestro querido Luca, ya en la primera toma está presagiado el final. La curva dramática va sumando tensiones entre intermitentes puntos de fuga que esperanzan las posibilidades de un cambio de fortuna. Pero se sabe, la genialidad no es gratuita, es como si necesitara cobrarse una retribución por un pacto con algún lado oscuro de la historia o de la vida. Tal vez el tributo sean años de vida, tal vez el sufrimiento a cambio de poder crear en la majestuosidad inventiva de una corta y padeciente existencia.
Como sea, Luca llegó al Oeste del Conurbano, a nuestra querida Hurlingham, plantó bandera y no paró ni un segundo de dejar huella, sacudió las pacatas costumbres de una argentina post dictadura y marcó tanto musicalmente como ideológicamente a más de una generación. Donde estés se te agradece la pasión y la entrega, tu música siempre nos acompañará.

Ficha técnica:
Titulo Original: Luca vive
Dirección: Jorge Coscia
Guión: Carlos Polimeni, Daniel Ritto y Jorge Coscia
País: Argentina
Género: Drama – Biográfica - Musical
Año: 2002
Duración: 126 minutos
Intérpretes: Daniel Ritto, Tom Lupo, Valeria de Luque, Lorena Damonte
Puede verse en: Cine.ar

VOLVER 

Tal vez en esa oportunidad el mítico grupo de Liverpool intentó “revolver” a los escenarios, ya habían transcurrido algunos años sin ese vibrante contacto con sus fans. Solo se habían dedicado a grabar en estudio, en donde se sentían cómodos y alejados del stress que significa “un vivo”. Lo cierto que por más de una semana intentaron ensayar lo que hubo podido ser un concierto en vivo para TV.
Varias cabezas decidieron registrar en material fílmico esos ensayos en un invierno de 1969 realizados en algún estudio alquilado para la ocasión. Al principio lo inhóspito del gran hangar y el frío delatado por los ensayos llevados adelante con abrigos largos y sacos de piel estuvieron casi en composé con los estados de ánimo de los cuatro músicos. La apatía trunca en continuado cada tema que se proponen sacar o terminar de componer. Nada fluye, todo se traba más aún cuando la presión opera en búsqueda de los resultados nunca alcanzados. Había que perfeccionar los nuevos temas y además aprenderlos, el tiempo era escaso.
Solo debían ensayar, el mundo giraba alrededor de ellos, cada detalle estaba siendo monitoreado, conversado y planificado por un gran equipo que en torno al cuarteto estaba al firme de mejorar lo casi perfecto. Mientras un director y un camarógrafo no pierden detalle de todo lo que allí ocurre. Y lo que flota es música, música y más música, con letras y sonidos. Por momentos, en los que se presencia la creación de temas que sabemos al dedillo, el deseo de entrar en la pantalla y cantarles lo que sigue, o la tonada final nos remite a un “volver al futuro”.
Pero las tensiones sólo se relajan cuando las energías suben a tope, los ritmos y los volúmenes se intensifican. Ocurre esa mejoría previa a la “muerte”, el desenlace está a la vuelta del acorde, del golpe de platillo, la separación es inminente. El concierto nunca fue tal, lo genial que confluía entre esos cuatro seres especialmente musicales se difuminó y cada quien siguió con sus música por otros lares. Nunca supimos lo que allí, en aquel año, entre ellos ocurrió, hasta hoy que a alguien se le ocurrió compartirlo con el mundo. Se agradece! Y como siempre no olviden que la creatividad nos tiene que encontrar trabajando, como nunca dejaron de hacer ellos!

Ficha técnica:
Titulo Original: Get Back
Dirección: Peter Jackson
País: Reino Unido
Género: Historia - Documental
Año: 2021
Duración: 157 minutos
Intérpretes: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr
Puede verse en: Disney+

JUGUEMOS A LA RONDA MIENTRAS EL LOBO NO ESTÁ

Tengo una premisa casi religiosa de no leer nada antes de poner manos a la obra al escribir algo sobre alguna peli. Y así venía hoy, hasta que tuve la mala idea de leer alguito, que cayó buscando la ficha técnica del film en cuestión. De modo que mi visión se vio modificada, ya no soy la misma, ya no puedo decir lo que iba a decir sin sentir que estoy faltando un poco a la completud del análisis.
Resulta que tenía planificado contarles a quienes quieran leer estas palabras que había encontrado a un director al que me gustaría parecerme cuando fuera grande, o cuando me animara por fin a ser más cineasta de lo que soy. El muchacho se llama Matías Szulanski, su peli: “Flipper” y lo más importante que puede rescatársele es su argentinidad. La comedia negra es algo que me parece complejo de realizar y que me encanta ver, creo que lleva en su trabajo mucha inteligencia y sensibilidad. Y me dije: “tenemos aquí un Alex de la Iglesia argentino”. Otro, José A. Martínez Suárez, ya se nos fue, por suerte nos dejó su legado.
Como siempre, muchas y muchos críticos y críticas le bajan el precio a las pelis, porque nunca han puesto “manos al quehacer” en la difícil tarea de filmar, de hacer cine, de laburar lo fílmico codo a codo con el equipo que toque o que se haya elegido. En conocimiento de esa compleja labor, lo primero que hago es agradecer y felicitar la épica puesta en juego a tal fin, más tarde comentar lo que se puede ver como evidencia de tal realización y se finí.
Por ello agradezco la combinación de conocimientos sobre el cine que el director puso a jugar entrelazados con sus propias invenciones. Creo que la creatividad es, justamente, la puesta en acto de esas combinatorias de lo que conocemos y lo que podemos aportar con inventiva singular. El di Matías Szulanski trae en su mochila al director finlandés: Kaurismäki, como también films musicales como el francés: “Los paraguas de Cherburgo”, sin dejar de mencionar a la comedia negra en todas sus formas, pero nada de toda esa conjunción podría ser nada sin la cuota de argentinidad. El director es tan argentino como la mayoría de los sentidos que se articulan. No sé ustedes, pero yo ya tengo mi director fetiche rioplantense, lo seguiré mientras pueda.
Y dejemos jugar/filmar a nuestras y nuestros directores, que puedan ser y hacer antes de que el lobo llegue otra vez, en cualquiera de sus formas.

Ficha técnica:
Titulo Original: Flipper
Dirección y guión: Matías Szulanski
País: Argentina
Género: Comedia negra
Duración: 123 minutos
Intérpretes: Ana Clara Lasta, Fabián Arenillas, María Villar, María Jantus, Julieta Tramanzoli, Nacho Pérez Cortés

FANTASÍA EN FA MENOR

A medida que pasa el tiempo hay conductos que se van secando por falta de irrigación y flores internas que se van poniendo mustias por ausencia de música entretanto se habita este mundo. Ello es lo que les ocurre a las vidas de estos cuatro profesores de escuela. Pareciera que la existencia les fue sucediendo, que casi sin darse cuenta llegaron a una edad en la que no saben muy bien por qué hacen lo que hacen.
No son felices, pero tampoco se plantean cambiar nada, a cada uno les pasan diferentes cosas, el primero simplemente transita rutinariamente sin apasionarse por nada, el más joven está colapsado por las demandas que puede significar el momento de crianza de tres pequeñidades, el tercero acompaña la corriente sin grandes expectativas de nada y, por último, al cuarto le hubiese encantado tener hijos pero deposita todo su amor en los pequeñuelos a quienes les enseña a jugar al football.
Los cuatro deciden emprender un experimento que consiste en mantener un nivel de alcohol en sangre constante solo durante el día, lo harán mientras llevan un registro de la experiencia y comienzan a suscitarse los efectos positivos y negativos. En este proceso nos enteraremos de más detalles, querremos consolarles y hasta abrazarles.
Pero al final estaremos muy de acuerdo con el director en que lo que siempre vale la pena es festejar la vida, que todos y todas cargamos con nuestros padecimientos, temores, alegrías y pasiones, que no hay juicios que conduzcan a nada. Y que lo compartido dándonos con sinceridad amorosa es lo que cuenta y llena las almas de calor reconfortante.
Música de la peli: “Fantasía en Fa menor, op. 103, D. 940” de Franz Schubert, “La tempestad, op. 18” Piotr IlichTchaicovsky, “Sonata en re menor K.1, L. 366” de Doménico Scarlatti, “Cissy strut” de The Meters y “Turn me on” de Orva & Nielsen.

Ficha técnica:
Titulo: “Otra ronda” /Drunk (originario: What a Life; inglés: Another Round)
Dirección: Thomas Vinterberg
Guión: Thomas Vinterberg. Tobias Lindholm
País: Dinamarca; co-producción: Dinamarca/Suecia/Holanda
Reparto: Madd Mikkelsen: Martin, Thomas Bo Larsen: Tommy, Lars Ranthe: Peter, Magnus Millang: Nikolaj, Maria Bonnevie: Marika, Helene Reingaard Neumann: Amalie,
Género: Drama
Idioma: Danés
Duración: 116 minutos

LA ILUMINANCIA DE LA TRASCENDENCIA

Tal vez comenzar diciendo que recién he terminado de ver la “mejor película” (quizá porque transcurra en “la mejor ciudad”) que he visto hasta el momento, acaso porque todo lo que ocurre refiere a “el lugar en el mundo” donde hicimos todo casi por primera vez. En esas cuadras tantas veces recorridas con el alma en el puño para que no saliera volando loca de futuro. Con esquinas mil y una ocasión transitadas, pero que no guardan dos transcursos iguales, nunca una huella idéntica a otra.
Vida cercada, colapsada y prevenida de bienvenidas y adioses ferroviarios, con sus bocinas alertantes y sus chicharras marcando la única y entera presencia transitoria. Que solo se detiene por minutos en el traslado cotidiano de identidades que, indefectiblemente, siempre retornan de cuerpo presente o con la evocación que cuando sea que acontezca, empieza y termina en la estación.
Si toda la peli sería esa única toma de los dos personajes sentados en la cancha de polo, en un amanecer invernal, con el sonido de los teros y ese diálogo sobre ellos y los cuervos: acepto esa reducción como todo sentido que resume el “ser hurlinghuense”. Pero no basta, claro que no, porque los sótanos, livings y garajes se llenaron de acordes, percusiones y voces, y tan fuerte es el recuerdo y la impronta, que ya nunca se detendrá esa pasión inspiradora que un día se inició.
Somos líquido y música, de acordes venimos y hacia los acordes vamos. Somos poesía musicalizada, ritmo metafórico y rima acompasada. Somos rebeldía, ganas, púas, huellas y hi hat. La atmósfera de Hurlingham no puede más que exhalar hacia los cuatro puntos cardinales rock and roll, sonidos que un día comenzaron a refulgir en destellante aviso que trascendía la historia. Desde aquí para el mundo, desde ese presente único y situado hasta el fin de los tiempos. La trascendencia está echada: ya sucedió y seguirá sucediendo.
Ficha técnica:
Titulo Original: Los rayos
Dirección: Nicolás Tacconi
País: Argentina (Hurlingham)
Género: Documental musical
Duración: 72 minutos
Año: 2021

CHICO VENTANA

La majestuosidad de los paisajes que la peli encuadra con maestría tiene el objetivo de llevar a la existencia humana a lo opuesto que la deja empequeñecida en dimensión y belleza. Y en el mismo acto le retruca por la responsabilidad, sin excusas, de su propia vida; planteo heredado por la filosofía sartreana. De manera que, a la vez que le tuerce la muñeca a los determinismos obliga a la deambulación existencial hasta que no logre dar con su propia subjetividad.
El relato es pura búsqueda, la trama es demorada, pero los pensamientos se provocan de tal modo que se producen en cascada. Porque el tema coloca frente al espectador la cuestión de la no existencia de otro universo fuera del universo humano, el único posible es el de la subjetividad. El “yo existo” es la realidad inmediata, inobjetivable del fundamento, del origen, la autoexperiencia de la existencia, es un pensar desde el existir como experiencia.
De modo que al director y guionista no le queda más remedio que condenar a los protagonistas, al igual que lo hacen Jean Paul y Simón con la humanidad toda: a ser libres. Porque la libertad es inherente a la condición humana y ella tiene absoluta responsabilidad del uso que haga de ella.
Por tanto los paralelismos que se plantean en cada ventana-portal, que conecta mundos-universos, serían los equivalentes a las puertas-ventanas que se plantean en la vida que está al alcance de los sentidos. Por no llamarla realidad ¿cuán real es la realidad, cuál de todas las realidades es la realidad? ¿Entonces la existencia y la libertad se tratarían de elecciones? ¿Y las condiciones y los condicionamientos?
Tal vez un buen ejemplo de un ir más allá lo esté dando esta peli con su puesta en obra cuando traza un circuito tan arbitrario como caprichoso en la tríada que propone entre: Montevideo, La Patagonia y Las Filipinas. Aunque si ponemos por delante el sentido de haber sido las tres regiones colonias españolas no sea tan disparatado.
Pero todo el tiempo se trata de poner al espectador frente a frente de sus propias decisiones y de los riesgos que conlleva no tomarlas. Queda en la responsabilidad, pero, tarea para el hogar, es un compromiso y un deber con la comunidad, no vivimos aisladamente.


Puede verse por Cine.ar (por un alquiler de $ 90).
Ficha técnica:
Titulo Original: Chico ventana también querría tener un submarino
Dirección y guión: Alex Piperno
País: Uruguay, Brasil, Holanda, Filipinas
Reparto: Noli Tobol, Daniel Quiroga, Inés Bortagaray
Género: Ficción
Duración: 110 minutos
Año: 2020 

Nadie sabe lo que puede un cuerpo

¿Y un cuerpo que desaparece, alguien sabe lo que puede? Si solo logra saberse lo que puede un cuerpo cuando la potencia se hace experiencia, ¿qué pasa con toda esa energía en posibilidad de devenir a la que se le trunca la puesta en acción? Y si lo individual y particular no es personal, es impersonal, cósmico, mundano ¿qué ocurre con las leyes universales? ¿Será que cuando se matan los cuerpos no se matan las ideas?
En Rojo la trama lleva adelante un thriller que tensiona psiquis, espacios y relaciones tanto personales como sociales, en el que está presente en todo momento la incomodidad de las intenciones y las ideologías. Pero parece que lo único que importa es cómo se vehiculizan, se muestran contenidas en cuerpos. Entonces los organismos humanos son receptáculos que pueden desecharse, y con ellos todo la potencia creativa, asociativa, generativa, expansiva y todas las demás capacidades de poder producir infinitos efectos.
Los cuerpos que se quedan conviven con incomodidades que almidonan sus presentes, desaprueban lo diferente, condicionan sus placeres, afean la belleza y falsean sentimientos desbordando hipocresías. Como si quedaran cargando una culpa eterna de todos aquellos cuerpos que ya no están entre ellos. Es que nunca dejan de estar, de manera física no pueden hacerse presentes, pero sus intenciones flotan en cada relación interpersonal.
Como lo explicita la profesora de teatro que para explicarle a su aprendiz le pide que se pare frente a ella, tan cerca que puedan sentir el aliento mutuo, mirándose a los ojos, sin moverse. “¿Sentís algo?, le pregunta “Si, algo sí.”, le responde. “Eso es la intención.”, afirma la docente satisfecha. Del mismo modo de esos cuerpos que ya no están podemos sentir sus intenciones. Sus alientos rebotan sin descanso recordando a la humanidad toda que les dejan empaquetadas con preciosos moños sus pasiones, deseos y frustraciones.

(*) Frase de Spinoza que Deleuze repite en sus escritos.
Puede verse por Netflix
Ficha técnica: / Titulo Original: Rojo
Dirección y guión: Benjamín Naishtat
País: Alemania, Argentina, Brasil, Francia y Holanda
Reparto: Darío Grandinetti y Alfredo Castro
Género: Drama de época - Thriller
Duración: 110 minutos / Año: 2018

COSTUMBRES FANTASMAGÓRICAS

El protagonista únicamente puede volver a su pueblo natal devenido Fantasma, que es todo lo que queda sobre su identidad luego del peso del tremendo mandato familiar que lo marcó, ya desde su nacimiento comenzó a gravitar cuando lo nombraron: Demóstenes. Nada peor que regresar con el balance negativo respecto de lo socialmente estipulado para cualquier pibe que ronda los cuarenta.
La vida en esos días lo paseará por estéticos y apacibles paisajes que recorrerán todos los momentos de las jornadas y todos los estados climáticos. Así como también las diversas situaciones lo harán sentir diferentes sensaciones, en la mayoría de ellas no estará cómodo. Y, por último la inevitabilidad de los acontecimientos le irá cerrando las opciones en pos de sucesivas tomas de decisiones que tal vez no le sean las más beneficiosas para él mismo.
Si el hecho trágico radica en la imposibilidad del protagonista de escapar a “lo” trágico, sin dudas ceñido, condicionado y hasta desbordado por sus debilidades, entonces los invariables y cuantiosos talones de Aquiles de Demóstenes inevitablemente deberían arrastrarlo hacia la tragedia. Pero el director y guionista le prepara airosa y salvadoramente una red de contención, para él y para nosotras y nosotros espectadores. Quedamos en las puertas de la Comedia Dramática y salvamos nuestra expectación que teme todo el tiempo la tragedia. Aunque queda a en cada quien hasta dónde lo que ocurre pertenece al drama o a la tragedia.
El director elige un repertorio de actores bastante amplio, por cuestiones de espacio no nombro a todos ni todas. Pero es para destacar que la puesta coral de varios actores y actrices dan importancia al trabajo en divergentes aspectos, que finalmente calibra el sentido endogámico de una sociedad como la del pueblo de Fantasma. Cómo siempre digo filmar con niños, niñas o niñes y animales es dificilísimo: ¡el cerdito se lleva todas las palmas!
Ralentarse con la ayuda de una mirada muy particular sobre las costumbres de algún pueblo argentino en algún momento puede valer la pena si nos dejamos influir por esa atmósfera y esos ritmos.

Ficha técnica:
Titulo Original: Nacidas para sufrir
Dirección Guión: Augusto Gonzálwz Polo
País: Argentina
Reparto: Alfonso Tort, Juan Román Diosque, Laura Josefina Kramer
Género: Comedia, Drama
Duración: 107 minutos
Año: 2019
Se puede ver en CINE AR (Se estrenó el jueves 18 de Enero, hay tiempo para verla gratis hasta el jueves próximo.

Mobirise

El otro lado 

¿Será posible que haya un lado A y otro B de la vida? Sin embargo, “El otro hermano” tiene la misma vida que los otros 3.
En definitiva en la peli se cuenta sobre 4 hermanos quienes tendrán unas vidas signadas por el destino trágico, cada cual con su tragedia particular, parecida y a la vez distinta al resto. Los laberintos podrán ser o no soportables por el espectador o la espectadora, la advertencia está echada!
Lo totalmente cierto es que estamos ante “una” de Caetano, con todo lo que ello significa, con su cine social que no se dedica a edulcorar los panoramas que pinta, al contrario, filma con la precisión armoniosa y cuidada de nunca asestar un golpe bajo. Las delimitaciones son delgadas y un resbalón puede ser caía, pero no, es justo y perfecto.
Tan exacto que cada puesta tiene una composición magistral, las puestas de cámara, las angulaciones, las luces y sombras, todo colabora con una realización de impecable factura. Los lugares y objetos colaboran con las caracterizaciones de los personajes. Y éstos últimos quedan finalmente trazados en las escenas de la mano de actores de alta talla.
Sabemos que la actuación se construye de manera conjunta entre el guión, el director o directora y los actores o las actrices ¡palmas para todos ellos y todas ellas! Más en cine, que a diferencia del teatro hay cuestiones que interfieren con las actuaciones, como pueden ser los sucesivos cortes al filmar las escenas, las indicaciones espaciales para colaborar con sonido, luces y cámara, etc. Mientras todo aquello sale a la perfección, en “El otro hermano”, director, actores y actrices llevan adelante una tarea colaborativa que destella perlitas que terminan de hacer de esta peli, una gran peli.
Puede verse por Netflix

Ficha técnica:
Guión: Israel Adrián Caetano y Nora Mazzitelli
Basada en: Bajo este sol tremendo, Carlos Busqued
Dirección:
Israel Adrián Caetano
Guión: Katell Guillou y Pablo Agüero
País: Argentina y Uruguay
Reparto: Leonardo Sbaraglia, Daniel Hendler, Angela Molina
Género: Drama familiar - Thriller
Duración: 112 minutos
Año: 2017

Feminidad al neo-realismo puro 

Parece que no es fácil para ninguna de las partes tratar con los muchos años sumados a cuestas de las personas. El paso del tiempo hace de las suyas y muchas veces necesitan cuidados tan específicos que las “Residencias de mayores” resulta el mejor lugar para ellos, ellas y para las familias. Ya en la peli italiana: “Los nuevos monstruos” un hijo lleva a su madre, a uno de estos lugares, convencida de que van a ir a tomar un helado. Este descendiente tiene tanta falta de delicadeza, que ni siquiera le convida de esa crema refrescante como para pasar el mal trago y sale corriendo como hijo que deja a su madre confundida en una Residencia, no sin antes hacernos descostillar de la risa.
Ver estos momentos con la acidez que proporciona el humor nos ayuda a transitar esos caminos de mejor manera, o al menos, reírnos de nosotras y nosotros mismos aliviana las culpas. Además el tinte costumbrista entrega: planos, secuencias y bajezas humanas vistas con humor, típicos del cine neo-realista italiano. Pero la españolidad del director no puede estar haciendo jugar tantos roles femeninos sin la influencia almodovariana, la que añade a su composición.
Hasta aquí una puesta interesante, la problemática es para y sobre adultos, pero en toda la peli se pone en juego una apuesta desenfrenada por demostrar bondades, plantea niveles de ellas. Sin embargo, el primer premio se lo lleva: “Purita”, “la complementaria” por excelencia dirían las psicólogas y los psicólogos. Se desvive tanto por las demás que se pierde hasta de vivir su propia vida, la mueve el deseo ajeno. Es una manera sesgada de intentar comprender la vida, pero la humanidad toda podría resumirse en millones de complementarios y otros tantos millones de sociópatas, los niveles o graduaciones, infinitas como personalidades. ¿Qué lado te toca a vos?

Ficha técnica:
Titulo Original: Nacidas para sufrir
Dirección: Miguel Albaladejo
País: España
Reparto: Malena Alterio, Adriana Ozores, María Elena Flores, Mariola Fuentes
Género: Comedia
Duración: 112 minutos
Año: 2009
Se puede ver en Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=tCHI9hfsbIs 

DIARIO DE DIGESTIÓN

DÍA 1 - Por diversos motivos, mientras miraba la peli, tuve que pararla en varias partes. En uno de esos intervalos, mientras cocinaba, la angustia de la lluvia descomunal no podía irse de mis pensamientos.

DÍA 2 - Dejé ir los sentimientos, que me había provocado la peli, en todas las direcciones. Sin tratar de condenarlos, ni prescribirlos, simplemente sentir, sin juzgar ni racionalizar tampoco.

DÍA 3 - Me despierto muy temprano pensando en la definición de “parásito”, la busco: “Que se alimenta de las sustancias que elabora un ser vivo de distinta especie, viviendo en su interior o sobre su superficie, con lo que suele causarle algún daño o enfermedad.” Entonces se disparan múltiples interpretaciones:
a) Ser de otra especie, por tanto: ¿La clase social, la parte material de la vida, determina en los seres humanos, diferentes especies, es esto posible, permitimos como sociedad que esto ocurra?
b) ¿Cuál es la sustancia que elabora cada clase? ¿Por qué tiene más valor una que otra? ¿Qué y quién determina el valor de las cosas y de los trabajos en el mercado? ¿Por qué nos dejamos dominar por el mercado?
c) Pero el parásito a cambio produce una enfermedad en el otro ser. ¿Qué clase vive de qué clase? ¿Qué clase enferma a qué clase?
Diez y siete días más tarde - Con la evidencia de no haber podido seguir escribiendo, un poco por la cotidianidad que empuja a distintos quehaceres, otro tanto por el atragantamiento que puede llegar a producir tanto malestar del tema planteado por la peli.
En definitiva estamos frente a la premiada “Parásitos” y no queda más que incomodarse. En la primera escena, pende una calesita colgante de secar medias, con soquetes secos colgados en un sótano con una pequeña ventana que prefigura una existencia en el mundo exterior al ras del suelo, que no puede ir más allá que el nivel de las ruedas de los autos. Luego de esa imagen la cámara sigue descendiendo y nos muestra al primer protagonista que sentado bajo esa ventana intenta conseguir Wifi con su celular. De manera que ya se está en el hondo bajo fondo, desde dónde todo se hará cuesta arriba para los cuatro integrantes de una familia coreana en la que padre y madre están desempleados.
Al modo de una tragedia griega la ficción no ofrece otros destinos posibles para los protagonistas. Pero esta problemática extrapolada a la sociedad plantea debates profundos que tendríamos que llevar adelante si de veras tenemos intenciones de dejar al mundo un poco mejor de lo que está. El horror de la película es que nos pone frente a frente con la cuestión de que nadie está a salvo en este estado de cosas. Que dejar afuera, caídos de los derechos de vida digna implica un grave problema también para quienes quedan dentro. Que a pesar de que construyen paredones y barrios cerrados, los desheredados de la vida se las ingeniarán para traspasarlos y poner en peligro esas tan puntillosas existencias.
De modo que la peli viene a decir: “Hagas lo que hagas, si hay alguien que está escupiendo sangre para que otro viva mejor, nadie puede vivir bien.” Un poco a tono con el discurso del presidente electo en Bolivia, en el que expuso la filosofía Aymara y explicó que el mundo y los seres que en él vivimos conformamos un todo que precisa estar en equilibrio, y si en ese equilibrio algo no está bien, nada ni nadie estará bien. Entonces, tal vez, si no ayudamos a un mundo más justo por solidaridad, quizá debiéramos hacerlo por egoísmo, porque redundará en nuestras propias existencias.

Ficha técnica:
Titulo Original: “Parásitos”
Director: Bong Joon-ho
País: Corea del sur
Género: Drama – Suspenso – Humor negro
Duración: 132 minutos
Año: 2019
Plataforma: Netflix

Sangre

La primera toma ya anuncia que es una peli distinta, demorada en todo, propone una degustación cinematográfica de altísimo nivel que pondrá sobre la mesa mucho de lo muy bueno del séptimo arte.
Los planos largos, detenidos en el planteo de los personajes van construyendo esos mundos interiores que no conocemos y de los que a cada segundo de proyección queremos saber más. La información está muy recateada y se produce en una entrega a cuenta gotas que somete al sentimiento de duda que empieza a crecer sobre si queremos conocer más. Si estará bueno, o en realidad, nos encontraremos en un tras de las apariencias cuestiones de las que no queremos enterarnos. Es necesario hacer una mención muy especial para la Dirección de Fotografía y Cámara a cargo de Soledad Rodríguez.
Como sabemos el cine es un trabajo en equipo de muchísimas personas, cada quien especializada en lo suyo, que dan como resultado una narración audiovisual que apela a todos los sentidos. “Sangre” está al nivel del cine de Krzysztof Kieslovski, un exquisito director polaco que nos ha dejado una trilogía: Bleu, Blanc y Rouge que si no la vieron y les gusta esta película, recomiendo altamente.
En esta composición que Juan Schitman se pone al hombro casi como director de orquesta entrelaza las acciones y saberes de las y los especialistas participantes. Aquí va otra especial apreciación para el sonido a cargo de Santiago Fumagalli y a la música original a cargo de Paloma Peñarrubia. La musicalización a cargo de unas cuerdas puntillosamente pautadas colabora de manera asombrosa en la construcción del ambiente de un Thriller, al nivel de los Thrillers clásicos.
No se esperen una peli tranquilizadora de consciencias, más bien la incomodidad constante a la que nos enfrentamos cuando hay cuestiones que no nos cierran del todo, que no nos gustan, que cuestionaríamos y objetaríamos. Pero para qué está el cine sino para incomodar, para ayudarnos a conformar pensamientos críticos. Y por suerte lo hace con imágenes y músicas de alto nivel artístico, no siempre, aunque lo intenta con todas sus fuerzas. En “Sangre” se logra.

Se puede ver en Cine.ar, con un pago con cualquier tarjeta de $ 30 pesos.

Ficha técnica:
Titulo Original: Sangre
Dirección: Juan Schitman,
Guión: Juan Schitman y Agustina Lliendo
Reparto: Juan Barberini, Natalia Tena, Bella Camero, Dirk Martens
Género: Thriller, Erótica
País: Brasil, España y Alemania
Duración: 102 minutos
Año: 2020 

Reunión de brujas

A esta altura de la historia ya sabemos que atribuir a algo el sentido de aquelarre enrrieda a mujeres o a brujas o a ambas por considerarse sinónimos. La procedencia del término llega del vasco: akelarre “prado del macho cabrío” en una composición mixta entre aker “cabrón” y larre “prado”. Se creía que el demonio se aparecía en forma de cabra macho en las ceremonias. Luego la expresión derivó en la designación, primero, del lugar en dónde se reunían las brujas y luego a la reunión en sí. Las y los vascos siempre dando la nota, en este caso una crítica de cine sobre la peli: “Akelarre”.
La inquisición española se ocupó muy bien de perseguir y matar mujeres por los años 1600, es irónico, por tanto tiempo transcurrido, pero la pesadilla aún no ha terminado. ¿Será porque las mujeres son tan rebeldes que se atreven a soñar? “Si solo fuese un sueño ¿tantas mujeres podrían tener el mismo sueño?”, se cuestiona un cura en el principio del relato fílmico. Es que la música, la danza, el canto, el arte de por sí permite la expresión del interior, acto que salva y cura.
Desde tiempos inmemoriales se tiene miedo a lo desconocido y más si eso indómito atrae por belleza y desata pasiones. Ni qué decir si envuelve saberes que desafían el poder sobre la ignorancia. Una mujer sola es poderosa y fuerte, más si tiene un cachorro humano o una cachorra humana por defender. Dos mujeres suman más fuerza y poder, muchas mujeres descollan belleza y energía. “No hay nada más peligroso que una mujer que baila” advierten los curas en la peli, había que dominarlas, aplastarlas, sojuzgarlas y jamás nunca reconocerles el poder de encantar.
Sin confesar el origen del pensamiento: “Los hombres les temen a las mujeres que no les tienen miedo” de Eduardo Galeano, el y la guionista lo utilizan para explicar tanta opresión histórica sobre ellas. Es que con la delicadeza de “Escalar cromáticamente” los versos: “No queremos otro calor que el fuego de tus besos” vuelan sobre la opacidad mediocre y brillan con sensibilidad musical y estética. Por lo que a los inquisidores no les queda más remedio que sentenciar: “Si no las detenemos a tiempo, esas brujas perversas van a revertir el orden del universo” patriarcal, esclavista, capitalista, etcéteras.
“Ocho de marzo son todos los días para nosotras que aún somos las más oprimidas en este mundo”.

Ficha técnica:
Titulo Original: Akelarre
Basada en: Proceso de brujería de Zagarramurdi
Dirección: Pablo Agüero
Guión: Katell Guillou y Pablo Agüero
País: España, Francia, Argentina
Reparto: Ale, Brendemühi, Amaia Aberasturi, Daniel Chamorro, Daniel Fanego
Género: Cine histórico y drama
Idioma: Español / Euskera
Duración: 90 minutos
Año: 2020
Puede verse en: Cine.ar

SIEMPRE HAY SALIDA

El protagonista de “Náufrago de la luna” cree que no hay salidas para sus problemas, está sumergido en su drama y no puede ver más allá de su situación y no le encuentra solución. Toma una decisión que le sale mal, como venía ocurriendo, con todas las cosas que no le salían como él quería o necesitaba que le salieran.
Con tanta buena suerte que lo que le ocurre es quedar naufrago en su propia ciudad, aislado, imposibilitado de satisfacer sus necesidades al estilo de la sociedad occidental. Todo se convierte en añoranza, en imposibilidad. Al principio se resiste, pero luego la naturaleza misma que pone por sobre todas las cosas al instinto de supervivencia, lo mantiene inquieto y lo pone a resolver cuestiones.
En su soledad escribe en la arena de la playa palabras de auxilio y se construye una rutina y una vida con lo que encuentra. Se ha adaptado, ha pasado la crisis, no será perfecto, pero ya no siente esa presión que lo mal traía en su, ahora, antigua vida. Como si el hecho de haber desaparecido, que al principio lo desesperó, hubiese sido su salvación.
Hasta que, en un momento, una chica, encerrada en su dormitorio, por causa de un síndrome moderno: el de “Hikikomori” lo descubre, traban una relación particularísima, dos seres que están atravesando momentos muy especiales. Ella sabe todo de él, él nada de ella, ella puede salirse por primera vez del regodeo de su ego, a él lo desespera no saber nada de ella.
Ganas de vivir a pesar de todo, encuentros entre personas (tan imposibles por estos días tan particularmente pandémicos), empatías, detalles al estilo del cine de “Amelie”, todo esto podemos encontrar en esta sucesión de fotogramas, que terminan por darle forma a una peli disfrutable.

Se puede ver por aquí:
https://www.youtube.com/watch?v=TI5JW-a7t4A
Ficha técnica:
Titulo Original: Náufrago de la luna
País: Corea
Dirección: Lee Hey-jun
Reparto: Jung Jae-young, Jeong Ryeo-won, Yang Mi-kyeong, Park Yeong-Seo, Min-Heui Hong, Jang So-yeon, Gyo-Hwan Koo, Jeong-Won Lee.
Género: Ciencia ficción
Duración: 116 minutos
Año: 2009 

Al poder con poder
Blade Runner 2049

El primer personaje de la peli deja planteado uno de los temas que abordará cuando le dice a su asesino: “Son felices limpiando la vida porque nunca han visto un milagro”. Y sobre los prodigios de los que va a contar Blade Runner son los de la vida, los del amor y los de la resistencia.
Que la rebeldía de los oprimidos en este y en todos los mundos posibles es un punto de fuga que ocurre inevitablemente, es vox populi, por ello el poder trabaja sin descanso impartiendo operaciones en favor de su extinción. Es necesario que así lo haga para que nada salga de su observación y mando.
Sobre todo cuando el poder actúa con más control y dominio policial que con trabajo a cargo de la hegemonía. Ella maneja los comportamientos y las mentes con mucha mayor eficacia y prestidigitación. De modo que las personas no logran percibir su fuerza ni su dominio sobre sus vidas y toman esa manera de existencia como natural.
Blade Runner 2049, al igual que la primera Blade Runner trae con la actuación de Harrison Ford, a un estoico ser que parece que nada lo conmueve, pero que por dentro su filosofía y sentimientos son potentes y producen acciones en pos de la maravilla.
Como siempre el poder es nefasto, devastador de belleza, despótico con el amor, destructor de la solidaridad. El universo es transformado por estos entramados en un espacio oscuro, contaminado, sin luz ni armonía. También desde y por siempre la resistencia hermana a los humanos y a las humanas en la solidaridad, la felicidad y en todos los valores comunitarios y del bien común. Y si fuera necesario revolucionará el orden imperante, aplastante y asfixiante.
Ficha técnica:
Titulo Original: Blade Runner 2049
País: EEUU
Dirección: Ridley Scott, Denis Villeneuve
Reparto: Harrison Ford, Ryan Gosling, Robin Wright, Dave Batista, Ana de Armas, Sylvia Hoeks, Mackenzie Davis, Carla Juri, David Dastmalchian, Hiam Abbass
Género: Ciencia ficción
Duración: 163 minutos
Año: 2017 

Revolución

El logro individual conlleva unos triunfos tan pobres que dejan gusto a poco. Entonces, como correlato, al poco tiempo, ese espíritu triunfalista y triunfador, necesita otra nueva meta como zanahoria para que el hecho de levantarse todos los días tenga sentido.
En cambio, algo completamente distinto ocurre cuando el objetivo alcanzado incluye a otro, a otra, y más aún cuando se multiplica en muchos otros y muchas otras. Cuando la suma de voluntades que colaboraron en una consecución se potencia también se redobla la satisfacción. Y a su vez es tan duradera que puede alcanzar para darle paz y regocijo a la vida más larga, tal como le ocurrió a Corvalán que a sus 80 años seguía recordando “ese único año”. Y es que es posible, que después de tan gran empresa nada alcance tamaña envergadura, todo sea poco o adquiera poca importancia, pero, sin embargo, en su presente es una persona rodeada de mucho afecto.
En la película “Revolución. El cruce de los Andes.” Corvalán nos mostrará a un San Martín visto por un chico de 15 años, que fue el mismo, 65 años antes. Es que debe ser realmente impresionante estar y compartir tan cerca de quien tuvo la responsabilidad práctica y estratégica de llevar a 5200 hombres a atravesar Los Andes. Y no sólo eso, además llevarlos a la guerra para liberar Chile. Si yo quedé impresionada, hace muchos años por ser testigo de la destreza de un guía y de un baquiano, de llevar, de ida y de regreso, a un grupo de 15 personas a caballo hasta el hito de Chile, cruzando montañas y ríos; no quiero imaginar hacerlo con semejante motivo.
Entonces claro, luego cuando se escuchan voces que traen el ejemplo de San Martín en defensa de las libertades individuales sobre las comunitarias, surge cierta incomodidad. Pero al instante troca en ridiculez, ya que, lo que en todo momento movió el esfuerzo de nuestro destacado compatriota fue el bien común, la libertad de un pueblo y de otros pueblos más. No la libertad de empresa, ni la libertad de someter a alguien, ni la libertad para contagiar a alguien. Si estuviera entre nosotros, nos pediría que nos quedemos en casa, así nos cuidamos entre todos, todas y todes.

Ficha técnica:
Titulo Original:
Revolución. El cruce de los Andes.
Dirección: Leandro Ipiña
Guión: Leandro Ipiña, Andrés Maino
Protagonistas: Rodrigo de La Serna, Juan Ciancio, León Dogodny
País: Argentina
Género: Drama histórico
Duración: 92 minutos
Año: 2010
Se puede ver en CINE.AR 

¿Cuánto dura un Milagro?

La película”, es un documental que cuenta la injusticia sobre el cuerpo y el alma de una mujer jujeña que, junto a muchas mujeres y muchos hombres cambió la realidad de otras y otros más.
El abuso y la inequidad que sufre y sufrió es la parcialidad de un proceso jurídico que no respeta sus derechos.
Milagro puso en marcha lo grandioso: devolver la dignidad a cantidad de sus hermanas y hermanos. Pero en el mismo instante, largo y esforzado, en el que activó recursos a favor de los más desfavorecidos los quitó de las arcas de los poderosos, porque el poder siempre se lleva todo. Y eso es imperdonable.
¿Qué necesidad tiene una mujer, como cualquier otra, de elevarse y abrir las alas para cobijar a miles y con el mismo hecho apoyar identidades, recuperar derechos, restituir autoestimas, encontrar posibilidades y generar potencialidades? La oportunidad que le dio la vida de ser un Milagro en sí misma y el deber moral de producirlo en los y las demás.
Por tanto solo era cuestión de tiempo, circunstancias, sumatoria de sucesos, personas, energías y el contagio de un asunto casi de fe que indica que: “Cuando la voluntad existe hay mil recursos”; para que se ponga en marcha un gigantesco proceso comunitario. El dolor inyectado ponzoñosamente, a cada segundo, en la existencia de Milagro, es terrible, denunciable y condenable. Pero en la historia los mil recursos que se encontraron de su mano y se pusieron en movimiento para hacer circular vida y esperanza, el poder sabe que son una semilla que está plantada. Que por más que hachen el tronco, los brotes seguirán continuamente renaciendo. Y los mil recursos, convertidos en mil días de castigo, serán millones de retoños.
Y por ello la saña. La dominación poderosa sabe que la vida es vida, y que la de quienes no se ponen de rodillas nunca, vale más que todo el oro del mundo y el poder es tan miserable que solo tiene dinero, y no le alcanza para comprar vida. Y, por eso, en su insaciable voracidad de alguna vez poder sentir un poquito de toda esa vida, que jamás lo conseguirá, es que anda destruyéndola. Pero la vuelta al origen anda rondando y esos siniestros señores del mal tienen los segundos contados.

Ficha técnica:
Titulo Original: Milagro. La película.
Dirección: Martín Adorno
Guión: Martín Adorno y Cynthia García
Conductora: Cynthia García
Protagonistas: Milagro Sala, Eugenio Zaffaroni, Elizabeth Gómez Alcorta, Horacio Verbitsky
País: Argentina
Género: Documental, Biográfica.
Duración: 93 minutos
Año: 2018
Se puede ver en CINE.AR

Mobirise

Humanos del Valle Terrestre, de los vientos, lluvias y mares

Cuando la poesía, la filosofía y la ciencia se entrelazan eligiendo borrar sus fronteras, la realidad empieza a tener otra forma, tal vez Miyazaki sea uno de los románticos del siglo XX. Y como el romanticismo, un movimiento surgido de la crisis post revolución francesa, aquí un avezado, diestro y con una sensibilidad característica de genio artístico, se planta en algún momento de esta, pareciera eterna, crisis capitalista.
El director nos pone en pantalla todo aquello que no queremos ver, cómo somos de egoístas, violentos, insensibles y destructores. Pero también cómo somos de solidarios, amorosos, preocupados, pacíficos y constructores. Es cierto que la grieta divide al mundo, tanto en la peli como en la vida misma, en estos dos polos antagónicos. El “mar de putrefacción” hace un paralelo con la destrucción del medio ambiente natural y las esporas y los escarabajos nos remiten a nuestro humano, humanitario y humanista Oesterheld.
“Nausicaä del Valle del Viento” es un ser que todo lo que toca lo “troca en oro”, pero toda su magia radica en la serenidad, la empatía y la comprensión. Puede padecer odio, pero reconoce el error y lo repara, aprende.
Así como la casi celestial Nausicaä, lástima que sea una princesa y no una plebeya, busca las explicaciones de todo lo que ocurre a su alrededor y actúa para favorecer los acontecimientos en pos de una vida mejor; así también sería el ideal comportamiento de cada quien. Podría considerársela una abanderada del “Buen vivir”, tan necesario por estos días.
Tal vez la otra parte de la humanidad destructora y egoísta se vuelva difusa, no le veamos la cara ni las manos, se esconda detrás de productos marketinizados y en un espejismo de la realidad deformada por los medios de comunicación. Pero lo palpable son nuestras vidas, nuestras deficiencias, nuestras esperanzas frustradas.
En cierto modo, por estos días hemos perdido el mundo. Tal vez es un buen momento para preguntarnos, ahora que se ha detenido, si está bueno que dejemos que la parte mala se lo lleve puesto con todo lo que ello implica. Y junto a ello preguntarnos si queremos volver a esa vida que nos alienaba y nos alejaba de nuestra esencia y de nuestro ser más profundo.

Ficha técnica:
Titulo Original:
Nausicaä del Valle del Viento
Dirección y guión:
Hayao Miyazaki
País: Japón
Género: Animacíçión – Ciencia Ficción
Duración: 116 minutos
Año: 1984
Se puede ver o volver a ver en NETFLIX.

Presagio de la Pandemia COVI-19

Por Gra Muñoz

Empieza la proyección con una imagen íntima de un dormitorio con una cama de dos plazas, pero por el tipo de ventana presentimos que estamos en presencia de un interior móvil. Cuando avanzamos con la protagonista hacia la cabina de conducción, nuestra sospecha se hace efectiva, se trata de un motor-home o casa rodante.
En momentos de intimidad forzada por el peligro de contagio masivo del COVID-19 o Corona Virus qué no daríamos por una reclusión sobre ruedas. De todos modos sospechamos que como todos los protagonistas de todas las películas que miramos, estos tampoco estarán en condiciones ni parecidas a la nuestra actual.
Pero con sorpresa, mucho de lo que ocurre sí se parece al panorama mundial, que hoy, a 20 de mayo de 2020 estamos viviendo como humanidad. Lo sorprendente es que Ariel Martínez Herrera, el director, haya anticipado tan bien las cosas que pudieran llegar a ocurrir.
Con el título: “Tóxico” intuyo un extremo llevado adelante inspirado en las personalidades hipocondríacas, más un poco de cine catástrofe en el que las situaciones pasan de modo similar.
Esta movie road nos invita a pasear por las rutas argentinas y por las sensaciones que pueden sentirse en la vida en general y en esta en particular. El arte es muy inspirado, la fotografía muy buena, los ambientes pintados con exactitud perceptiva. A veces es un poco fatalista, a veces no, lo aviso, porque en días de extrema sensibilidad, para algunos, algunas o algunes, puede no ser lo más placentero.
Esta peli puede verse en CINE.AR, tienen que crearse un usuario, un pin y pagar $ 30 pesos con cualquier tarjeta en concepto de alquiler. Y si no, allí encontrarán mucho cine argentino.
Vean mucho cine en casa, cuídense mucho.

Ficha técnica:
Titulo Original: Tóxico
Dirección: Ariel Martínez Herrera
País: Argentina
Reparto: Jazmín Stuart, Agustín Rittano
Género: Comedia dramática|Fantástico
Duración: 81 minutos
Año: 2020
Se puede ver por CINE.AR

Alelí o cualquier recuerdo

Por la Gra Muñoz

En momentos en los que el tiempo se para, como en el presente, que además de ser una inmovilización mundial nos confronta con un futuro incierto, que mejor oportunidad para acurrucarnos con nuestros recuerdos, dejarnos abrazar con quienes fuimos para plantarnos seguros de nuestras identidades. Ya no somos quienes fuimos, pero qué importante es despedirnos de nuestros pasados.
“El apuro es dejarse morir para siempre”, según un cantautor argentino. Y qué valiosos son los duelos, la velocidad de la vida cotidiana nos empuja a la acción constante. Sin embargo aquí estamos, encerrados con nosotros mismos, amaneciendo y anocheciendo presente con cada sol. Vivos y muertos que nos conforman o conformaron nos hacen ser en vida.
Nos cerca un muro invisible, pero al que damos resistencia desde la quietud, desde la misma inacción que a los protagonistas los detiene para dejarse sentir, para llorar, para rememorar. También como en la peli, golpear cada puerta de nuestras autobiografías, darnos ese espacio vital, dar adioses para, por fin, con la paz de entender lo que fuimos y no, brillar otros ardores que alumbren esa construcción que es la planificación de la esperanza, la mejor manera de hacer frente a la depresión.
Y darnos permiso para jugar como los chiquilines que nunca dejarán de serlo, los tres hermanos de la historia. Para decirnos con todo el cariño que la ocasión amerita, que estamos distanciados pero cerca, que la lejanía nunca puede separar el afecto ni las ganas de abrazarnos. Y darse también una vuelta por los instantes de un neorrealismo uruguayo que vale la pena.


Ficha técnica:
Titulo Original: Alelí
Dirección: Leticia Jorge
País: Argentina - Uruguay
Reparto: Néstor Guzzini, Mirella Pascual, Cristina Morán, Romina Peluffo, Laila Reyes Silberberg
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Familia
Duración: 88 minutos
Año: 2019
Se puede ver por Netflix

Mobirise

¿Ves? Tu puedes con esto.

Por Graciela Muñoz

Cuando la cotidianidad puede tornarse un muro imposible de transponer el mundo puede tornarse un entorno escabroso. El solo hecho de abandonar la cama puede suponer la concatenación de tantos eventos que puede llegar a ser una actividad tan compleja y duradera como por ejemplo dar a un blanco móvil con arco y flecha.
Resulta que no somos todos ni todas iguales y para algunos y algunas lo más sencillo de la vida pueden resultar los obstáculos más gigantes que se puedan conocer o padecer.
De lo que estamos hablando es del Trastorno Obsesivo Compulsivo, su desencadenamiento no tiene un origen claro ni único, hay muchas variables en juego. Lo que sí queda claro es la evidencia del mismo patrón de comportamiento que obliga a los que padecen a vivir una vida condicionada por múltiples ritos, estrategias, métodos, repeticiones y demás. Que terminan por deteriorar sus vidas en todos los aspectos que ella constriñe.
“4000 Manías. Convertir el TOC en beats.” es un documental sobre la vida de un español que cuenta cómo es convivir con tantas trabas autoimpuestas por una estructura psicológica especial. De cuando en cuando se impone retos y hace terribles esfuerzos para ganarle la pulsada que le aventajara en un avance de su calidad de vida, por más que sea parcial y dure poco. Pero al final siempre se trata de lo mismo, todas nuestras vidas (con o sin TOCS) se ven beneficiadas en todos los sentidos cuando el resultado es: “Tu puedes con esto.”, en un momento de sinceridad e incentivo con y hacia nosotros mismos.

Ficha técnica:
Título: 4000 Manías. Convertir el TOC en beats.
Dirección: Carla Tubau, Ruben Rocha
Año: 2018 / País: España/ Género: Documental
Intérpretes: Mind Sylenth

Mobirise

El fracaso de bastardear la vida

Por Graciela Muñoz

Cuando el poder y sus poderosos elevan sus dominios sobre las ruinas de la humanidad su decadencia queda sellada y pactada en los tribunales que el universo dispone en balanzas que sopesan bien y mal más allá de cualquier contingencia terrenal. Por ello el único aliciente del que podemos abrazarnos para seguir camino y no caer en la desgracia de regodearnos en los padecimientos a los que nos someten es este saber, que la justicia universal, sea divina no no tanto llegará, más tarde o más temprano.
Nuestro amigo, más allá de que el no lo sepa (que es nuestro amigo), el queridísimo Quentin, siempre nos tiende estos puentes, mil sinapsis adelante nuestro nos acerca reflexiones, tal vez no sentencias determinantes, pero sí la apertura de posibilidades impensadas de las que regresamos otros. Diferentes no en cualquier sentido, el cine de Trarantino es generalmente apología del riesgo, la pantalla escupe luminiscencias que nos colocan en trance peligroso, ese que nos quita de la comodidad aparentemente cómoda que se traduce en no cambiar nada.
Esa anestecia civilizatoria que ha dado mala prensa a las crisis y a las incomodidades, madres de todos los cambios creativos.
El directorcillo de pacotilla en esta peli, "Bastardos sin gloria", arrastra, con su virtuosismo arremolinado con los demás de este arte comunitario por excelencia que es el cine, al abismo de componer una sinfoní que reune historia, justicia, culpables y verdugos. Pero tampoco se trata de alegorías felices, toso se resume a sufrimientos, tal vez redenciones que liberan a las almas de la pesadumbre que el no actuar entierra y estaca sin posibilidades de nada más que el inmovilismo.
Más allá del acuerdo o de la polémica y más acá del dolor y de los pade-cimientos, llegan puntos o momentos en los que la corrección del compor-tamiento humano civilizado escapa sabién-dose a sí mismo incapaz de resolver lo que ha empezado sin él ¿Lo que comenzó sin humanidad debe terminar con humanidad? ¿El lado salvaje, instintivo es capaz de dar veredictos y ajusticiar?

Ficha técnica:
Título: Bastardos sin gloria
Director: Quentin Tarantino
Año: 2009
Intérpretes:
Brad Pitt, Samuel L. Jackson, Diane Kruger, Cloris Leachman, Mike Myers, Samm Levine, Eli Roth, B.J. Novak, Til Schweiger, Julie Dreyfus
Duración; 160 minutos
Género: Bélico / Aventuras / Acción
País: Estados Unidos - Alemania
Neflix

Empezar de nuevo

Por Graciela Muñoz

Una película española gana el Oscar a mejor película de habla no inglesa en 1983, el primero para el cine español. Su título: “Volver a empezar”, de cinematográfica la cuestión nada tiene, y encuentra respuestas en documentos ocultados vinculados a los años de la transición española del franquismo a la democracia, la que sustentaba una situación de precaria debilidad. Era imperiosa la necesidad de éxito de la joven forma de gobierno.
Son tiempos en los que los reyes son cuestionados y el dinamismo de la ETA crudísimo, con secuestros y muertes. El empeño puesto sobre las armas del ejército, por su propia parte como así también de la población tenía como objetivo la obtención de un poco de paz.
En 1981 se produce un golpe de estado, que tuvo mil y una exposiciones aclaratorias, pero este documental se dedica a plantear una desconfianza argumentada sobre aquellos hechos.
Llega el momento en que Alemania desclasifica algunos informes en los que se cuentan pareceres de la corona española en ese entonces. También la CIA y el FBI por primera vez permiten el acceso a archivos que autorizan cierto conocimiento de lo que pasó en 1981, que paradójicamente, alteran la visión que se tenía hasta ese momento, pero además conectan los sucesos con la película: “Volver a empezar” con el propio golpe.
Lo primero que ocurre es una situación tensionante que tuvo lugar en el Hotel Palace de Madrid, allí se dan cita las fuerzas democráticas y militares que constreñían las venas de la circulación del pluralismo. Era indispensable causar una sorprendente impresión en la población que afianzara la monarquía y protegiera a la flamante dirección política. Se adopta entonces una determinación sustancial que se ha mantenido en secreto hasta la actualidad.
De allí en más se monta la “Operación Palace”, que consiste en crear un golpe de estado ficticio para mover a la población en defensa de la vida política plural en ciernes, todo con el empeño de trabajar en pos del bien común y del sentido común, aunque resulte irónico. Al fin y al cabo, nada está claro. Imperdible.

Ficha técnica:
Titulo Original: “Operación Palace”
País: España
Género: Documental – años 80 España
Duración: 60 minutos
Año: 2014 Plataforma Vimeo

Poder y espionaje,
una realidad de película

Por Graciela Muñoz

Todos los días nos levantamos y salimos a la vida con la seguridad de que tenemos todo bajo control. Tal certeza solo es quebrantada cuando algo sale mal, pero las causas inmediatas son relacionadas con nuestra propia autoestima. “The Truman Show” es sólo una película y está muy alejada de nuestra vida cotidiana.
Hasta que la realidad supera la ficción y no sabemos cómo interpretarla. Se mantiene equidistante, oscila entre pretérito y presente mientras descoloca la racionalidad de lo previsible.
El mayor atentado ocurrido en occidente antes del sufrido por las dos torres gemelas ocurrió aquí, en nuestra Capital Federal de aquel entonces. Y si no lo sufrimos en piel propia, si por medio de la empatía con nuestros paisanos, sin importar sus creencias ni sus hábitos.
Desde ese suceso inédito y terrorífico se le colgaron jurídica y manipuladoramente otros varios. La miniserie “Nisman” es un documental que trata de mantener la objetividad, con la simple presentación de los hechos mediante los testimonios de las personas participantes en las distintas instancias de la historia y del caso. No omite juicio, solo expone.

Ficha técnica:
Titulo Original: “Nisman: el fiscal, la Presidenta y el espía”
Dirección: Justin Webster
Realización: Martín Rocca
Guión:
Justin Webster y Martín Rocca
País: España/Alemania
Género: Serie documental
Duración: 6 episodios, 392 minutos
Año: 2019
Plataforma Netflix

Nota al coté: En el número anterior quedaron sin ser dichas algunas cuestiones sobre “El irlandés”. Como por ejemplo la limpieza que la peli opera sobre el FBI y la CIA en cuanto al asesinato de JFK, queda explicitado que la mafia italiana, que por aquellos tiempos oprimía la legalidad ocupó un papel preponderante.
¡Cuánto poder el de la mafia!
¿No será mucho Martin?

Mobirise

El crimen de vivir

Por Graciela Muñoz

Empezar por el final puede significar tantas cosas, pero elijamos una: que se va a contar una historia. De qué, de quién y por qué serán interrogantes que se irán respondiendo conforme avance la trama. Y el primer indicio es que se tratará de: “Un pintor de casas” y su humilde oficio. Que de modesto o sencillo poco tendrá, más bien todo lo contrario, será el magnánimo poder que desacralizará lo mejor de los murales de Miguel Ángel y elegirá un solo color de su paleta: el rojo. Casi como una marioneta engranada en el imperio y predominio del dinero el protagonista será esa sola cosa, ya que luego de su existencia poco le quedará de alma humana.
El paseo que nos propone “El irlandés” como único extranjero entreverado entre los más fuertes lazos de la mafia italiana en tierra estadounidense es el de la intimidad de la vejez que recuerda familiaridades cotidianas. Pero la habitualidad de lo familiar queda unida a la frialdad del poderío en manos del crimen organizado que recorre todos los estratos y todas las venas sin distinción, mientras arrasa con el solo objetivo de trazar el plan maquiavélico de la codicia. Los cariños y las lealtades se borran a la velocidad de la traición que oprime sin digestión.
La impunidad de hacer una justicia ventajera o arregladora de cuentas a mano propia solo puede pivotear hacia el vacío en caída libre de la moral. Todo lo que importa es la supremacía y las riquezas mal habidas, cuanto peor mejor. El sentido trágico empalma fotograma a fotograma sin dejar posibilidad al escape hacia otro sitio. Los héroes parecen tener a los dioses de la exención de su lado, la intocabilidad dentro de lo institucional se agrieta en el mano a mano dentro del sindicato de pintores que pierden todas las paritarias al despintar vida tras vida.
Ficha técnica:
Titulo Original: El irlandés
Dirección: Martin Scorsese
País: EEUU
Protagonistas: Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Stephen Graham, Harvey Keitel, Bobby Cannavale, Anna Paquin, Ray Romano
Género: Thriller/Drama
Duración: 209 minutos
Año: 2019

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Mobirise

Érase una crítica a Hollywood

Y ya que estamos, critiquemos a todo lo que ande dando vueltas. Una vez una vieja gitana me dijo: Ah, harás muchas críticas, todas bien sucedidas, criticar, criticar, criticar, ese es tu destino. A la vieja gitana miré de reojo y le dije: ¡Mirame de nuevo la mano porque sabes qué pasa, ya existe Quentin! Y sí, si alguien puede criticarlo todo, desde el haberlo visto todo, ese es nuestro benemérito Quentin Tarantino.
Critica a actores, al star system, a la antropofagia de la industria del entretenimiento, que hasta hace trabajar a niños y niñas, al éxito, a los exitosos, a las ficciones formadoras de identidades, de consciencias y de modos de pensar y actuar. Y ya que está en danza también pone en tela de juicio a la supuesta contra cultura que fueron los hippies, que la hegemonía acomodó muy prolijamente en el espacio social de lo permitido, cediéndole su lugar y el consenso a su existencia.
Quentin hace su trabajo, mientras se ocupa de que el funcionamiento orquestal armonice en su totalidad, nada aparece disonante, la música, como siempre impecable, justa, contextualizadora. El vestuario, la utilería y las locaciones tienen el período y el espacio impregnados con exactitud de viajador por el tiempo.
Hasta las meta actuaciones están deslumbrantes, sobre todo en Di Caprio, mientras que Pitt descolla preparación física típica de doble de riesgo. Los tiempos aprendidos en el cine oriental aplican su lógica rítmica tarantinezca.
En momentos en los que ver una película sin celulares, remite a otras formas de vida, los movimientos libres de los cuerpos por los distintos espacios del globo, en tiempos de pandemia, también remiten a otras circunstancias. Tal vez todo tenga que ver con todo, y que aceptemos el dominio casi global de una industria del entretenimiento que domina con su cultura hegemónica a casi más de la mitad de la humanidad, nos obligue a preguntarnos por qué aceptamos vivir como nos imponen y no como quisiéramos.

Ficha técnica:
Titulo Original:
Érase una vez en Hollywood
País: EEUU
Reparto: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Emile Hirsch, Margaret Qualley, Al Pacino, Kurt Russell,
Género: Thriller, drama, comedia
Duración: 165 minutos
Año: 2019

Chocolate por la noticia.

Por Graciela Muñoz

Chocolate por la noticia aunque buen momento para un submarino en invierno.

“Nada es privado” parece venir a contarnos algo que estaba a la vista, y ello es: que lo que publicábamos en plataformas tales como Facebook, es público, o sea no es privado.
Es una contradicción que en una red social que queremos usar como instrumento de publicidad de nuestras conductas, gustos, disgustos además de nuestros productos de pronto tenga que prometernos privacidad.
Lo cierto es que seríamos muy ilusos al creer tantas cosas, pero sumemos que pretendamos que todos los datos de nuestra personalidad que vamos subiendo a diario, minuto a minuto en una red social “X” sean mantenidos a resguardo. Como ya tenemos muchas evidencias “business are business” (“negocios son negocios”) y desde tiempos inmemoriales la humanidad ha venido dándose de bruces, de guerra en guerra, de colonialismo en colonialismo, de explotación en explotación, etc. en busca de la maldita ganancia que acumula dolor y muerte.
¿Por qué no se utilizaría tamaña herramienta informática para seguir en pos de esta acumulación de poder que la ganancia necesita tan de su lado? Si se han hecho daños más macabros aún, hasta parecería un juego de niños en comparación con otras atrocidades. Pero nos enoja tremendamente que pongan en juego nuestra voluntad y nuestras decisiones con tal descaro.
El hecho comprobado que cuenta “Nada es privado” es que se han usado datos de Facebook para ganar elecciones que han colocado a los poderosos en distintos gobiernos del globo, que han gobernado para sus coronas, en detrimento de gobernar para las mayorías. Nos han hundido.
Apenas un par arrepentidos o arrepentidas y un profesor exigiendo sus derechos a la propiedad privada de sus datos, hasta parece una caricatura, un toque de humor negro del poder riéndose en nuestras caras de lo que pueden hacer, de lo que han hecho y seguirán haciendo.
Total, tienen la impunidad que les da el haber estado en la cima desde hace tanto y desde allí mirarnos de forma desdeñosa mientras la peleamos día a día con nuestras realidades más cercanas que la virtualidad de la manipulación, que de tan lejana que hasta parece irreal.

Ficha técnica:
Título: Nada es privado (“The Great Hack”)
Dirección: Karim Amer, Jehane Noujaim
País: EEUU
Género: Documental
Duración: 135 minutos
Año: 2019

Todo o nada

Por Graciela Muñoz

Que bien se combina, una buena música con una caminata del personaje principal como su propia presentación. Que mal se lleva un mal doblaje con una película digna, tan mal que puede arruinar unas buenas actuaciones. Por tal motivo, elijamos, al menos en este caso, el sonido original y los subtítulos. “Todo o nada” no pretende, anda cantando bajito por la plataforma de Netflix y casi pasa desapercibida, si no fuera porque alguna página la rescató del fracaso total, considerándola una de las mejores 25, aunque no defina de qué período.
Ganarlo en absoluto, “Win it at all” es su título en inglés. Y si de juego se va a tratar la trama todo está dicho. Entonces hablamos de adicciones. Es tan negativo el calvario de las esclavitudes a las que obligan que ya prevemos los vaivenes a los que nuestra expectación será sometida. Y el mecanismo desencadenado en la sinapsis de las neuronas de los cerebros adictos es tan incontrolable, que la lucha de los adictos es contra los Dioses más poderosos y si resultan victoriosos, serán los héroes más heroicos.
Y si alguna vez habrán tenido oportunidad, los que saben del tema dicen que nunca se deja de ser adicto, se recupera. Y transita momentos de abstinencia y otros de consumo de sustancia o de comportamientos. El problema de estas mal habidas es la falta de control y la anulación de la voluntad del adicto. Luego sería conveniente que no intentemos conducir a nadie a la vida que a cada quien le parezca la “correcta”, “normal” o “deseada”. Su vida no está bien, porque lo hace sufrir. Que levante la mano el que no sufra en ningún momento.
Varios le proponen al protagonista opciones de vida. Pero nadie le dice que busque lo que más desee hacer. Tal vez muchos nunca lo sepamos. Otros si y no se lo permitan. Estaría bueno ayudar, sin poner condiciones, sin arrastrar a los demás, amigos, hijos, etcétera a lo que a nosotras y nosotros nos parece que es la mejor manera de vivir, o la que podemos llevar adelante.


Ficha técnica:
Titulo Original: Todo o nada
Dirección: Joe Swanberg
Protagonistas: Jake Johnson, Keegan-Michael Key, Aislinn Derbez, Cliff Chamberlain, José Antonio García, Brian Patrick Farrell, Katarina Garcia, Tiffany Yvonne Cox, Erica Alexandria Silverman, Abigail Garcia
País: EEUU
Género: Comedia | Cine independiente USA
Duración: 90 minutos
Año: 2017
Netflix

Mobirise

Entre sonidos y colores.

Por Graciela Muñoz

El regodeo en el sufrimiento podría cerrar filas y dedicarse a juntar trozos de humanidades padecientes. Pero en cambio y al contrario de eso, “The Green book” colorea y musicaliza las relaciones humanas, busca el detalle y lo eleva al nivel de acontecimiento trascendental. Es ahí donde elegimos convertirnos en artífices de nuestras vidas y dejar de victimizarnos, para tomar el volante, como Tony Lip hace con la suya.
En tiempos complejos, solitarios y de padecimientos, podemos entrar en el ostracismo más egoísta, al que nos recomiendan someternos si queremos salvar nuestros pellejos. O podemos preferir revelarnos a esos destinos donde los reinados de los egos en castillos de cartas durarán lo que un suspiro, y encumbrarnos con toda la fuerza aunada de lo comunitario capaz de mover cordilleras.
A pesar de que se predique lo contrario, la amistad, la relación con el otro, sincera, codo a codo, es la única capaz de cambiar realidades. El encadenamiento que empieza con dos corazones que se prometen nobleza unida a la compañía fuerte y duradera. Que crece de la entraña misma de volcanes necesitados de pasiones que empujen futuros cargados de justicias, de equidades, de fin de frustraciones, de reconocimientos de identidades y derechos, son la base de un mundo mejor.
Y la peli que lleva por las carreteras de Estados Unidos a dos hombres, al final del viaje nos devuelve a dos amigos para siempre, y con ellos un universo de probabilidades tan posibles que se nos llena el alma de ese calor además de fraterno, prometedor de certezas que entibia las almas en el más frío y húmedo otoño que la realidad quiera imponernos.

Ficha técnica:
Titulo Original: Green book / Dirección: Peter Farrelli / Guión: Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga / País: EEUU / Protagonistas: Viggo Mortensen, Mahershala Ali, Iqbal Theba, Linda Cardellini, Ricky Muse, David Kallaway / Género: Drama/Comedia / Duración: 130 minutos / Año: 2018

Mobirise

Sin la suavidad del terciopelo

Por Graciela Muñoz

Adentrados en el mundo Netflix asomamos a las percepciones visuales artísticas donde los diseños de los títulos agradan y atraen la mirada hacia el goce estético, entonces por un par de trazos nos encontramos sumergidos en el mundo de la plástica. Pero el universo que pinta la peli es el del negocio que comercia con una parte de los artículos productos de las bellas artes.
En el principio la ironía funciona con exactitud, se advierte y comprende que el arte queda a kilómetros de distancia del funesto intercambio que deja sin aura a cualquier creación del alma humana y la deja despojada de cualquier rasgo de filantropía. Bocetamos en nuestro esquema la capacidad de disociarnos y permitir que todo puede ser llevado al mercado para entrar en transacciones que deshojan a las expresiones más pintadas.
En esos momentos de presentación de personajes y tramas un tinte Kieslowskiano tiñe las tomas y entrega un clima europeizante de lentitud y glamour como si esos ingredientes fueran indispensables e inseparables de la calidad artística. A pesar de que esa condición esté puesta en tela de juicio constantemente además de tener un precio.
Llegados hasta aquí bastante bien, pero todo en un punto se enrarece, el argumento se desliza hacia el thriller, no sin antes rosar la ciencia ficción y caer en picada hacia un remolino tarantiniano. Una melange que no sale del todo triunfante ya que el botín tiene la asperosidad, dolencias y violencias del lado oscuro de la existencia. Finalmente queda flotando esa fascinación que arrastra a las psiquis a la emulación comunitaria, la que nos limpiará de los pliegues rugosos que produce lo monstruoso de los padecimientos realmente traumantes.

Ficha técnica:
Título: Velvet Buzzsaw / Año: 2019 / Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos / Género: Thriller
Actores: Jake Gyllenhaal, René Russo, Zawe Ashton, Toni Collette, John Malkovich
Web: https://www.netflix.com/title/80199689

De cabeza a la pileta del existencialismo

Por Graciela Muñoz

Luego de una breve introducción crítica, hecha a base de imágenes y de palabras en francés, que expone lo cuadrado como lo negativo, impuesto, estructurante y lo redondo como lo creativo, singular y libre, que jamás encajarán uno en el otro; abre el plano con un travelling a un invernal barrio periférico francés con una canción de los ochenta, que en inglés: “welcome to your life” da la bienvenida a tu/su vida.
Todo dicho, de allí en más solo cabe esperar cómo nos plantearan la historia. Un poco al estilo de la inglesa “Full monty” de 1997 en la que otro grupo de hombres intentaba abrirse paso entre el desempleo y la precariedad de esos años a base de convertise en streepers como modo de hacer algo novedoso para ganarse la vida. Y otro poco con estilo propio, estos hombres, de alrededor de los cuarenta, intentarán buscarle un sentido a sus vidas.
Un tema aparte es el apoyo estatal que reciben estos ciudadanos, el natatorio municipal será su refugio en el mundo y el trampolín de realización personal y canalización de sus angustias, desamparos y desesperaciones.
También, en estos momentos donde el feminismo alza banderas que son bienvenidas y reprobadas a la vez, es para destacar el modo en que se equipara a hombres y mujeres en un humanismo universal. Y no solo ello, la casualidad los lleva a depositar sus voluntades en dos mujeres, que a pesar de sus propias limitaciones, los ayudaran a desarrollar una construcción optimista de sus acciones.
La herencia sartreana ha dejado huella entre los franceses y la peli sintetiza los puntos del existencialismo que predica que lo que mueve a las personas son sus proyectos, que hombres y mujeres son responsables de sí y de los demás, que nuestra acción compromete a la humanidad toda, que la libertad trae sentimientos de agobio, que el destino está en nuestras manos y nos dispone a la acción, que en el reconocimiento con el otro de nuestro ser nos hacemos conscientes de él, que nos debemos el compromiso moral y una actitud auténtica de quienes asumimos la responsabilidad completa de nuestra acción y situación, que cada quien debe darle el sentido que por sí misma la vida carece y que el existencialismo es un humanismo.

Ficha técnica:
Titulo Original: Hombres al agua (El gran baño)
Dirección: Gilles Lellouche
País: Francia
Protagonistas: athieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde, Jean-Hugues Anglade,Virginie Efira, Leïla Bekhti, Philippe Katerine, Alban Ivanov, Mélanie Doutey,Jonathan Zaccaï, Noée Abita, Erika Sainte, Marina Foïs, Félix Moati.
Género: Comedia/Drama
Duración: 110 minutos
Año: 2018

Herencia amorosa

Por Graciela Muñoz

¿Es el amor una construcción o una ráfaga contagiosa que nos atraviesa? ¿Nos enamoramos de personas particulares o simplemente ocurre con quien sea? ¿Mrs Robinson existió? Como fuera siempre quisimos conocer sus motivaciones. ¿Hay respuestas o las armamos según encuadren en nuestras cosmovisiones?
Una pizca de romanticismo con “Se anda diciendo” no se le niega a nadie. Como tampoco una aventura amorosa debiera aparecer prohibida. Pero aunque sea permitida, la culpa de la sociedad occidental trabaja muy bien en las mentes encasilladas de las mujeres que deben primero cumplir con montones de condicionamientos, para luego, intentar ver si pueden lograr ser felices.
Entre dos hermanas, la primera confesa feliz, la segunda siempre dubitativa de lo que debe sentir y siente, y una abuela, cabeza del clan, que sin quererlo trazó senda a seguir. Se encuentran también un puñado de hombres que las ama o las amó. Sus relaciones nunca fueron lineales ni sabidas.
De cierta forma y a pesar de su avanzada edad, la trama dramática es, puede decirse, iniciática para Sarah, la protagonista. Necesita encontrar casusas y motivos a sus sentimientos para darle forma a su identidad, con la que más que desconocer, se encuentra peleada.
Por momentos Sarah se va al baile de palacio acompañada por las sombras de una Cenicienta de alta alcurnia y por otros cae en inexplicables depresiones, empujada hacia ellas por las incompatibilidades familiares, que se han barrido sistemáticamente bajo la alfombra.
Como sea, siempre vale la pena poner en juego el corazón, por supuesto, no para rifarlo en bingos trasnochados, pero si llevarlo en la palma, no solo de paseo, sino para que se dé de frente con los sentimientos y las pasiones para que no se esclerose.

Ficha técnica:
Titulo Original: Dicen por ahí…
Dirección: Rob Reiner
País: EEUU
Protagonistas: Jennifer Aniston, Kevin Costner, Shirley MacLaine, Mark Ruffalo. Richard Jenkins. Mena Suvari. Mike Vogel
Género: Comedia
Duración: 120 minutos
Año: 2005

Mobirise

Las fases del amor

Por Graciela Muñoz

Como en cascada de buenas circunstancias se suceden los clichés de los típicos comienzos de relaciones sentimentales amorosas, donde todo es de color de rosa y desborda dulzura, hasta el punto de que en la pantalla nieve o rocíe azúcar mientras se alcanza el primer beso edulcorado de futuro prometedor.
Y los augurios esperanzados solo anhelan abrazar lo positivo, las empatías, los entendimientos, las pasiones armonizadas en acoples, de momento, sinceros. El idilio está rebosante de presente y sentimientos a flor de piel. Todo es disfrutable, generoso, conciliador, seductor. Y queremos que dure. Tanto en el relato como en la vida misma.
Pero “todo tiene un final, todo termina” y allí caemos claudicando certezas que creíamos eternas, aunque guardemos esperanzas a medias ocultas. Aceptar tanto como reconocer nos cuesta aquí y en el Congo Belga, a altos o altas como a bajas o a bajos, en la realidad como en la ficción. Siempre alimentamos la convicción y la continuidad en y de lo romántico.
El romance agita deseos y mueve intimidades, pero es una institución cultural que nos hace repetir padrones entre los que figura el casamiento como una instancia más. En él a veces claudicamos idealizaciones que rebotan con cotideanidades y explotan en frustraciones. Pero lo seguimos intentando una y otra vez en cada quien la humanidad representada.
Llevado al thriller podemos llegar a vislumbrar la magnificencia del plan perfecto que más de un corazón habrá confabulado en rencor vengativo con creciente ansia por ver al que tanto dolor provocó arrastrarse, resarcirse, escarmentando en cuanto lugar público se pueda.
El film Desaparecida nos ofrece un misterio con todas las características del policial, que los mezcla con los vaivenes que puede llegar a producir toda marea amorosa que transite los avatares alternativos de la vida en pareja. Queremos saber, conocer más, llegar a las explicaciones finales y dictaminantes. Los veredictos los necesitamos como constructores de verdad, pero como en todas partes, los corazones tienen razones que la razón desconoce.

Ficha técnica:
Titulo Original: Perdida
Dirección: David Fincher
Protagonistas: Ben Affleck, Rosamund Pike, Neil Patrick Harris, Carrie Coon, Tyler Perry
País: EEUU / Género: Suspenso psicológico
Duración: 149 minutos / Año: 2014 / Netflix

Mobirise

Lo normal no es natural.

Por Graciela Muñoz

La genialidad hecha película puede un día aparecer y debería ser “trend topic”, como se dice ahora, tendría que ser la más vista. Porque nos concierne, nos compete, nos interesa a todos y a todas.
Para los que preguntan: ¿qué hay de malo en la sociedad? Y paso seguido argumentan que el Patriarcado es un invento, que todo está muy equilibrado y que no existe tal dominación de un género sobre otro. Ellos y ellas deberían ver esta película.
La hegemonía, que es el conjunto de valores que el poder impone sobre los oprimidos y las oprimidas necesita, para economizar en recursos de control y de policía, que el oprimido y la orpimida solitos y solitas se sometan a la dominación. Lo logra naturalizando cuestiones que de naturales nada tienen.
Que haya ricas, ricos y pobres, “pobras” así como que haya un género que domine a otro no es natural. “Es cultural” volverá a explicar nuestra sometida o nuestro sometido. Y sí, pero hay una cultura dominante y una dominada, no es lo mismo tener el sartén por el mando a que te den un sartenazo.
Tantas veces me encontré tratando de explicar esto, y por fin a alguien se le ocurrió algo magistral, cuando se ven las actitudes “femeninas” y “masculinas” en el género contrario nos damos de bruces contra la ridiculez de que el mundo funcione así.
Que tiene todo de ridículo pero el absurdo está explicado perfectamente en la racionalidad de la explotación capitalista que ejerce más presión sobre la mujer que sobre el hombre.
Todos y todas sabemos que vivimos en un mundo de dominación masculina, donde siempre fueron los que pudieron hacer “todo”, y en donde la nominación es masculina ¿Por qué para designar el conjunto de masculinos y femeninos se utiliza el masculino? Porque el que nomina domina. Por eso parte de todas las reivindicaciones es el lenguaje. ¡Cómo me costó mucho en la infancia entender esa arbitrariedad.

Ficha técnica:
Titulo Original: No soy un hombre fácil
Dirección:
Eleonore Pourriat
Guión: Ariane Fert, Eleonore Pourriat
País: Francia
Protagonistas: Vincent Elbaz, Marie-Sophie Ferdane, Pierre Bénézit, Blanche Gardin, Moon Dailly, Céline Menville, Camille Landru-Girardet
Género: Comedia | Feminismo. Sátira
Duración: 98 minutos
Año: 2018
Netflix

Una rebanada
de placeres prohibidos. 

Por Graciela Muñoz

Algunas culturas prohíben comidas, otras comportamientos, las restantes pecados y así la humanidad se debate entre las imposiciones impostadas y lo que realmente se tiene ganas de vivir, de experi-mentar, de transitar.
Mandatos llueven de a miles sobre los hombros cargantes, sobre las cabezas pensantes y sobre los corazones sintientes. ¿Y al final para qué, o habrá que preguntarse por el principio? ¿Cuándo, dónde, a quién se le ocurrió empezar a cercar sensa-ciones y experiencias? Puede que algunas cuestiones hayan sido impuestas por necesidad de supervivencia, situaciones alimentarias, de salud, cuando poco se sabía y la prevención era la madre de la pervivencia del hombre y de la mujer.
Pero luego ¿qué? ¿No pueden seres razonantes, dar pie con mano y cabeza y parar obstaculizaciones que se transformaron en arbitrariedades, difíciles de mantener y más aún, generadoras de infeli-cidades de todo color y tamaño? ¿O tal vez es necesario y querido el control, la civilización y el adoctrinamiento de las libertades, de las natura-lezas, de las pasiones?
Somos hijos de los miedos, nietos de las imposiciones y bisnietos de las prohibiciones. ¿Pero o seguimos reproduciéndolas y sometiendo a los que siguen a lo mismo, o dejamos resquicios de dudas, de cuestio-namientos?
¿Damos permisos para cuestiones diferentes a lo conocido o lo tratamos como desvíos, como indeseabilidades patoló-gicas y patógenas?
¿Será hora, más tarde que nunca de dejar posibi-lidades, potencias distintas y capaces de andar nuevos recorridos? ¿O recor-taremos sueños, expectativas, cercenarémos amplitudes y trocaremos las cantidades de gustos y colores en grises amargos?
La vida, empezó ayer y puede terminar en cualquier momento, las frustraciones coagulan sensaciones anquilosando existencias, pero nada ni nadie tiene derecho a provocar tremendas calamidades. Y vos tenes el deber de tomar tu vida en tus manos y dar rienda suelta a, por fin, vivir con la mayor plenitud que esté al alcance de tus sueños.

Ficha técnica:
Titulo Original: Los colores y los gustos
Dirección: Myriam Aziza
País: Francia
Protagonistas: Sarah Stern, Jean-Christophe Folly, Julia Piaton más
Género: Romántico, comedia
Duración: 1 hora 35
Año: 2018.
Netflix

¿Suena el río o estamos locos?

Por Graciela Muñoz

¿Será que los locos o locas dicen la verdad junto a otros u otras exponentes de nuestra sociedad? ¿Por qué repetimos, sin análisis alguno, sentencias que dictaminan actitudes de cualquier tipo cómo locura? ¿Tal vez porque entran en la categoría de “control social” y entonces nos vienen moldeando ya desde los vientres maternos? ¿Por qué soportamos tanto peso en nuestros hombros, cerebros y almas?
A pesar del título: “Re loca”, que minimiza la profundidad con la que luego la peli se hará cargo de mostrar los padecimientos de la protagonista, el guión también decide no siguirle el tren de quedarse en la superficie de los malestares de Pilar e ir a bucear en los por qué llegó allí. Ella no da más, está desesperada, todo parece salirle mal.
Normal en esta sociedad para cualquiera que ronda los cuarenta, hermoso momento de la vida. Pero fecha en el calendario occidental en la que el mercado tanto el de trabajo, que quiere súper explotar a los cuarentones y pagarles poco, o tenerlos como ejército de reserva para bajar los sueldos al resto de los trabajadores de cualquier país; o el mercado de consumo, en el que los infelices consumen a lo bobo para mitigar, aunque sea hasta la próxima crisis, pensando que eso les dará la felicidad. Y tan efímero resulta que se lo pasan persiguiendo zanahorias camufladas en espejitos de colores.
Los guionistas eligen a Pilar para ponernos frente a frente como si ella fuera un propio reflejo, y si en una no sentimos empatía, habrá varias situaciones en las que nos reconoceremos sintiendo exactamente lo mismo. La cuestión es qué hacer, los síntomas están y los caminos son infinitos. Dicen que se empieza por darse cuenta, bueno, esperemos que al menos la peli sirva para eso. ¿Y luego, tal vez al guión le faltó una vuelta de tuerca, ya que se queda en la anécdota personal, individual, de un sujeto particular, y si ampliamos el espectro y lo pensamos como una cuestión colectiva? Porque no le pasa a uno les pasa a todos los rondan los cuarenta, a los que los pasaron y a lo que llegarán a esa edad.

Ficha técnica:

Titulo Original: Re loca / Dirección: Martino Zaidelis / Guión: Andrés Aloi, Diego Ayala y Nicolás López / Basada en: Sin Filtro (2016) / País: Argentina / Protagonistas: Natalia Oreiro, Diego Torres, Malena Sánchez, Gimena Accardi, Hugo Arana, Fernán Mirás, Agustín Radagast / Género: Comedia / Duración: 84 minutos / Año: 2018

Mobirise

Cuando nos encontremos.

Por Graciela Muñoz

Echar a andar un camino no tiene que ver con que el viento nos empuje, a donde precisamente él quiera llevarnos, sino en ocasionar provocativamente direcciones que comiencen con pequeños pasos que generen movimientos de lo más inesperados y diversos. Pero tampoco andar tumbo a tumbo, pues si bien los senderos por momentos se vuelven pedregosos, la idea es que todo recorrido sea un proceso que nos acerque más a nosotros mismos, a nuestra esencia y a nuestros sueños.
Muchos argumentarán que precisamente: “los sueños, sueños son” que se queden allí bien llenitos de telarañas y polvo, en ese rincón que nuestras expectativas, unidas a las esperanzas y en total acuerdo con las ilusiones han abandonado, justo allí. Pero no queridos, la vida es una, no tiene sentido no hacer todo a nuestro alcance por vivirla bien. Y que “bien”, sea el “bien” que para cada uno le calce ¿Cómo se llega en paz a la muerte? ¿Qué es lo esencial? ¿Qué es el tiempo, se pierde, de qué manera? ¿Y si nos damos permiso para hacer de otra manera?
Una transformación profunda, no se da de la noche a la mañana, ni de repente; una pequeña modificación puede ser el inicio de variaciones impensadas. Qué mejor que una Road Movie para invitarnos a un viaje que nos convoca a unir espíritu y cuerpo en una mutación existencial que puede empezar de cualquier manera, pero iniciarse, de una vez y para siempre. Se echó a rodar el auto, la cámara, la vida. La vida es un aprender a vivirla y aquí estamos.
No esperen bengalas ni explosiones, “Camino a La Paz” es una marcha, pero interior. Todo lo que se moverá serán tus emociones, pequeños momentos aquí y allá provocarán vibraciones en la profundidad de tu intimidad. Detalle a detalle, unidos con respiraciones profundas te llevarán a un encuentro con tu identidad en el que te abrazarás y ojalá que sea el germen de una manera nueva de andar.

Ficha técnica:
Titulo Original: Camino a La Paz
Dirección y guión: Francisco Varone
País: Argentina
Protagonistas: Rodrigo de la Serna, Ernesto Suarez, Elisa Carricajo
Género: Road Movie
Duración: 94 minutos
Año: 2016

Mobirise

Un policial filosófico.

Por Graciela Muñoz

Para redoblar el frío de este julio invernal, nada mejor que un policial helado con una generosa taza de chocolate caliente entre las manos. Como si fuera poco y no bastase para apalear las finanzas domésticas arrasadas por un gobierno neoliberal, cubrirnos con una buena manta puede ser una buena solución para viajar a las bajas temperaturas europeas. Pero claro, a tono con la época, nada como codearse con la alcurnia que solía subirse a los vagones del Oriente Express.
Realizar una remake de tamaña hazaña cinematográfica como “Asesinato en el Oriente Express”, no es tarea sencilla si se quiere salir al menos empardado con la historia del celuloide. Las dramatizaciones impecables de actores de talla y de maduraciones escalonadas dan el toque maestro para lograr una obra de arte que solo los artistas, artesanos creativos, pueden llegar a perfeccionar.
La fotografía, la música, la ambientación y el vestuario no dejan solo a ese oficio heredado por la tragedia y comedia griegas, sino que elevan aún más la puesta en escena a un punto de impecable factura. Con el broche de oro de Keneth Branagh dirigiendo y actuando más la producción de Ridley Scott que catalogan al film con la justificación de que estar a la altura tiene un rédito que es el de una certificación de calidad clásica que solo el canon puede otorgar, el de quedar en los anales de la historia.
Y si de tragedia hablamos, nada como la catarsis que provoca la empatía con los personajes. Viniendo de Grecia, de la mano de la filosofía y la tragedia la peli nos plantea el dilema de “hacer justicia por mano propia” ¿si o no? ¿Es correcta la ley del Taleón: “ojo por ojo, diente por diente”? Las frases de Poirot son muy esclarecedores: “No apruebo el homicidio, cada día vemos personas que le sobran al mundo, pero no las matamos”, “”Veo suficientes crímenes para saber que el acto criminal es la anomalía”, “Pienso que se necesita un alma demasiado fracturada para matar a otro ser humano”, “¿qué es justicia aquí?”.
La solución que el inspector de este policial Hercules Poirot, otra característica griega, es que las personas deben sanar. Que la mayoría de los humanos tenemos mentes sanas y si no tendemos a ello. ¡Ahora a sumergirse en la expectación y no congelarse en el intento! Si se quiere puede darse una vueltita por la peli de 1974.

Ficha técnica:
Asesinato en el Oriente Express / Basada en: Asesinato en el Orient Express de Agatha Christie / Dirección: Keneth Branagh / País: EE.UU. - Malta
Protagonistas: Kenneth Branagh, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Judi Dench, Johnny Depp, Josh Gad / Derek Jacobi, Leslie Odom Jr., Michelle Pfeiffer, Daisy Ridley
Género: Misterio - Drama /Duración: 114 minutos / Año: 2017

Montaña de ambiciones mesquinas

Por Graciela Muñoz

Que romántico queda llamar “La Cordillera”, cadena montañosa por excelencia latinoamericana, a un film que transcurrirá en el país geográficamente más presionado por ella hacia el mar como lo es Chile. Cuando por analogía se encierra al continente entero en una Cumbre de presidentes en la que el dominio de EE.UU. intentará imponer su poderío.
El fin y el principio de la peli protagonizada por Ricardo Darín será dejar bien en claro que la clase política tiene una ambición enfermiza, egoísta y siniestra. La oscuridad y los manejos turbios son eficazmente utilizados para que nadie dude que la política no es: “el arte de lo posible”. Cuando se mete en una bolsa de gatos a todo, la vara termina siendo la misma y ya no hay política correctora de injusticia, redistribuidora de riquezas ni idealista que valga ¡Son todos iguales! Es la frase que desacredita al deshonesto fehaciente y al que pertenezca a la misma clase, la política.
Porque lo único posible es el robo para la corona, para los dueños del mundo occidental, quien ose correrse de allí pagará con la marginación, estigmatización y descrédito. El tercer poder termina de esconder tras el velo lo no dicho, así mantiene sin juicio ni escarmiento a los ejecutores de políticas de hambre y exclusión. Que es el lugar que les corresponde, bajo la bota, pisados una y otra vez, no sea cosa que alguno levante la cabeza y quiera exigir algo.
Gracias compañeros de ruta. Los que también, como ustedes, solo poseemos nuestra fuerza de trabajo para vender en el mercado les agradecemos su colaboración en la construcción cipallezca que han conseguido con esta película. Así dormimos más tranquilos pensando que el mundo es así, que es siniestro y malo por naturaleza, que nada puede cambiarlo. Además esperamos fervientemente les aproveche el dinero obtenido por su trabajo y el extra por la venta de vuestras almas y que un insomnio angustioso nunca les niegue una meditación a solas y sincera con sus almohadas, que les enfile, cual ovejas, los pobres que han dejado sus días.

Ficha Técnica:
Título: La cordillera
Dirección: Santiago Mitre
Guión: Santiago Mitre y Mariano Llinás
Año: 2017
Intérpretes: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Erica Rivas
Duración: 114 minutos / Género: Intriga / Drama / Política
País: Argentina 

El cine argentino va a la escuela

Por Graciela Muñoz

Al minuto cuarenta de la peli documental del Proyecto: “El cine argentino va a la escuela”, la pantalla nos muestra a una chica yendo a caballo a su escuela rural en Cañuelas. Por esas cosas de la vida no había visto este documental y el diciembre pasado, por cuestiones del destino, él mismo me llevó hacia allá. Mientras recorría la escuela rural me encontré leyendo una especie de certificado que colgaba de una pared que decía que “El cine argentino” había estado allí. Quise averiguar que significaba aquello, pero entre una cosa y otra, se diluyó la posibilidad de resolver mi desinformación.
Es frustrante certificar que así como los recursos económicos entre otros no llegan a ciertos lugares la cultura tampoco llega, pero a la vez es emocionante ver que alguien está poniendo el hombro a tamaña empresa. Y todo ocurre por y desde la escuela, Institución con mayúscula, culpable de muchas estructuras mentales que obedecen a los Proyectos de País que se construyen desde el estado. Pero también templos comunitarios y educa-cionales por excelencia.
Este proyecto sigue en movimiento y es tan gigante su alcance, que hizo posible la Fundación DAC, Directores Asociados Cinema-tográficos, que sus resultados tendrán repercusión en lugares y tiempos infinitos. La historia se repite pero también cambia, están los que hacen historia como estos directores de cine, productores, artistas y actores que trafican material fílmico por las rutas más inhóspitas y los paisajes más remotos.
Mientras haya una cámara y un espectador, habrá amor y esperanzas.

Ficha técnica:
Titulo Original: El cine argentino va a la escuela
Dirección: Diego Aparicio
País: Argentina
Algunos de los participantes fueron los actores Leonardo Sbaraglia, Luis Machín, Muriel Santa Ana, Gabriela Izcovich, Ana Celentano, Daniel Hendler, Mónica Villa, Cecilia Rossetto, Rafael Spregelburd; los directores Fernando Spiner, Marcelo Piñeyro, Ariel Winograd y el guionista Marcelo Figueras, entre otros.
Género: Documental
Duración: 54 minutos
Año: 2017

Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=yGkEVGNb8NE
Proyecto El cine va a la escuela: http://www.fundaciondac.org.ar/index.php/proyectos/proyecto-el-cine-argentino-va-a-la-escuela/

Mobirise

Cuando la falta de respeto convierte un género en arte

Por Graciela Muñoz

El género de acción siempre queda relegado al pasatiempo, al shock emocionante que por lo general lo mantiene contenido entre esos parámetros. Salvo que nombremos a Alex de la Iglesia, entonces estaremos listos para presenciar su parodia parodiadora a tal extremo tironeada hacia el grotesco y desembocada en el bizarrismo asérrimo que escupe situaciones delirantes y ridículas en la pantalla. Configuradas ellas con una inteligencia que las eleva en una delirancia casi tan perfecta que rosa con lo bello.
Listo ¿qué más decir? Bueno está bien, estamos hablando de una de sus últimas pelis: “El bar”, rodada en España, actuada por un par de actores argentinos, que dan el título a esa binacionalidad de cooproducción. Que está perfectamente filmada, que cocina cada situación y las presenta con un moñito propio. Que de paso hace un poco de sociología y nos llama a tomar consciencia, aunque sea por un rato nomás, de nuestras bajezas, pero a la vuelta del plano nos eleva entregándonos una buena acción, que nos devuelve el aliento de seguir apostando por esto que dice llamarse humanidad.
Sobre todo se ríe y disfruta, no sin dejar de invitarnos a hacerlo con él. Hay que agradecerle, hay que imitarlo, hay que reformular y resignificarnos tanto como nos sea posible, allí, creo está la gloria de transformar la realidad, que, por supuesto, empieza por casa. Se han criticado ciertas cosas, pero en ello se pierde de vista el paroxismo que redobla al género y lo pone de cabeza. Como tampoco la crítica a logrado vislumbrar el homenaje que se le hace a la película de Hitchcock: “La soga” en la construcción de ese ambiente endogámico que retuerce sobre sí, en el que se teje casi toda el relato dramático.
Ficha Técnica:
Título: El bar
Director: Álex de la Iglesia
Guion: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarría
Año: 2017
Intérpretes: Blanca Suárez, Mario Casas, Jaime Ordóñez, Carmen Machi, Secun De La Rosa, Terele Pávez, Alejandro Awada, Joaquín Climent, Jordi Aguilar, Diego Braguinsky, Mamen García
Duración: 102 minutos
Género: Thriller - Intriga / Comedia / Comedia negra
País: Coproducción España-Argentina

Mobirise

Amor a la Roma 

Por Graciela Muñoz

Las mínimas olas de agua jabonosa que hacen lago en un patio interior como primera imagen de gigantesca creatividad y metafórica maestría, presagian, auguran y dan señal del futuro del relato. Como los reflejos de vidas que se espejan de suelo a cielo, de un arriba y un abajo que delimitan los estamentos sociales. También las intimidades se hamacan en vaivenes de vivencias que se suceden sin esperar o dar tiempo a digestiones sensibles. No permiten el regodeo sentimental sino que nos llevan de recorrida por todos los estados posibles, como si se tratara de la vida misma.
Es maravilloso encontrarse con una película de neorrealismo italiano de reciente estreno; todo, todo nos recuerda a él. Desde las almas femeninas y anónimas encaramadas en la cumbre de sus propias existencias hasta la militarización, ya no de entre guerras, pero sí de la guerra interna que trasladó la guerra fría de las potencias mundiales al tercer mundo. Sin dejar de pasar por las pantallas de cine en blanco y negro, por las miserias de las almas humanas de actitudes miserables ni por los enormes corazones que repuestos del dolor redoblan sus intenciones amorosas.
Las similitudes del México de los 70 con la Argentina de aquellos mismos años, nos interpelan a preguntarnos por qué desde aquí, a tantos kilómetros de aquel país, los aconteceres eran tal cual como calcados. ¿Tal vez hubo una planificación mundial en la que las potencias financieras armaron una implementación de políticas neoliberales en el tercer mundo? ¿Tal vez había que parar las movilizaciones más masivas en la historia de la humanidad? ¿Tal vez el comunismo era una amenaza real?
¿Tal vez la única manera de implementar una economía tan predadora era con un plan sistemático de detención, exterminio, delación y tortura trasladado por el cerebro y la mano militar franceses a nuestra amada y siempre sufriente América Latina? Pero es la misma que se vuelve a levantar a pesar de los golpes.

Ficha técnica:
Titulo Original: Roma
Dirección y guión: Alfonso Cuarón
País: México
Protagonistas: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Marco Graf, Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Daniela Demesa, Nancy García García, Verónica García, Latin Lover, Enoc Leaño, Clementina Guadarrama, Andy Cortés, Fernando Grediaga, Jorge Antonio Guerrero
Género: Drama | Años 70. Familia
Duración: 135 minutos
Año: 2018 / Netflix

En venta.

Por Graciela Muñoz

Uff! ¿Se vende el alma cuando a base de necesidad se vende el cuerpo? ¿O se guardan los sentimientos en una cajita y se pide prestado el llavero a San Pedro para cerrarla? ¿Qué ocurrió con el precepto de que “naide escupa ira, bronca, marginalidad, deshonra, sometimiento, vergüenza, hambre, dolor p'a que otro viva mejor”? ¿Qué es realmente ayudar a alguien, imponer lo que a nosotros nos parece o apoyarlo con toda la amplitud que requiere entender que el otro es “un” otro y puede necesitar algo distinto, hasta por ahí algo distinto a lo óptimo para él o ella?
Estas y más preguntas nos dejan instaladas en nuestros cerebros y corazones, que quedan con un agujerito más luego de ver “Alanis”, sus hacedores magistrales. Entre la directora: Anahí Berneri, co-guionista de Javier Van de Couter más los enormes: Sofía Gala y Dante Della Paolera (el bebé), lograron un peliculón. Lo más difícil en cine es trabajar con animales y niños, lo han logrado de forma impecable, un cuidado y un amor que trasciende la pantalla son elementos esenciales para que ello ocurra.
La directora comanda la nave y demanda, se está al nivel de las circunstancias o no. Sofía Gala supera las expectativas de laburo, calidez, calidad, ternura y detalle se elevan en el aire con la misma naturalidad con la que un negro está quieto y de repente abre la boca y entona las notas más espectaculares. El estoicismo que logra transmitir el personaje de Alanis es tan contundente que pone a cualquiera en su piel.
Lo más maravilloso de la película es que nos transmite que no hay que juzgar, que hay que estar en los zapatos gastados y descocidos del vecino, del amigo, del hermano, del padre, hasta del hijo. Que nada es blanco o negro, que los matices son infinitos y que cerrar, rotular, encasillar es el peor de los enemigos. Que abrir las mentes y las sensibilidades a estar siendo en el aquí y el ahora, al despojarnos de pasados atávicos y esclavizantes, a la vez que de futuros que nada son aún, nos libera para poder cambiar los presentes en realidades que pueden catapultarnos a “Ser” en lugar de “existir”.

Ficha técnica:
Titulo Original: Alanis
Dirección: Anahí Berneri
Guionistas: Anahí Berneri, Javier Van De Couter
País: Argentina
Protagonistas: Sofia Gala, Dante Della Paolera, Santiago Pedrero, Dana Basso, Silvina Sabater
Género: Drama - Prostitución
Duración: 82 minutos
Año: 2017.

Hacia lo alto
los de abajo

Por Graciela Muñoz

Se necesita mucho de esa grandeza identitaria, tan bastardeada por la cultura dominante, como para construirla, sostenerla y esparcirla a los cuatro vientos de la llanura bonaerense, que pide ritmo cumbiero con verso y m étrica afilados.
Desde Colombia nos llega la Cumbia, un género musical que con su baile en grupos de parejas demuestra cómo el hombre negro tuvo que luchar por conquistar a la mujer indígena, que finalmente cedió y así se creó una nueva generación. En su sonar guarda ritmos de tambores africanos y las melodías de las gaitas y flautas indígenas. Por último se suma el traje español dando como resultado una condensación de las tres culturas.
En los años 40 comienza a expandirse y desde su llegada a la Argentina sus transformaciones influenciadas por el chamamé además del tango dan origen finalmente a una versión importántísima de este subgénero que dio por llamarse: “Cumbia Villera”. Con la frente bien en alto nacerá como testimonio de una durísima realidad vivida hacia fines de los noventas y principios del 2000.
“Alta Cumbia” es una peli que va a contarnos el nacimiento de este estilo, que pronto, en los primeros minutos la frase: “Firme como tornillo de puente” dejará aclarado que sobre la pantalla desfilarán fragmentos de una cultura popular resistente a los embates del poder que la somete a la marginalidad, al dolor, y a la discriminación.
Varios grupos impondrán su sello particular en una amalgama que conjugará la base de la cumbia vieja, el sonido electrónico, el bombo de cancha, el ska, algún tema de iglesia… El refuerzo a todo esto llegará con contribuciones del rap y del hip-hop para robustecer la identidad cumbiera con la que se han criado. Desde la villa y hacia el mundo un lenguaje orgulloso y satisfecho con el hecho de por fin ponerle verbo a tanto padecer.
Quedan ustedes invitados a participar de la Cumbia, de la cumbia de la Villa, de las creaciones del negro villero, que entre sus otras opciones: el futbol y el choreo, elige la música. Y que tiene muy en claro que su cultura es subalterna y que como tal se le está negada la posibilidad de expresar sus padeceres. Contradictoriamente su vida, que es el resultado de la opresión y la invitación constante a negarse a sí mismo sojuzgado por la discriminación, no puede relatarla, si la cuenta se lo perseguirá y se lo censurará, porque debe sufrir, aguantar y soportar en silencio.
Ficha técnica:
Titulo Original:
Alta Cumbia
Dirección: Cristian Jure
Guión: Cristian Jure
Países: Argentina
Categoría:
Documental/Ficción
Duración: 98 minutos
Reparto: Diego Cremonesi, Natalia Pelayo, Pablo Lescano y Daniel Lescano.
Año: 2017

Mobirise

Prometemos dormirnos cantando

Por Graciela Muñoz

Todo el Genocidio nos remite a dolor, irreparables, incontables y multicolores frustraciones, desolaciones aisladas y en
compañía, lágrimas y más llanto que sabemos sin fin.

Una totalidad que nos ha marcado con esas huellas que no se borrarán, el desconsuelo y los daños han perforado tanto que nunca volveremos a ser los mismos individuos ni la misma sociedad. La aberración desenfrenada de seres sin alma ha hecho tanto mal, que la lógica no pudo preveer tales nefastos sucesos.
Aun así la perversión llegó más allá, además de sustraer las vidas contrahechas, según ellos, enmascararon la identidad de centenares de bebés. Pero hasta el que no sospecha nada, lleva por sus venas, sus propios genes, no los que le dijeron que posee. Más allá de la irreparabilidad del perjuicio, jamás es tarde para poner de acuerdo el adentro con la realidad circundante, terminan de ordenarse enigmas y sinsentidos.
“La parte por el todo” nos cuenta, desde la mirada de tres nietos recuperados, como hablar de un bebé sustraído de su familia toda, lleva a concluir que la totalidad de lo ocurrido durante la dictadura fue un “Plan sistemático”, ya sea del “Robo de bebés” o de “Secuestros, torturas y muertes” llevado a cabo por la triple A(“Alianza Anticomunista Argentina”, grupo parapolicial), pergeñado por el “Plan Cóndor”, que fue el plan de coordinación de operaciones entre las cúpulas de los regímenes dictatoriales del Cono Sur de América —Chile, Argentina, Brasil, Paraguay, Uruguay, Bolivia y esporádicamente, Perú, Colombia, Venezuela, Ecuador— con la CIA (Agencia Central de Inteligencia de Estados Unidos).
Hoy como en los otros miles de momentos, todos los que tenemos amor además de sangre yendo y viniendo, llevamos una nana en nuestros corazones y en nuestras gargantas y dónde quieran que los destinos injustos los hayan llevado, hasta allí llega de esta forma un abrazo fuerte de cobijo y amparo.
Ficha técnica:
Titulo Original: La parte por el todo
Dirección: Gato Martínez Cantó, Santiago Nacif Cabrera, Roberto Persano
Dirección de Animación: Maxi Bearzi
Guión: Gato Martínez Cantó, Santiago Nacif Cabrera, Roberto Persano
Música: Tersa Parodi
Países: Argentina
Categoría: Cine Documental
Duración: 72 minutos
Año: 2015
Link: ODEON – CINE.AR PLAY – https://www.odeon.com.ar/INCAA/produccion/4005
José Carabajal (“El Sabalero”) – ANGELITOS (Canción)
https://www.youtube.com/watch?v=JPOgHPJcwuk

Mobirise

Danza en negro. 

Por Graciela Muñoz

Es posible que el policial negro coquetee de tal manera con el humor también negro que terminen en una danza que roce el tango de trajes e instrumentos así mismo oscuros, como Diego Peretti, argentino, milonguea con la española Belén Rueda; para por fin construir una comedia de carcajada fácil y desenlace… que mejor que adjetivarlo, lo dejamos a cargo del lector.
La mixtura de las confesas nacionalidades no solo permite malos entendidos, alimenta además este cruce de géneros que se van construyendo con los elementos que los conforman, desde la llanura se adicionan todos los componentes hasta el momento en que el policial se recibe con todos los honores. Allí, en el pináculo de su destreza, un hecho ridículo, que de tal, quizás alcance a sacudir a los muertos.
Si tenemos que dar una palabra que resuma a esta peli, sería: pasional, a todos los personajes los mueve una o varias pasiones, ninguno se queda en las medias tintas de pasarse la noche sin vivirla a fondo. Esto no solo colabora con la intriga, que solo muestra la puntita de un iceberg que esconde gran parte de la trama, sino que ayuda a correr la atención de lo verdaderamente importante.
No solo la pasión motoriza la acción, que a su paso aumenta la tensión, sino que la exigencia que personifica y padece la protagonista se anuncia ya desde el principio cuando la vemos sobre un escenario de teatro demandada al máximo por un director manipulador, obsesivo y desconsiderado. Su labor exigente se mantendrá más allá de la noche.

Ficha técnica:
Titulo Original: La noche que mi madre mató a mi padre
Dirección: Inés París / Guión: Inés París y Fernando Colomo / País: España / Protagonistas: Belén Rueda, Eduard Fernández, María Pujalte, Diego Peretti, Fele Martínez, Patricia Monter / Género: Comedia / Duración: 90 minutos /Año: 2016

Y si la vida golpea bajo…
levantate y anda.

Por Graciela Muñoz

A pesar de que por momentos se le suplique al universo que cesen los sufrimientos, que parezca que ya nunca nada será pum para arriba, la vida continúa. Aunque quedemos rotos, destrozados, irreparables, y seamos solo jirones de lo que fuimos, estamos vivos, nuestros corazones palpitan. Siempre algo nos demanda un esfuerzo, un movimiento, un ocuparse de… Allí reside el milagro de la resilencia, del levantarse entre los añicos, no como maravilla de aquel ave que nos remite al polvo al que se redujo nuestra existencia; sino como hecho real, concreto, cotidiano de seguir con vida, escuchando, latiendo. Y aquí el gigantesco logro de “Manchester frente al mar”, esa intimidad en la que nos obliga a la inevitabilidad del dolor padecido, insoportado, que apuñala doblemente en la herida sangrante. Y, sí, puestos a sufrir, padecemos junto con los protagonistas y lloramos lágrima a lágrima, por no decir moco a moco, que quita alcurnia, como lo hace la peli cuando humorea en medio de los sin sabores. Porque la vida y la muerte son así, van juntas, pegoteadas de gozo y padecimiento.
En tramos nos hundimos con ellos, si, total ¿para qué? No se puede parar el frío en el alma como la de ese invierno helado sobre la tierra y el mar de Manchester que acrecienta el sin fin de lo inóspito. En otros trechos queremos gritarles: ¡hay algo más por lo que levantarse cada mañana! Pero al cabo que la historia está tramada, la tramoya resuelta, entonces los acompañamos en el auto, en el insomnio, en lo absurdo de la burocracia que freeza la tierra y el depósito de los cuerpos. La brillantez con la que logra la intimidad cotidiana de lo inesperado, que termina uniéndose al devenir de un día como cualquier otro, más dramático, terrible, pero que viene después que otro y al que le seguirá el siguiente, creo que no ha tenido parangón en la historia del cine, al menos al que ha espectado ésta humilde cinéfila.
Puestos a sufrir, pero a compartir, toda la invitación a sentir pesar, pero el que deja el amor de haber amado con todo, alma y cuerpo. El dolor es parte de sentirse y estar al fin y al cabo vivos. Y entre nos: ¡Estos Afleck, son todos iguales! Jaja!
Ficha Técnica:
Título: Manchester frente al mar
Año: 2016
Director: Kenneth Lonergan
Intérpretes: Casey Affleck, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Michelle Williams, Erica McDermott, Gretchen Mol, Kara Hayward, Heather Burns
Duración: 138 minutos
Género: Drama
País: Estados Unidos

Hundan al Belgrano

Por Graciela Muñoz

A 500 metros de la costa argentina dos islas dominan el acceso a la Antártida y al estrecho de Magallanes, desde 1933 la ocupación británica dominó aquel suelo ilegalmente. En 1982, la Junta Militar que por ese entonces gobernaba a la Argentina, habiendo accedido al poder mediante un Golpe de Estado y brutal represión, decide declarar la guerra a Inglaterra.
Solidaridades y traiciones enaltecieron y opacaron aquellos eventos que de felices nada tienen. La demencia macabra de la guerra nos vacía a tal grado de humanidad que luego de tales vivencias pareciera que las almas huyen aturdidas por la bestial sacudida del espanto.
El relato desenrrieda los hechos, los traduce, baja al llano los entramados de intereses, acuerdos e inevitables traiciones. Cuenta hechos en palabras del locutor en off, pero las imágenes nos llena de sentimientos, de empatía con esos rostros helados de frío, hambre y pánico, que gritan con desespero que no es justo, que no es correcto, que la vida tiene que ser otra cosa.
Para finalmente recordarnos como, luego de perdida la guerra vuelven: “Sus fuerzas armadas de represión interna a la ficción de los dueños del poder, que nunca quiere mezclarse con los parientes pobres de América latina y el tercer mundo discriminándose de ellos, con la arrogancia del impero que los ha derrotados”. Y cierra sentenciante: “La inmolación de los soldados en Malvinas repite un saldo conocido: de un lado la defensa humilde de la dignidad, del otro el costo inhumano del poder.”.

Ficha técnica:
Titulo Original: Hundan al Belgrano / Dirección y Guión: Federico Urioste
País: Argentina - Inglaterra
Categoría: Documental / Duración: 117 minutos / Año: 1996 /
Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=BFAuCVAszkA

Mobirise

Otro héroe de pacotilla

Por Graciela Muñoz

Vuelve a ocurrirme lo mismo, película taquillera, comentarios: “¡Está muy buena!” “Es sobre un caso real.” Y allí mi modo de ser curiosísimo, todo y lo único que quiere es sentarse frente al primer tipo de pantalla que encuentre y consumir ese título, con semejantes actores, directores, etcétera. Y otra vez la decepción, sentir que las sensaciones y sentimientos que se proponen desde allí no son lo suficientemente fuertes como para provocar algo, cualquier cosa, empatía, por ejemplo.
O están construidas sin el menor compromiso.
Y así medio caminando, a su estilo a lo cawboy, medio dirigiendo la peli se acerca, Clint Eastwood para saludarnos y nos propone un bodrio. Tal vez él sea un convencido de que la unión que produce en quienes conviven en un accidente trágico, es transformadora del mundo. Pero mi opinión es que queda en la singularidad del individualismo, ya sea personal o familiar. Se constriñe el universo a los presentes en aquel momento y quedan como tocados por una barita mágica que nunca transforma calabazas en carrozas.
Sully es el protagonista y capitán del vuelo, sus desvelos circundan el heroicismo, siempre y cuando su nombre quede intachable en la historia de cuánto pudo evitar y a cuántos salvar. Pero nunca se plantea mejorar su relación con la empresa de vuelos, ni particular ni socialmente. Y aquí el impecable Tom Hanks entrega su derecha e izquierda en ampulosos retratos que como siempre lo muestran magnánimo en esa brillantez obsecuente del perfecto exitoso.
Y me retuerzo en la butaca, en el sillón o silla y quiero que la antigua Grecia nos socorra con algo, que me permita ser un “deux ex machina” que transforme el relato en girones de opciones que desenmascaren la hipocresía de que los buenos son esos, que de esa forma se tiene una existencia constructiva, que eso es la solidaridad, el compañerismo y la amistad y que las “buenas” cosas se hacen entre todos. Porque hay todos y todos, depende de quien lo diga y a quiénes incluya, porque de exclusión sí que son los campeones.
Ficha técnica:
Titulo Original: Sully
Dirección y Producción: Clint Eastwood
País(es): EE.UU.
Categoría: Drama basado en hechos reales
Duración: 96 minutos
Año: 2016
Actores: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Autumn Reeser, Sam Huntington

Mobirise

La caja china, que de boba nada tiene.

Por Graciela Muñoz

La humanidad se divide entre los simples mortales que creen en los Medios de Comunicación y los críticos o detractores. Pero el acuerdo general es que son un mal necesario. El problema es cuando el cuarto poder se ejerce en favor de los poderosos, la prensa mercenaria trabaja obnubilada con anteojeras egocéntricas, mientras llena sus arcas de dinero manchado por la sangre, hambre, desdicha y miseria de miles, millones de personas. Combinado con el crédito que esa parte del género humano les otorga queda entregada la voluntad de los pueblos a los designios del poder que aplasta sin dar respiro.
El film comienza advirtiendo: “En esta historia todos los nombres son ficticios. Los hechos sospechosamente verdaderos. Cualquier parecido o semejanza con la realidad no es mera conicidencia.” ¿Será que como sociedad estamos tan mal que no podemos exigir ni siquiera que nos cuenten la verdad, que los relatos que nos lleguen nos hablen del amor y no de maldad? ¿Qué mente macabra y retorcida ha obligado a que todo el mundo acepte que nos muestren un crimen en una película, pero que ni se les ocurra mostrarnos lo obsceno de dos cuerpos haciendo el amor?
“La moral es un pinche arbusto que da moras” dice uno de los personajes principales. Y si, la moral la construyen los inmorales que matan, destruyen, roban, abusan. Bienvenidos al mundo del revés, lo bueno no tiene buena prensa, eleva a hombres y mujeres, les da calidad de vida, confianza, el amor los llena de vida y felicidad. Pero el planeta está dominado por el lado oscuro que ha quedado truncado en el displacer, en el sufrimiento, en la infelicidad y no va a dejar que nadie viva bien.
Si traspolamos esta realidad Mexicana a la Argentina, seguimos juntando coincidencias, bigotes que caen, muertes que parecen suicidios, cuentos chinos a los que apodan “caja china”, que no es otra cosa que tapar chanchullos con noticias estrella a la que las mentes alienadas quedan enganchadas por días repitiendo lo que escuchan. Claro porque los medios son muy pero muy psicopáticos, repite, repite que algo quedará ¡puras mentiras! Y nos construimos en base a ellas. Una desgracia tremendamente triste.

Ficha técnica:
Titulo Original: La Dictadura Perfecta / Dirección: Luis Estrada
Guión: Luis Estrada, Jaime Sampietro / Países: México
Categoría: Comedia, Sátira política/Duración: 143 minutos
Reparto: Damián Alcázar, Alfonso Herrera, Joaquín Cosío, Osvaldo Benavides
Año: 2014 /Netflix / Youtube:https://www.youtube.com/watch?v=6piwEBb3GpI

El dominio de la caja boba

Por Graciela Muñoz

Las frutas tropicales exhibidas en un mercado popular y una voz radial subtitulada en español que nos dice: “Mucha temperatura” y “El sol está muy muy alto, como el dólar”, serán recursos de moneda corriente, como ocurrirá luego en toda la peli, en la que con mínimos recursos, pero con inmensa creatividad puesta en marcha harán avanzar la intriga y la acción sin tregua para el espectador.
Además del brillante argumento, su presentación, nudo y desenlace; “7 cajas” pone en evidencia un cúmulo de factores sociales, culturales y económicos tercermundistas, que el simple hecho que sea de origen paraguayo no dista para nada de poder ocurrir en cualquier otro país latinoamericano.
Entre todos ellos me gustaría hacer una analogía o una comparación, las 7 cajas que pesarán durante todo el film sobre el protagonista, podría ser la antigua caja boba, “la TV” que como medio de comunicación de la cultura dominante tanto marca y condiciona la vida de los pueblos latinoamericanos, y que de tonta nada tiene. Y su correlato con la ensoñación constante que vive éste mismo protagonista en relación a llegar a ser el mismo un actor.
Tal vez la particularidad de la falta de colaboración entre los integrantes del barrio no haya puesto incómodos solamente a quien escribe, es mi deseo que les haya ocurrido a varios más y lo siga haciendo con los nuevos públicos. La necesidad de sobrevivencia y del sálvese quien pueda acelera el pensamiento y desdibuja la posibilidad de la solidaridad en esa urgencia alimentaria, de salud, etc. No es inocente que se nos hayan impuesto los términos ciudades y ciudadanos, dejando muy lejos y con reminiscencias a naftalina el vocablo que nos remite a tanta riqueza ancestral como el de “la comunidad”.
“7 Cajas” una peli para ver, pensar y despertar las ganas de crear, más allá de los recursos materiales con los que se cuente. Un antiguo profesor nos decía que con solo el lápiz y el papel teníamos todo al alcance, y cuánta verdad.
Link a la peli: https://www.youtube.com/watch?v=_kDWdHPKrdA
Ficha Técnica:
Título: 7 Cajas
Año: 2012
Directores: Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori
Guión e idea original: Juan Carlos Maneglia
Protagonistas: Celso Franco, Lali González, entre otros
Género: Acción Thriller
País: Paraguay
Duración: 1 hora 40 minutos

Al término sale el sol

Por Graciela Muñoz

Sin la lluvia lavadora de culpas y frustradora de escapes no habría peli ¡Al fin una de acción dónde los ladrones son los justicieros que vienen a tomarse lo que la corrupción política y los capitales financieros nos han robado a la humanidad toda.
El personaje principal ya no es ese maleante con el que los guionistas hacen de todo para que lo amemos y con el que sintamos empatía. Además de incomodarnos frente a su afán que lo mantiene con el deseo imperante de pertenecer a un sistema que por cuestiones de su desenvolvimiento personal quedó expulsado. Y junto a él lo queremos de vuelta.
El director (inspirado tal vez en los “indignados” españoles) nos sugiere: “¡desengáñate!” y has que los políticos te devuelvan tu voto y los capitalistas el esfuerzo de toda tu vida. O por lo menos ¡entérate! Que no te engañen. Luego es tu responsabilidad y la de todos: “Yo ya te lo conté”.
Es el “Che recargado”, por un lado imparte justicia “lo que es justo es justo”. Y por otro en cuerpo y alma de un latinoamericano, nacido en las mismas cercanías, regresa a la “madre tierra”. Pero su pasado es de adopción fraudulenta. Nuestra “madre tierra natural” ya estaba aquí, y tal cual la dictadura, nos robaron de bebés y nos mintieron que éramos hijos de otras tierras. Negando así nuestra propia identidad.
El regreso de nuestro héroe es para tomarse lo que por derecho propio le fue quitado y hacerle “pito catalán” en las narices a los impostores. Tomando revancha en nombre de todo un continente.
Una genialidad, en la que adoramos al líder de esa banda, desde el momento mismo en que vislumbramos un acento hermano tras esa máscara en la que adivinamos a un De La Serna, que incluye en su ser al “Uru” y al porteño. Para, de vuelta, acentuar la latinoamericanidad, que va por lo suyo, en elegante y correcta delincuencia. Total, tiene 500 años de perdón.

Ficha Técnica:
Título: Cien años de perdón
Año: 2016
Director: Daniel Calparsoro
Intérpretes: Rodrigo De la Serna, Luis Tosar, Raúl Arévalo, Patricia Vico, José Coronado, Joaquín Furriel, Marian Álvarez, Luciano Cáceres, Luis Callejo, Joaquín Climent
Duración: 97 minutos
Género: Thriller / Robos y atracos
País: Estados Unidos 

Mobirise

Crónica de una fuga

Por Graciela Muñoz

A 40 años del Golpe de Estado de 1976.
“Crónica de una fuga” es una película basada en la novela "Pase libre - La fuga de la Mansión Seré", de Claudio Tamburrini, en la que se relata la vida que llevaron unos jóvenes secuestrados en ese centro clandestino de detención, en la última dictadura cívico-militar. Con unos 9.000 muertos y 30.000 desaparecidos fue una de las más crueles y sangrientas que ha sufrido el continente latinoamericano en el siglo XX. El plan fue sistemático y generalizado para esquilmar a toda América Latina, los colaboradores demasiados, entre EEUU, España y Francia aportaron entrenamiento y dinero, empresas como Ford, los autos Falcon para el ejército ¡y la lista sigue, es enorme! Con muy buenos resultados para los poderosos de siempre, el siguiente gráfico de la pobreza lo certifica:
La historia se repite y es de todos, y los que quisieron y se quieren llevar puesto el dolor y la pobreza de los pueblos, no tienen descanso, pero de las cenizas renacen las fuerzas y las almas de los más postergados y aplastados. El film denuncia la tortura como método de adoctrinamiento.
Manfred Nowak, Relator Especial sobre la tortura, describe ésta como “un ataque directo a lo más íntimo de la personalidad humana, que reduce a las víctimas al más absoluto desamparo, las convierte en simples objetos y destruye su dignidad como seres humanos. La tortura hiere el cuerpo y es un ataque directo al alma.”.
El escritor chileno Ariel Dorfman utiliza palabras enérgicas cuando describe el precio que paga la sociedad:
“La tortura...coloca a la víctima fuera y más allá de toda forma de compasión o empatía y exige de todos los demás el mismo distanciamiento, el mismo aturdimiento, por parte de los que saben y cierran los ojos...y sus oídos y sus corazones. La tortura, pues, no sólo corrompe a los que participan directamente en el terrible contacto entre los dos cuerpos...la tortura también corrompe todo el tejido social porque prescribe un silencio de lo que ha estado sucediendo entre esos dos cuerpos, obliga a la gente a hacer creer que...nada ha estado sucediendo, exige que nos mintamos a nosotros mismos sobre lo que se está haciendo no lejos de donde hablamos, mientras comemos una chocolatina, sonreímos a un amante, leemos un libro, escuchamos un concierto, hacemos ejercicio por la mañana. La tortura nos obliga a ser sordos, ciegos y mudos. Y no podemos seguir viviendo así.
Con este incesante conocimiento del incesante horror, no podemos seguir viviendo así”.
Y bueno, tarea para el hogar: seguir reconstruyéndonos, y sobrevivir a la destrucción sistemática que sigue arrastrando nuestras existencias hacia abajo.
Link a la peli: https://www.youtube.com/watch?v=wPr8pdKdVuc
Ficha Técnica:
Título: Crónica de una fuga.
Guión: Israel Adrián Caetano, Esteban Student, Julian Loyola, sobre la novela "Pase libre - La fuga de la Mansión Seré", de Claudio Tamburrini.
Año: 2006
Director: Israel Adrián Caetano
Protagonistas: Rodrigo De La Serna, Pablo Echarri, Nazareno Casero, Lautaro Delgado
Duración: 143 minutos
Género: Drama histórico y de suspenso
País: Argentina

Mobirise

¿Dónde están la verdad o la realidad?

Por Graciela Muñoz

“No existen… Son solo percepciones subjetivas. Están hechas a la medida de cada individuo, por eso es más fácil mentir que decir la verdad. Quién miente tiene libertad para construir su invensión y darle solidez. Quien dice la verdad es prisionero del recuerdo. Solo piense que tiene una realidad propia ¡La que usted decida! No se salga nunca de ella y todos la aceptarán.” Son palabras que le caen al “Elegido” en su instrucción que le demandará dejar su identidad para convertirse en otro, tan enajenado que hasta los sentimientos dejarán de gravitar su existencia.
El poder domina la realidad moldeándola según sus necesidades y exigencias utilizando instrumentos tales como la prensa, la policía, la justicia, etcétera. Al ser esta peli, “El elegido” una ficción sobre hechos reales ¿de qué lado queda? ¿Realidad o verdad? ¿La realidad de los opresores es la misma que la de los oprimidos? El hambre, la pobreza y la muerte ¿son realidades subjetivas o verdaderos sufrimientos?
Evidentemente las construcciones, de realidades erigidas por el poder hegemónico (Que es la dominación de la sociedad, culturalmente diversa, por la clase dominante, cuya cosmovisión —creencias, moral, explicaciones, percepciones, instituciones, valores o costumbres— se convierte en la norma cultural aceptada y en la ideología dominante, válida y universal. La hegemonía cultural justifica el statu quo social, político y económico como natural e inevitable, perpetuo y beneficioso para todo el mundo, en lugar de presentarlo como un constructo social artificial que beneficia únicamente a la clase dominante.), obligan a los dominados a una condición de oprimidos mediante la utilización de la violencia simbólica.
Si el despojamiento mayor es la imagen del olvido de uno mismo, si ese uno mismo es una simbolización del sujeto, sería el camino hacia el cual podríamos alcanzar esa homogeneidad tan desprestigiada por el poder político, que apunta todos sus dedos acusadores y nos arrastra al individualismo esgrimiendo argumentos de diversidad que lo único que hacen es separar a los humanos entre sí, enemistarlos y negarles la condición verdadera de perfecta equidad en cuanto a oprimidos y explotados.
Y si se podría buscar una dimensión naciente, tal vez una exploración allí en lo que aún no ha sido simbolizado pueda acercarnos codo a codo, hacia una realidad verdadera que por fin podamos construir desde el no poder subalterno.
Ficha técnica:
El elegido
Dirección: Antonio Chavarrías
Guión: Antonio Chavarrías
Países: España
Categoría: Thriller. Drama | Espionaje. Años 30. Años 40. Basado en hechos reales. Biográfico
Duración: 122 minutos
Reparto: Alfonso Herrera, Hannah Murray, Julian Sands, Elvira Mínguez
Año: 2016
Se puede ver en NETFLIX

La tolerancia, madre de todos los males.

Por Graciela Muñoz

En el mes del día de la madre, hemos de enfrentarnos con el hecho de que no todas las madres son buenas, de que no todos tenemos madres, como tampoco lo somos (ni que decir del mandato: a “procrear”, al que nos somete la sociedad casi entera). Y en el que en nombre del aumento de ventas, hemos de afrontar a mil y un comercial que nos presentan a seres femeninos como los mejores del mundo, especiales, cariñosos, amorosos. Y de cara con la tristeza, estoicamente hemos de aceptar toda esta realidad dada, junto a muchas otras.
Joy es la protagonista del film homónimo. Es una ama de casa desempleada, “que se cree más de lo que es”, según palabras de su propio padre protagonizado por Robert De Niro. Como los espejitos de colores, la idea de la peli es empoderar al espectador; para ello utiliza: recuerdos de una infancia creativa, inventiva e imaginativa, como también: historias infantiles sobre las cigarras (que pueden llegar a esconderse por más de 17 años bajo la tierra).
El relato es una clásica historia de cuento de hadas, en el que el suspenso nos mantendrá en tensión hasta el final solo para averiguar si la calabaza regresa, por supuesto que lo único que deseamos es un final feliz. “Toleró casi cualquier cosa. Hasta que cuando tuvo que actuar sin titubear… actuó sin titubear”, dirá sobre Joy su abuela.
Entonces podemos decidir si cuestionarla, objetar o simplemente entregarnos a la exposición de la continuidad de argumentos. Que por supuesto no adolecen de golpes bajos, mientras provocan la clásica constricción de nuestros corazoncitos desesperados por hallar las respuestas que nos tranquilicen, que nos digan, simplemente, que estamos haciendo lo correcto.
Muchos a cierta altura de su propia expectación podrán objetarme, preguntándose: “¿Qué película vio esta persona?” Y mi respuesta sería vi una película dónde la solución que plantea no supera los inconvenientes, la miseria, la destrucción planetaria, la individualidad, el sálvese quien pueda que plantea el sistema capitalista. Su solución no es una solución, es la simple reproducción de este sistema. No plantea una salida colectiva, ni mucho menos.
Y dicho todo esto, me voy a un asado por el día de la madre, con mis contradicciones a cuestas, pero con la incansable tarea del pensamiento y la acción.
Para ver la peli: Descargá: Pop Corn Time y buscá “Joy”.
Ficha técnica:
Titulo Original: Joy, el nombre del éxito
Dirección y guión: David O. Russell
País(es): EE.UU.
Categoría: Comedia Dramática
Duración: 124 minutos
Año: 2015
Actores: Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Robert De Niro, Édgar Ramírez, Elisabeth Röhm, Isabella Rossellini, Diane Ladd, Virginia Madsen.

No matarás

Por Graciela Muñoz

Si el “no robarás” tiene el perdón misericordioso con “el que roba a un ladrón tiene cien años de perdón”, ¿Qué ocurre con el “no mataras”? ¿La categorización de los mandamientos construye disciplinamiento, mora-lidad, permisos para poderosos? Ya se sabe que nuestro venerado Tarantino tiene la muerte fácil pero siempre justificada, sea con argumentos fútiles, banales o con palmarias demostraciones filosóficas. El meollo central de Django es contestar a la pregunta por qué un sometido a todo lo imaginable e inimaginable en tanto a tormentos y en cuanto a injusticias, cuando tiene la oportunidad no mata a su victimario.
Según uno de los poderosos sometedores a esclavitud a la raza africana, que denominamos negra, que intenta dar una demostración científica, perfectamente entrelazada con el último nudo dramático de la trama del film; la respuesta se encuentra en el cráneo de los humanos. El poder escondido en el término cultura, ayer, hoy y mañana, sigue empeñada en construir alternos y subalternos y fabricar discursos en los que nada cambia, en los que no tiene sentido revelarse, en los que siempre pierden los débiles. Pero sobre todo esconde su cobardía en ese endilgar debilidad al oprimido, la psicopatía consiste en convencer a todo el universo social de las imposibilidades, y de los conformismos.
Pero, siempre se avanza, la libertad crece continua, constante y perpetuamente, tal vez se adelante un casillero y se retroceda dos, pero se vuelve a adelantar. Todo y cada uno de los esfuerzos, sacrificios y muertes tienen una total prueba de que la historia es de los que luchan y de los que no tienen nada que perder, porque el valor de sus existencias se basa y catapulta en la lucha. A las pruebas me remito, el negro dejó de ser esclavo y la mujer pudo votar, estudiar. Y así hacia adelante. Hasta la victoria siempre.

Ficha Técnica:
Título: Django
Guión y dirección: Quentin Tarantino / Año: 2013
Intérpretes: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo Di Caprio
Duración: 2 horas 45 minutos / Género: Western
País: EEUU / Banda de sonido:
https://www.youtube.com/watch?v=9bAx1JRmX0w

Mobirise

La tierra sin mal

Por Graciela Muñoz

“Buscando al Comandante Andresito” habla de nuestra historia, es un documental dirigido por Camilo Gómez Montero e interpretado por Víctor Heredia y se propone contarnos lo que deberían contarnos en la escuela y han cojoneado. Porque ningún espíritu corajudo se mantiene rato encendido cuando se encuentra solitario, y sabernos varios, muchos, cientos, miles, nos hace sentir fuertes y no nos apagamos más. Entonces cuanto menos se sepa de ellos, más agua para el molino del poder hegemónico (el término deriva del griego que significa “conducir”, “ser guía”, “ser jefe”).
En el proceso independista hubo un revolucionario con todas las palabras, y de los que querían ir a lo profundo y revertir el avasallamiento sobre los oprimidos: José Gervasio Artigas quien fue el primer gran caudillo del Río de la Plata. Fue el gestor de la Liga de los Pueblos Libres, y defensor de la libertad y los derechos de la tierra para el pueblo.
Andrés Guacurari, El comandante Andresito, indígena Mbya Guaraní nació a orillas del río Uruguay. Se unió al ejército federal liderado por Artigas que lo acogió como hijo y hasta le dio su apellido. Esto le permitió, a pesar de su origen guaraní, llegar a ser oficial del ejército. “Para la historia oficial, fue un bandolero, general improvisado de un ejército harapiento, profanador de costumbres, apellidos y abolengos, usurpador de la tierra, vengador de tus abuelos. Para nosotros, en cambio, tu nombre será siempre, la sagrada rebeldía de una dignidad sin precio, que se aguanta la pobreza, sobrevive al saqueo, hijo fiel de tus mayores, peleando por tus derechos”, (Mario Boffil, “Andresito”; https://www.youtube.com/watch?v=s939sB_MW14).
En la mitología guaraní los dioses crean una tierra sin mal, en la que no había enfermedades ni faltaba alimento, pero sobrevino un diluvio causado por los dioses en castigo por un incesto. Luego la creación de la segunda tierra imperfecta, la que poblaran los sobrevivientes y en la que hay enfermedad, dolores y sufrimientos. Los hombres que habitan esta tierra buscarán siempre volver a la primera.
Y de la mano de esto: “Patria Sin Mal” es un Movimiento Social-Comunitario que está integrado por compañeros provenientes de distintas provincias, extracciones políticas nacionales, tradiciones y de Comunidades Originarias con quienes trabajan desde un nuevo paradigma, de la forma de hacer y construir política, basado en la tradición de los pueblos originarios en especial desde la cosmovisión Guaranitica de Tierra Sin Mal. Levantando la bandera federal y de la primera independencia declarada por la Liga de los Pueblos Libres conducidos por Jose Gervacio Artigas y el Comandante montonero Guarani Andresito, hecho historico ocultado y silenciado por la Oligarquía Cultural.

Ficha Técnica:
Título: “Buscando al Comandante Andresito”
Año: 2012
Director:
Camilo Gómez Montero
Intérpretes: Víctor Heredia
Duración: 47 minutos (mediometraje)
Género: Documental
País: Argentina 

Mobirise

La utilidad humana

Por Graciela Muñoz

Los principios y los finales tienen sus reglas, han de ser buenos o malos, abiertos o con moño, pero la finitud de los relatos cinematográficos son lo más esperado, en ellos se depositan ansias o frustraciones pero por sobre todas las cosas la posibilidad de hallar la respuesta a: ¿qué es lo esencial en la vida? O similares a: ¿si estamos yendo por la senda correcta? O, aunque sea, cerca.
El argumento de “Inseparables”, la peli que aquí nos convoca, podría reducirse a: “un señor adinerado, aburrido por su vida conminada a una silla de ruedas, encuentra, en un joven enérgico y arrollador, la dosis de pasión que le estaba faltando.” Y si se agrega el dato de que es una remake de un film francés, la combinación resultante puede ser un bodrio avasallante y avasallador.
Pero ¡oh sorpresa! No es que se niegue la agudeza filosófica, psicológica ni la capacidad para montar policiales negros del cine francés, pero cuando se trata de poner delirio, entusiasmo o frenesí, el cine argentino con su temperamento montado sobre capas de ascendencia de lo más latino que pudo llegar de Europa, apasiona al menos pintado.
Por momentos molesta un poco la adulación del tipo: “Por eso tenes plata, porque sos inteligente.” Como si la acumulación no significara su contracara de quitarle a otro lo que le corresponde. Abstracción mediante, se puede uno sumergir en el folklore de desear que a ambos personajes, los cuales nos han cautivado, les vaya de lo mejor.
Si pesar en la balanza de la retórica la fidelidad a lo ya hecho por un lado y por el otro la creatividad a rienda suelta, da como resultado la rigidez que logra incomodar actuaciones y diálogos forzados a encajar. La industria debería cuestionarse ciertas restricciones impuestas por cánones y derechos, que lo único que logran es truncar potencialidades echadas a perder.
Por lo demás y lo de menos, cine argentino, que nunca viene mal.

Ficha Técnica:
Título: Inseparables
Director: Marcos Carnevale
Guión: Marcos Carnevale sobre el guión original de la película Intouchables, de Olivier Nakache & Eric Toledano
Año: 2016
Director: Marcos Carnevale
Intérpretes: Rodrigo De la Serna, Oscar Martínez, Carla Petersen, Alejandre Fletchner
Duración: 107 minutos
Género: Thriller / Robos y atracos
País: Estados Unidos 

Cuando el show es la vida misma

Por Graciela Muñoz

Un restaurante muy particular, “El Cenáculo” creado para dar cena a un invitado o a un grupo de comensales por vez, una única mesa. Con planificación anticipada de la cita y del menú. En el corazón de una Catedral Gótica, Vitraux, magestuosidad, pianos que tocan Chopin, jazz entre otras músicas, canciones en francés que dan espectáculos musicales montados en un pequeño escenario para pocos espectadores y exquisiteces, exóticos platos y comida de autor investidos por refinadas bebidas fermentadas.
Todo preparado para quienes estén dispuestos a pagar en moneda, o, los costos de enfrentarse a los fantasmas que espectran la vida cotidiana, pero que se aparecen en recónditos lugares. “El Cenáculo” crea sus propios tiempos y espacios y allí se dan encuentro los más apasionados arrebatos, sinceramientos y deseos.
Un hermano prestidigita los encuentros, su sobrino los cuece con el más selecto arte culinario y la hermana es la espectadora privilegiada. Toda una excentricidad para quién pueda darse el lujo.
Gustoso y apetecible film, que con tan solo entregarnos a la luna rodando por Callao, sueño soñado tantas veces, el de esta imagen, perfora la sensibilidad poética y romántica que todos atesoramos. Cabe entonces dejarnos impregnar por la creación de una ambientación, de delicadas tomas, hasta podemos llegar a sentir los aromas, o el agua cayendo sobre nosotros mismos. El director nos concede en pequeñas dosis y mixturizados colages reminiscencias de grandes cineastas. La música otra delicia más.

FICHA TÉCNICA:
Título: El espejo de los otros
Dirección: Marcos Carnevale
Guión: Marcos Carnevale
País: Argentina
Categoría: Comedia
Duración: 119 minutos
Año: 2015
Actores: Norma Aleandro/Graciela Borges/Leticia Brédice/Alfredo Casero/Pepe Cibrián/Mauricio Dayub/Julieta Díaz/Luis Machín/Oscar Martínez/Ana María Picchio/Favio Posca/Carola Reyna/Marilina Ross/María Socas/Gipsy Bonafina/Ana Fontán/Javier de Nevares

Vivir la muerte

Por Graciela Muñoz

Reencontrarse con un amigo puede tener todos los tonos del agridulce placer-dolor, cuando el motivo es despedirse para siempre. Y eso solo ocurre cuando la inevitabilidad de la muerte se anuncia en consultorios y salta de los informes hacia los oídos angustiados de pacientes y allegados. Avisados todos, se arremolinan abrazos y contenciones, y solo resta acompañarse en todos los sentidos y con todos los sentidos.
Julián y Tomás se reencuentran en un Madrid frío para compartir escasos 4 días en los que la intensidad aplicará plumero a los rincones más escondidos de cuerpos y almas. La mayor parte del tiempo lo que sobran son palabras, pero la tibieza de los sentimientos, otras veces inexpresados, abre portales que realmente reconfortan. Y aunque en la cotidianidad pueda haber diferencias o disentimientos, todo adquiere otra dimensión cuando la urgencia del adiós impostergable arremete contra lo obvio y lo desarma en la ridiculez del: “y ahora qué importa”.
Lo que sigue es una sucesión de despedidas y aprontes, acomodar para la muerte, la trivialidad del “para cuando no esté”, como si ese modus operandi prestidigitado por nuestros últimos momentos de existencia nos asegurasen la trascendencia. Esa que nos mantiene vivos más allá de ya no estarlo. Y Julián se aferra a ella en su preocupación constante y hasta obsesiva, que tiene como único objetivo resolver dónde pasará sus días, cuando él ya no esté, Truman, su perro.
Convivir con lo trágico ineludible obliga a la estoicidad de no demostrar el compungimiento, aguantar cada lágrima. Pero dejar de tener palpable a un ser querido nos confronta no solo con una pérdida, sino además, con la cruel evidencia de nuestra propia finitud. Y la pena nos llena de espejos, en los que nos miramos unos a otros, pero ya no observamos la estética de los exteriores, nos encontramos esencia frente a esencia ¡tantas cosas retoman su banalidad!
Truman es el último film protagonizado por Ricardo Darín, en la que lo acompañó “Troilo” un perro entrenado para trabajar con niños autistas, y que falleció 6 meses después de terminado el rodaje.

FICHA TECNICA
Titulo Original: Truman
Dirección: Cesc Gay
Guión: Tomás Aragay y Cesc Gay
País(es): Argentina, España
Categoría: Drama
Duración: 108 minutos
Año de producción: 2015
Actores: Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi

Simplemente Frida

Por Graciela Muñoz

Frida, un nombre de mujer, pero con el peso de significar todo lo que el universo de ser fémina porta en la existencia de cada cual y condensado en una sola.
Arrebatos de pasión por la vida, con los colores de un México injusto y doliente, pero que no se rinde. Igual que la pintora que no puede parar de expresar dolor. Sumergirse en la observación de sus dibujos es empaparse de sentimientos que quiebran el alma y el cuerpo. La transmisión es directa, los sentidos se ven afectados en una percepción que deja huellas imborrables. Estarse detenida la existencia frente a una de estas realizaciones sea el tiempo que dure esta inmovilidad quedará grabada para siempre como memoria de sufrimiento. Tan vívida es la empatía que habremos volado atravesando duraciones temporales y espaciales.
Pero la recuperación hacia el futuro, hacia el crecimiento, hacia la lucha constante por un mundo mejor nos devuelve, si las teníamos, o nos las contagia, unas terribles ganas de vivir. Pero no en transcurrencia opaca, acomodada, pasatista, sino con toda la fuerza y el afán de brillar, chisporrotear e ir tras lo deseado, lo querido, lo amado. Y dar rondas, a pesar de que el cuerpo no responda, con las emociones de amar la vida por sobre todas las cosas. Y allí está Frida ser en danza continua, contagiando arrojos, haciendo frente a los sinsabores a los que convierte en exquisitos instantes traducidos a colores y formas que nos ha dejado de regalo para todxs, que nos acompañaran de allí en más. Y agradecemos esos empujoncitos que es su ejemplo, ella toda.
Tras el Encuentro Nacional de Mujeres el pasado fin de semana en Mar del Plata, en Frida, un abrazo hacia todas las mujeres.
Ficha técnica
Título: Frida
Dirección: Julie Taymor
País: Canadá, Estados Unidos, México
Año: 2002
Duración: 123 min
Género: Drama, Romance, Biográfico
Intérpretes: Salma Hayek, Mía Maestro, Amelia Zapata, Alejandro Usigli, Diego Luna, Alfred Molina, Lucia Bravo, Valeria Golino, Patricia Reyes Spíndola, Loló Navarro

¿Un amor de película o una película de amor?

Por Graciela Muñoz

El tiempo es hoy, al sentarnos frente a la pantalla reír y conmovernos se disfruta y no es tan frecuente como quisiéramos.
La genealidad es escasa y menos aún entrelazada a la ternura más dulce y humana que el cine pueda recordar. Muchos atributos se le adjudicaron al por siempre vivo y enorme Charles Chaplin, pero el brillo de su mirada no tiene comparación. Podría rebobinar cien veces para volver a ver esa expresión que interroga de costado, con la ingenuidad que solo las buenas intenciones portan, que pide suplicante un auxilio inmediato que no llega y en su defecto lo empuja a hacerse cargo de la Historia y a ocupar un lugar que la interpele.
La dirección y el guión de “El gran dictador” estuvieron en sus manos y en su cabeza. Los planos, la música, las actuaciones, todo es perfecto y está al servicio del relato que tiene la retórica única que puede tejer un fin como el de comunicar futuro esperanzado y liberador. Tarea a cargo de un corazón abierto, que se hace de las herramientas necesarias para agitar los sentimientos y despabilar grilletes.
Chaplin fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades anti estadounidenses.
Discurso de El Gran Dictador (Fragmento)
“El camino de la vida puede ser libre y hermoso, pero lo hemos perdido. La codicia ha envenenado las almas. Ha levantado barreras de odio. Nos ha empujado hacia la miseria y las matanzas. Hemos progresado muy deprisa, pero nos hemos encarcelado nosotros. El maquinismo, que crea abundancia, nos deja en la necesidad. Nuestro conocimiento nos ha hecho cínicos. Nuestra inteligencia, duros y secos. Pensamos demasiado y sentimos muy poco.
Más que máquinas, necesitamos humanidad. Más que inteligencia, tener bondad y dulzura. Sin estas cualidades, la vida será violenta. Se perderá todo. Los aviones y la radio nos hacen sentirnos más cercanos. La verdadera naturaleza de estos inventos exige bondad humana. Exige la hermandad universal que nos una a todos nosotros. Ahora mismo mi voz llega a millones de seres en todo el mundo, a millones de hombres desesperados, mujeres y niños. Víctimas de un sistema que hace torturar a los hombres y encarcelar a gentes inocentes. A los que puedan oírme, les digo: no desesperéis. La desdicha que padecemos no es más que la pasajera codicia y la amargura de hombres que temen seguir el camino del progreso humano. El odio de los hombres pasará. Y caerán los dictadores. Y el poder que le quitaron al pueblo, se le reintegrará al pueblo. Y así, mientras el hombre exista, la libertad no perecerá”.
Charles Chaplin
Ficha técnica
Título: El gran dictador
Título original:
The Great Dictator
Dirección: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin
Intérpretes: Charles Chaplin, Jack Oakie, Reginald Gardiner, entre otros.
Música: Charles Chaplin, Meredith Willson
País: Estados Unidos
Categoría: Drama, Comedia, Bélico
Duración: 124 minutos
Año de Producción: 1940

Infinitas preguntas, ninguna respuesta

Por Graciela Muñoz

Una música de ópera abraza un paisaje montañoso mientras parpadea la noche entre las aspas de un molino, los títulos con una tipografía extraña nos ubican en un espectro rusoparlante y una fecha nos lleva atrás en el tiempo, hasta 1957. Cuando titula: “Don Quijote” nos avisa que nos contará un relato, el más publicado y traducido de la historia que en tono burlesco se rió, ya en 1605, de la estirpe caballerezca.
Levanta el alba en la primera toma en un pueblito de la campiña española mientras la sorpresa del “¡Otra vez está leyendo!”, en un claro ruso en boca de un actor, nos traslada a una dimensión única, toda la idiosincrasia española atravesada en el centro de su corazón, cual daga, por la vastedad del ser ruso. Y denuncia, con toda la ironía que pueden contener las palabras, la peligrosidad que portan las ideas en los libros.
Hasta nuestro tan querido Dostoievski ha considerado al Quijote como el mejor y más grande libro jamás escrito, y la obligatoriedad de su estudio en los colegios lo han convertido en símbolo de la lucha por la libertad y la igualdad contra los poderosos.
Don Quijote y Sancho Panza recorrerán los campos de Castilla (ambientados por un escultor español exiliado en la Unión Soviética luego de la guerra civil española), entretanto llevan como bandera inquebrantable la justicia, el bien hacia la humanidad, el amor hacia el otro, el cuestionamiento a la propiedad privada y la inconmesurable cualidad de ser ellos mismos, aunque deban sufrir y resistir la sanción social, que cae pesada y rotunda sobre cualquiera que quiera salirse de la senda.
Esta adaptación cinematográfica realizada por el director Grigori Kozintsev, discípulo de Einsestein, es considerada unánimemente la mejor respecto de la novela de Cervantes.
El resto es abstraerse y sumergirse en las sensaciones que nos regala la peli y quedarnos en interesantes reflexiones al concluir la proyección.
Ficha Técnica:
Título: Don Quijote, Don Kikhot (Original)
Año: 1957
Director: Grigori Kozintsev
Duración: 111 minutos
Classificación
Género:
Comédia Dramática
País: Rusia

La gravitación de la incompatibilidad

Por Graciela Muñoz

Desde el momento en que existe el amor, ha de existir, indefectible y dolorosamente el desamor. Como caras de una misma realidad, inapelable, injusta y contradictoria (como el capitalista que colabora con el comunista, en nombre de la libertad).

Libertad congelada en sures que amontonan montañas de nieve, pero que, de todas las formas que puede, busca ser auténtica y esquivar ataduras, y a sus contrarias: la esclavitud y la dependencia.
Con notas musicales (de Fede, gran pianista), palabras versadas comprendidas en poemas con propias alas y autodeterminación, en medio de estéticas que transmiten sensaciones intimistas y sentimientos encerrados entre pasiones que delatan adoración por la vida, por la humanidad, por lo justo, por lo primordial y en buena hora. Neruda, no es solo el seudónimo de Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto, es una crónica de opuestos, de los que desde el primer momento optamos por uno, claramente y a sabiendas.
En el film se catapulta la historia a momentos actuales en los que suceden hechos que se han repetido en nuestras historias oprimidas por manos, cerebros y armas de los poderes añejos y gemelos de la cronología misma. Y como si nada hubiese pasado bajo el puente, ni por los cielos, ni las arrugas pudieran contarlo, el mismísimo travesti de ayer, hoy y siempre mira a los ojos al detective, personaje secundario (“El te escribió a ti escuchando cosas que nunca vas a lograr entender, despreciando las ideas y las palabras, a cien metros de la vida, impotente y frágil”) que la retórica de la vida no dejará desplazarse jamás al centro de la escena y le vomita su declaración trasnochada: “De repente él me dijo una poesía tan linda, larga - me puso la mano, aquí, en la rodilla – recuerdo - él estaba como calentito - y me lo dijo acá, despacito - de artista a artista, de hombre a hombre, de respeto humano - Pero eso vos, perro culeao, no lo vas a entender nunca.”

Ficha técnica:
Titulo Original: Neruda
Dirección: Pablo Larraín
Guión: Guillermo Calderón
Música: Federico Jusid (Hijo de Juan José Jusid)
Países: Chile, Francia, España, Argentina
Categoría: Cine biográfico
Duración: 107 minutos
Año: 2016
Protagonistas: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán

Mobirise

Refugiarse del amor en el amor

Por Graciela Muñoz

La pregunta que me hacía todo el tiempo mientras avanzaba la historia de la película era: “¿Cómo quedamos después de las cosas que nos pasan?” E indefectiblemente todas las respuestas incluían palabras como: marcas, huellas, vestigios, rastros, resabios. Y como todos pasamos por unas u otras vivencias, es dichoso sentirnos como productos del “Kintsugi” que es el arte japonés de arreglar fracturas de la cerámica con barniz de resina espolvoreado o mezclado con polvo de oro, platino o plata. Incluido en una filosofía que esboza que las roturas y reparaciones forman parte de la historia de un objeto y deben mostrarse en lugar de ocultarse, incorporarse y además hacerlo para embellecer, poniendo de manifiesto su transformación e historia.
“Refugiado” cuenta cómo nosotros, los adultos, vemos lo que le ocurre a un niño, que vivencia la separación repentina y forzada de sus padres. Y allí comienzan a conjugarse mil y una variables. Tal vez el punto de vista de la cámara, para que esa mirada se acerque más a la del protagonista, Mati, tendría que bajarse al metro veinte, aunque quizá tampoco alcance. Pero el director elige seguir con los planos habituales. En muchos momentos la atención y el drama queda alrededor de la madre, entonces se mezclan los puntos de vista y nos alejamos del espacio íntimo de Mati.
A pesar de haber sido niños, ya no lo somos y si nos preguntan: “¿Cómo se siente un niño?” También nos equivocaríamos porque nadie siente igual a otro.
Creo que el director debería haberse sumergido de lleno en este tipo de sentir que es el que tiene Mati. Y desde ese profundo conocimiento de sus deseos, tristezas, anhelos, brocas, contarnos qué le pasa. Para ello faltó construir un poco más su mundo.
En partes, vimos el pequeño universo infantil, pero no el particular de Mati, que quedó algo anecdótico y no pudo ahondar en los matices y sus características únicas.
La historia está correcta, emociona y plantea la problemática. Pero podría ser mucho más profunda y humana si conociéramos más a estos dos seres que nos cuentan su tránsito por una experiencia dolorosísima. Como lo es, tener que alejarse de un ser querido, tan querido que el daño que puede producir es directamente proporcional a su amor.
Ficha técnica
Título: Refugiado
Dirección: Diego Lermam
Guión: Diego Lerman, María Meira
País: Argentina
Año: 2014
Duración: 95 min
Género: Drama social
Intérpretes: Julieta Díaz, Sebastián Molinaro, Marta Lubos, Silvia Baylé, Sofía Palomino, Sandra Villani, Paula Ituriza, Carlos Weber

Mobirise

¿Será amor?

Por Graciela Muñoz

Con los vestigios de un estilo musical nacido a finales del siglo XIX en las comunidades negras de Estados Unidos de Norte América llega “La la Land” a colocar su granito de arena en el entramado de la red de significados en la que nacemos, crecemos y morimos. El recurso del Jazz es una delicia en esta combinación que ensambla diversas cuestiones para armar una obra de acabado casi perfecto. La música y la danza en sus cuotas puntuales y en el lugar perfecto de la trama dramática añaden la sutileza ideal para la transmisión de sentimientos y el deleite estético.
La peli arranca con un impacto de positividad, en el que nos interpela, a la vez que apela, a nuestra manera de encarar las vivencias cotidianas y en ese mismo momento nos disponemos a rever nuestra capacidad de ser felices como así también echamos a rodar nuestra máquina interna productora de sueños.
De allí en más nuestra curiosidad nos mantendrá en vilo para poder conocer el desenlace de la historia, pero no con la simple trascendencia del ocio expectante, sino con una incesante constatación de lo que ocurre en la pantalla con nuestra propia biografía. Mientras de forma inocente nos predisponemos a la proyección de un film, éste, ingeniosamente, nos convoca a cuestionar y cuestionarnos. Así, casi como en una improvisación jazzística.
La invitación está planteada: seguimos de esta manera, como estamos, como somos, como nos dijeron que debíamos ser y hacer… Entera e hipocritamente autoconvencidos de que es nuestro deseo más íntimo y genuino. O nos hacemos, nos reinventamos. ¿Es de esta manera que queremos amar, vivir, compartir, sentir, transmitir? Vivimos en una cultura manipuladora y manipulada, entonces: ¿la aceptamos? Porque la resistencia a ese orden obligado se paga cara, se han encargado de hacérnoslo saber. Pero que más terriblemente costoso y desgraciado que una existencia vivida de costado, tocada de oído.
Creer en “La la land” es creer que las cosas son completamente imposibles que pasen, en lugar de comprender cómo realmente son. En síntesis, es más fácil pensar que algo es imposible, que analizar cómo es en realidad, cuestionarlo, refutarlo y hacerlo posible. Con todo, desde el amor hasta preparar una sopa. Y por estos días de fechas como: “el día de los enamorados”, he escuchado en medios de comunicación, excusas, del tipo: “que cualquier fecha que se nos invita a festejar es bienvenida”, pero adoptando ésta permitimos una penetración cultural que no se limita simplemente a un día de flores y chocolate. Si no que nos impone una forma de relaciones amorosas adornadas con consumismos, con los que se tapan falencias, desamores, destratos, etcéteras, en lugar de poner empeño en relacionarnos desde nuestras propias esencias, de ser a ser, en una trascendencia que imprima de valor el compartir bienestar sincero, felicidad sobria y austera pero auténtica, sin fantochadas.

Ficha Técnica:
Director y guionista: Damien Chazelle
Intérpretes: Ryan Gosling, Emma Stone
Duración: 128 minutos
Género: Romance musical, comedia dramática
País: Estados Unidos

Rebeldía que transforma

Por Graciela Muñoz

Primer virtud del director de “El estudiante”, Santiago Mitre: en 6 planos ya nos introdujo en la historia de la que va la peli; cuestión que para muchos toma unos 20 minutos. Primero: primerísimo primer plano de la oreja y perfil de Roque, el protagonista, en un ómnibus de noche. Segundo: nuca de Roque, mientras sale caminando por los pasillos de la terminal de Retiro, con los auriculares puestos y un bolso al hombro, también de noche. Tercero: Plano general de Roque que llega a una parada de colectivo en las afueras de Retiro. Cuarto: Roque que camina, recién llegado, por los pasillos de una pensión. Quinto: Primer plano de Roque mirando los “famosos” listados de la UBA que informan la adjudicación de materias. Sexto: Roque en los pasillos de la facultad de Ciencias Sociales (otrora tan recorridos por mi), repletos de carteles de organizaciones políticas y de estudiantes que van y vienen. Agreguemos tres más: entra y se sienta en un aula, y el tercero sentado en una mesa de un café de la facultad, en la que se habla de política.
Ya está, puede empezar el drama, la peli está planteada. A los nueve el relato puede ir para cualquier lugar. Sutilezas de lo pregnante (cualidad que poseen las figuras que pueden captarse por el sentido de la vista) y admirable del cine nos envolverán magnética-mente.
Entre los 12 y los 20 minutos sucesos escalo-nados muestran que efectivamente le ha cambiado la vida al protagonista y de allí hasta el final querremos saber cómo termina.
Y al fin tal vez se puedan hacer muchos reduccio-nismos y encontrar respuestas cómodas que tranquilicen nuestras ansias de cambio en general. Pero lejos de apaciguar las pasiones recomendaría empezar por intentar cuestionar las cosas dadas, como si a algo que por el simple hecho de haber sido siempre así se le pueda otorgar una validez eterna.
Y la peli lo plantea: ¿Qué se puede cambiar, los programas, los catedrá-ticos, las maneras de hacer política? ¿Para qué prepara la Universidad y qué orden de poderes reproduce?
Para todo el relato busca contar desde la intimidad de los sentimientos y sensaciones del prota-gonista.
Y con él trataremos de encontrar el camino que nos deje convencidos de que la sinceridad con nosotros mismos es la mayor virtud. Y que para seguir por esa senda ninguna mejor compañía que la rebeldía.

Ficha técnica:
Título: El Estudiante
Guión y Dirección: Santiago Mitre
Intérpretes: Esteban Lamothe, Romina Paula, Valeria Correa,
Ricardo Félix
País: Argentina
Categoría: Drama
Duración: 110 minutos
Año de Producción: 2011

Obedecer a la vocación se paga con melancolía.

Por Graciela Muñoz

No hacen falta más explicaciones, con solo pronunciar su nombre, al decir “Gilda”, cada quien sabe de qué estamos hablando. Y parece que para la dirección y para las demás funciones que dieron origen al film, era más que suficiente mostrar a un exacto doble cantando sus canciones, con vos parecida, movimientos similares al bailar y un fisic du rol aplastante. Pero si se me permite, no me fue suficiente. La idea completa de la peli es mostrar a Gilda la mujer, su cotidianidad antes de entregarse a su postergada vocación y luego sus avatares dentro de ese mundo totalmente ajeno, el de la movida tropical.
Me disgusta contar las películas, por lo que intento dar una especie de mirada sobre los puntos más sobresalientes o relevantes. Trato de resaltar lo bueno y dar una crítica negativa de aquello con lo que podría discernir. Entonces, en el intento de mantenerme fiel a mis propósitos, voy a dar mi punto de vista. He trabajado en cine y conozco en mi piel y en mis insomnios laboriosos lo complicado y complejo de realizar una película. Pero también le exijo que mantenga una coherencia en relación a su mirada filosófica, puede tener problemas técnicos, estéticos, actorales, pero no me es posible disculpar una ideología favorable a los poderosos o a un status quo que es injusto hacia las mayorías oprimidas tal y como está planteado nuestro mundo de hoy.
Y tengo la convicción que el ser indiferente a las injusticias es ponerse del lado del poderoso. Y siento que Gilda, la película, es indiferente. Teniendo tan cercano al oprimido, ese espectador, fanático de su música y de sus encantos, estoy convencida que allí podría contarse una ficción grandísima, generosísima con nuestros postergados, nuestros oprimidos, nuestros desempleados, nuestros pobres materialmente hablando. Porque son de todos, todos somos responsables de que existan o existamos. Porque al fin y al cabo todos lo único y similar que tenemos para vender en el mercado es: nuestra fuerza de trabajo.
Y allí ésta historia de Gilda plantea un recorrido melancólico, superficial, totalmente olvidable en lugar de ahondar en esos recovecos de las almas, que nos sacuden y nos dejan meditando por días y hasta replanteándonos nuestras propias opiniones o puntos de vista. Al contrario deja al personaje, tan impoluto, tan de ese blanco que, de a momentos se entiende la obliga el crucifijo que cuelga de su cuello, otras el recuerdo en vida de sus hijos y por último la mafia, que pos mortum, parece que aún: “de eso no se habla”.
Ficha Técnica:
Título: Gilda no me arrepiento de este amor
Año: 2016
Director: Lorena Muñoz / Guión: Lorena Muñoz y Tamara Viñes
Intérpretes: Natalia Oreiro (Gilda adulta), Ángela Torres (Gilda adolescente), Javier Drolas, Lautaro Delgado, Susana Pampín, Roly Serrano
Duración: 108 minutos / Género: Drama musical / País: Argentina

El gran amor por la humanidad

Por Graciela Muñoz

El tiempo es hoy, al sentarnos frente a la pantalla reír y conmo-vernos se disfruta y no es tan frecuente como quisiéramos.
La genealidad es escasa y menos aún entrelazada a la ternura más dulce y humana que el cine pueda recordar. Muchos atributos se le adjudicaron al por siempre vivo y enorme Charles Chaplin, pero el brillo de su mirada no tiene comparación. Podría rebobinar cien veces para volver a ver esa expresión que interroga de costado, con la ingenuidad que solo las buenas intenciones portan, que pide suplicante un auxilio inmediato que no llega y en su defecto lo empuja a hacerse cargo de la Historia y a ocupar un lugar que la interpele.
La dirección y el guión de “El gran dictador” estuvieron en sus manos y en su cabeza. Los planos, la música, las actuaciones, todo es perfecto y está al servicio del relato que tiene la retórica única que puede tejer un fin como el de comunicar futuro esperanzado y liberador. Tarea a cargo de un corazón abierto, que se hace de las herramientas necesarias para agitar los sentimientos y despabilar grilletes.
Chaplin fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades anti estadounidenses.
Discurso de El Gran Dictador (Fragmento)
“El camino de la vida puede ser libre y hermoso, pero lo hemos perdido. La codicia ha envenenado las almas. Ha levantado barreras de odio. Nos ha empujado hacia la miseria y las matanzas. Hemos progresado muy deprisa, pero nos hemos encarcelado nosotros. El maquinismo, que crea abundancia, nos deja en la necesidad. Nuestro conocimiento nos ha hecho cínicos. Nuestra inteligencia, duros y secos. Pensamos demasiado y sentimos muy poco.
Más que máquinas, necesitamos humanidad. Más que inteligencia, tener bondad y dulzura. Sin estas cualidades, la vida será violenta. Se perderá todo. Los aviones y la radio nos hacen sentirnos más cercanos. La verdadera naturaleza de estos inventos exige bondad humana. Exige la hermandad universal que nos una a todos nosotros. Ahora mismo mi voz llega a millones de seres en todo el mundo, a millones de hombres desesperados, mujeres y niños. Víctimas de un sistema que hace torturar a los hombres y encarcelar a gentes inocentes. A los que puedan oírme, les digo: no desesperéis. La desdicha que padecemos no es más que la pasajera codicia y la amargura de hombres que temen seguir el camino del progreso humano. El odio de los hombres pasará. Y caerán los dictadores. Y el poder que le quitaron al pueblo, se le reintegrará al pueblo. Y así, mientras el hombre exista, la libertad no perecerá”.
Charles Chaplin
Ficha técnica
Título: El gran dictador
Título original:
The Great Dictator
Dirección: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin
Intérpretes: Charles Chaplin, Jack Oakie, Reginald Gardiner, entre otros.
Música: Charles Chaplin, Meredith Willson
País: Estados Unidos
Categoría: Drama, Comedia, Bélico
Duración: 124 minutos
Año de Producción: 1940

Saber donde aprietan

Por Graciela Muñoz

Nunca estaremos a la altura de las pasiones femeninas almodovarianas, no si nos guardamos en la superficie de las formas. Las actitudes correctas nos protegen y nos mantienen a salvo de la ebullición de los sentimientos y pensamientos.
¿Cuánto puede pasar para decretarnos en crisis? ¿Cuánto se puede aguantar y esconder un dolor? ¿Qué tipo de vida podemos llevar con el alma en pena? ¿Cuánto llanto nos puede provocar una pregunta a la adulta presente sobre la imagen de su rostro dormido de niña de 2 años?
El inmenso director nos coloca de frente con las circunstancias de la vida pero las re-pinta en traslusencias infaliblemente mujeriles. Cada detalle estrella delicadezas provenientes de las hormonas femeninas contra la cámara. Que bien guarda para más tarde devolvérnoslas, casi tirándonoslas por la cabeza desde la gigante, hipnotizante pantalla de la sala cinematográfica. En primera instancia apela a tres de nuestros sentidos con el sonido de un piano y los tenues movimientos de una seda roja que ocupa toda la pantalla; y al comenzar la acción descubrimos, se trataba de la respiración de la protagonista bajo su bata.
A quien no le basta conocer al dedillo ese universo sino que a ello le suma la utilización de metáforas capaces de cristalizar tantísimo, como sintetizar en una sola toma toda la película. “Julieta” el film entero, queda plasmado con la genialidad de hacer aparecer por una puerta, avanzando, a tres mujeres. Que tomadas del brazo de la de al lado, las tres con zapatos rojos, caminan a paso lento pero seguro saliendo de la casa. Las tres generaciones, las tres historias en una. La esencia de la peli: contarnos la vida de ellas, de las tres y de todas las mujeres a la vez.
Nuestro ya nombrado, Pedro Almodóvar guiona “Julieta” basándose en los relatos de Alice Munro: “Destino”, “Pronto” y “Silencio”. ¿Y que podría haber elegido mejor como para dimensionar la existencia y los deambulares prevalentes en las mujeres, que “el amor” y “la culpa”? Luego la discusión, la meditación y las evaluaciones serán nuestras. Si estos sentimientos son naturales o impuestos culturalmente, si el amor maternal es un disfraz para obligar a las mujeres a cuidar a la cría, a entregar la prole al sistema, sin condicionamientos, y totalmente gratis. Tan solo porque el mandato social así lo dictamina ¡Y la culpa, la culpa que entierra montañas y nos ata, enredándonos a los pasados cortando las alas de la más pintada!

Chavela Vargas, “Si no te vas”:
https://pelisgo.tv/ver/234-julieta.html

FICHA TECNICA
Titulo Original: Julieta
Dirección y guión: Pedro Almodóvar
País(es): España
Categoría: Drama
Duración: 96 minutos
Año: 2016
Actores: Emma Suárez, Adriana Ugarte, Rossy de Palma

Llueven y duelen las ausencias.

Por Graciela Muñoz

“Verdades verdaderas, la vida de Estela” es una película argentina que cuenta la historia de la desaparición de Laura, hija de Estela de Carlotto (Abuela de Plaza de Mayo), que al momento de desaparecer (última dictadura argentina) estaba embarazada. Su hijo nació en cautiverio y la familia perdió todo rastro suyo. Lo que sigue es la búsqueda constante y sin tregua de éste y del resto de los aproximadamente 500 nietos secuestrados por las Fuerzas Armadas Argentinas durante el proceso.
Esta historia podría contarse de mil maneras, pero la que eligieron el director y los guionistas disemina vida, amor, pasión y convicciones. Es imposible que no ruede una, dos, mil lágrimas en lo que dura la peli; todos los momentos alegres o tristes emocionan. Todo es armónico y transcurre como lo hace la vida misma. Constantemente traza paralelas con la infancia, lo que hace que la trama mantenga siempre una ternura particular. Y Estela siempre buscando a Laura, desde pequeña la llama: “Laura, Laura, Laura”, en varios momentos, y en los que no escuchamos la voz, sigue dentro nuestro el eco repitiendo ese nombre.
Tampoco el argumento cae en el error de particularizar los hechos, y esto lo explicita en el texto de la lápida de Laura: “No me pregunten quien soy, ni si me habían conocido, los sueños que había querido crecerán, aunque no estoy, ya no vivo, pero voy en lo que andaba soñando; y otros que siguen peleando harán nacer otras cosas, todos me estarán nombrando.”.
En este momento particular, en el que hace unos días ya que Estela se ha reencontrado con su nieto Guido, las palabras que le dedica la hermana de Laura, cobran una especial dimensión: “Se aferró a vos, aguantaron juntos. Podían robar los cuerpos, romperlos, tirarlos al río, pero hubo cosas con las que no pudieron, sueños con los que no pudieron, el sueño de tu mamá eras vos.”.
En los primeros días de búsqueda de los papás de Laura, llueve, llueve en la pantalla y en esas almas, llueve en nuestras caras de espectadores, como si el agua quisiera ayudar a lavar el dolor. Y luego esa pena, no se borra, pero muta, cambia, se potencia, por lo que quedó; por todo lo vivo que dejaron los que ya no están: en esos bebés, hombres y mujeres hoy.
Título: Verdades verdaderas, la vida de Estela
Dirección: Nicolas Gil Lavedra
Guión: María Laura Gargarella y Jorge Maestro
Reparto: Susú Pecoraro, Alejandro Awada, Rita Cortese, Laura Novoa, Inés Efron y Fernán Miras
Género: Comedia Dramática
Duración: 1 hora 33 minutos
País: Argentina
Año: 2011

Del sótano al cielo

Por Graciela Muñoz

“Tute Cabrero” es la ópera prima de Juan José Jusid (prolífico director argentino), a su debut se agregan los de Pepe Soriano, Juan Carlos Gené y Luis Brandoni; la misma suerte corrieron todos los que estaban detrás de cámara (venían del cine publicitario). Su estreno ocurrió en el año 1968, ya casi no se filmaba en blanco y negro, pero lo eligieron porque aportaba al dramatismo de la trama.
El argumento está basado en una obra de teatro: “La isla desierta” de Roberto Arlt* y fue co-guionado con Roberto “Tito” Cossa, indiscutidamente, uno de los dramaturgos contem-poráneos de la Argentina más importantes.
Lo trascendental del film es su actualidad, a 48 años, salvo por puestas, movimientos de cámara y ciertas tomas que denotan una retórica pasada de moda, todos los elementos de la historia podrían ser traspolados a la actualidad.
Entonces nos centramos en las relaciones humanas que se tejen en una oficina, cualquiera sea, una oficina de producción capitalista, en la que la racionalidad de la ganancia pone la voz de mando. Y en ese entorno, como si de quitar el alma al cuerpo se tratase, se destruyen los lazos de solidaridad, humanidad, fraternidad, en pos del “sálvese quien pueda” o de la “supervivencia darwinista del más fuerte”. Y en un ámbito que niega los cielos de éste mundo y nos sumerge en los sótanos de la producción a gran escala, cómo teatraliza sobre el papel nuestro viejo y querido Arlt.
Así como 48 años no son nada, tampoco lo son los aproximados 227 años de capitalismo que la historia se encarga muy bien de revelar cómo “la evolución”. Y así en tanto, la humanidad toda, adormilada, siguiendo patrones de comportamiento, de vida, de infelicidad, reproduciendo lo artificial como si fuese lo natural y sin cuestionar. Y al seguir el camino mandado, por conocido, no nos atrevemos a otros y menos aún a darles esa libertad a nuestros hijos. Resultado: más dolor, angustia, infelicidad, enfermedad, desamor, aislamiento y ni hablar de las consecuencias ambientales.
Comencemos por preguntarnos cómo queremos vivir y construyamos en ese sentido, y alentemos el buen vivir, que lejos está de los consumos variopintos que nos muestran como única alternativa, y las variantes son tantas como subjetividades. Y dejemos los sótanos para vivir, por fin, cabeza en alto, disfrutando los cielos a cada hora y en cada comarca.

Link de la peli: https://www.youtube.com/watch?v=EqkKPW9PgF0

Ficha Técnica:Título: Don Quijote, Don Kikhot (Original) Año: 1968 / Dirección: Juan José Jusid
Guión: Juan José Jusid y Roberto Cossa, sobre un argumento original de Roberto Cossa /
Director: Juan José Jusid
Intérpretes: Pepe Soriano, Juan Carlos Gené, Luis Brandonim, Flora Steimberg, Hugo Midón / Duración: 65 minutos / Género: Drama / País: Argentina 

Uso mis manos, uso mis ideas

Por Graciela Muñoz

¿Para qué aprender a leer y a escribir?
“Uso mis manos, uso mis ideas” es un documental del grupo Mascaró, Cine Americano, cuyo núcleo central está formado por egresados de la Universidad Popular Madres de Plaza de Mayo, que fue premiado en varios festivales nacionales e internacionales.
La peli cuenta cómo un grupo de alfabetizadores; avalados y fomentados por el Estado Nacional en momentos de la presidencia de Cámpora, mediante el Ministerio de Educación en un proyecto llamado “Crear”, Campaña de reactivación educativa para el adulto para la reconstrucción; en el año 1973 llegó a un pueblito cercano a Neuquén Capital.
A partir de allí un mundo se abrió para todos.
Lo primero que se exigió fue un asesoramiento de Paulo Freire (Pedagogo de los oprimidos y transmisor de la pedagogía de la esperanza), y lo consiguieron. Una cámara prestada registró momentos de la comunidad que hoy dan testimonio de la magnitud del cambio que generó comenzar a pensar y actuar en colectivo a raíz de juntarse y organizarse, porque para Freire: el conocimiento no se transmite, se construye de forma permanente; el acto educativo no consiste en una transmisión de conocimientos, es la satisfacción de la constru-cción de un mundo común.
Todo es emoción y escuchar en voz del mismo Freire: “…la educadora es también una artista, la educadora rehace, redibuja, repinta el mundo, recanta y redanza el mundo.” nos invitan a la pasión de “pintar nuestra propia aldea” y en comunidad terminar con la analfa-betización del pueblo argentino, que de hecho, hay mucha.
Acordando con los dichos de Elsa, una de las protagonistas: “Es una exclusión sitematizada, programada”, comprendemos por qué Freire dice que el proceso de alfabetización tiene todos los ingredientes necesarios para la liberación. Porque solo a través de la palabra pueden liberarse y enfrentar críticamente el proceso dialéctico de su histo-rización, esto es: ser persona en la historia. Entonces se es capaz de escribir la propia vida, consciente de la existencia y de que se es protagonista de la historia. Es una conquista de la palabra, su palabra, una toma de conciencia del derecho de decir. la palabra.
Pero esto no ocurre en solitario, y para dar cuenta de ello la peli cita a Oesterheld: “No existen los héroes individuales, existen los héroes colectivos.”.
https://www.youtube.com/watch?v=R7xcUj9ZNHw
Ficha técnica
Título original: Uso mis manos, uso mis ideas
Dirección colectiva: Mascaró, Cine Americano
País: Argentina
Categoría: Documental
Duración: 55 m.
Año de Producción: 2003“

Al sur del alma.

Por Graciela Muñoz

Wakolda es una película de Lucía Puenzo, rodada en el año 2013 pero que cuenta sucesos de los años 60, sus actores principales Natalia Oreiro y Diego Peretti le ponen el sello de gran obra.
El paisaje que elige la directora es el invernal sur de la Argentina, más exactamente, Bariloche. La vastedad de kilómetros deshabitados es la metáfora perfecta de lo inabarcable e inacible del alma humana. Pero no del lado de la luminosidad, más bien todo lo contrario; la nieve y el viento suman a esa inmensidad la temperatura ideal para helar la sangre de protagonistas y espectadores.
La trama no nos enfrentará a monstruos ni a dragones sino a personas deshumanizadas, capaces de muchas cosas. Y el recurso más eficaz que utiliza es invitarnos a la convivencia entre un ser de estas características con una familia que además de darle hospedaje le entrega lo más valioso, la vida misma.
Sin ceremonia y sin diablo, pero en un pacto que podría pasar perfectamente como satánico, con el afán de la supervivencia y de la perfección, una madre pide todo. Y más aún si la promesa es tan grande y viene de uno de esos profesionales que ha pasado mucho de su tiempo entre libros de medicina, pacientes y hospitales. A quienes la sociedad toda, coloca en pedestales indiscutibles y hace caso omiso a indicaciones y tratamientos.
La analogía hombre-muñecas con corazón mecánico, primero hechas artesanalmente por el protagonista y luego en serie, da permiso a la ciencia para tomarnos como cuerpos suceptibles de ser estudiados e indagados experimentalmente, dentro de un paradigma que nos construye como seres materiales únicamente. En el que se apoya el desarrollo de toda la industria farma-cológica.
Aunque nunca estemos preparados para ciertas cosas, podemos sentarnos en un sillón y pasar el rato frente a esta peli, sin dejar de pensar en lo que no queremos, como humanidad, que vuelva a ocurrirnos.

Título: Wakolds / El médico alemán
Dirección: Lucía Puenzo
Protagonistas: Natalia Oreiro, Diego Peretti, Alex Brendemühl, Elena Roger
País: Argentina, España, Francia, Noruega.
Año: 2013
Género: Drama, Thriller
Duración: 90 minutos

El amor y la furia

Por Graciela Muñoz

Parafraseando a mi propio padre, no sé si el transcurso del tiempo me ha debilitado o las vivencias son más dolorosas, de todas formas se han tornado más insoportables. Esta peli la había visto en momentos de su estreno y la recordaba fuerte, pero hoy, a su término, necesité unas cuántas horas para reponerme y poder compartir con el mundo mi parecer y esta necesidad, que surge desde las entrañas mismas, de pedir, hasta suplicar, una sanación profunda y sincera de la sociedad en la que vivimos.
Con motivo de acompañar desde la expresión artística la convocatoria nacional de “Ni una menos y basta de femicidios” que tuvo lugar el miércoles 3 de junio, recordé la temática de esta obra de arte, que se titula: “El amor y la furia”. La historia comienza con la imagen de un paisaje apacible, que resulta ser un cartel publicitario, se abre el plano y nos encontramos de golpe en un suburbio de Nueva Zelanda. En un primer momento la violencia se instala y hasta nos parece estereotipada, pero al rato se naturaliza y se alterna con la música y el canto, presentes todo el tiempo que dan constante respiro a las almas atormentadas.
La cultura Maori de los protagonistas ahonda y vuelve corporales los sentimientos que se transmiten, cada uno se experimenta como si corriera por las venas mismas. El Haka que es una danza con gritos y golpes rítmicos, expresa, transmite y perfora la epidermis compartiendo sensaciones, aflicciones y angustias. La revalorización de las tradiciones frente al dominio colonial inglés y a la globalización intenta salvar las vidas que se han vuelto infernales de una familia y una sociedad. “Levanten los brazos para alcanzar las tierras ancestrales y oblíguenlas a entrar en sus cuerpos… algunos de ustedes parecen estar cazando mariposas…”. Son las palabras que recibe uno de los hijos en su aprendizaje de la tradición.
La peli pone en jaque el poder patriarcal de las sociedades occidentales, en las que la toma de decisiones está en manos del macho. Al fin y al cabo estamos bajo unas normas de convivencia despóticas en las que no cabe el diálogo, la mujer acata, el hombre decide. Pero esta manera de relacionarnos lo único que hace es dañarnos en nuestro foro más íntimo, a ambos géneros, así quedamos convertidos en encastres que responden al deber ser, y no a nuestros deseos, a nuestras naturalezas, que ya ni sabemos qué tenemos de naturales y qué de cultura impuesta.
“…Si mi espíritu ha sobrevivido contigo durante 18 años, sobrevivirá a cualquier cosa, tal vez eso me lo enseñaste tu.” Creo que es la frase de la película, la que nos salva a todos, la que nos tiende el punto de fuga hacia el cual podemos encontrar una salida de maduración y crecimiento. Si ya de vuelta del sufrimiento, pero reconstruidos y fortalecidos.
Puedes verla en el siguiente link:
https://www.youtube.com/watch?v=qqC-ASto1xw
Ficha técnica
Título original: Once Were Warriors (El amor y la furia)
Dirección: Lee Tamahori
Guión: Riwia Brown, según la novela de Alan Duff.
Intérpretes: Rena Owen (Beth Heke), Temuera Morrison (Jake Heke), Mamaengaroa Kerr-Bell (Grace Heke).
País: Nueva Zelanda
Categoría: Drama
Duración: 99 minutos
Año de Producción: 1994

Relatos Salvajes

Por Graciela Muñoz

Con toda la carga de estar frente a una de las pocas películas argentinas nominadas a los consagrados, y no por ésto refinandos o distinguidos, premios Oscar. Nos acomodamos en la butaca del cine, tras haber intentado conseguir el film episódico, que parecería es el más taquillero de la historia de nuestro cine con más de 2.414.00 espectadores, del director Damián Szifrón, con las actuaciones de Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Darío Grandinetti, Oscar Martínez, Rita Cortese y Érica Rivas entre otros. Después de habernos enterado, que “en lucha contra la piratería”, hubo una perseguida apuesta comercial, que intentó con todas sus fuerzas evitar los duplicados truchos. Cada copia proyectada en salas tiene una marca de agua, invisible a simple vista.
Si nos acercamos a las definiciones de las palabras del título, encontramos que podemos expresarlo como: “Narración breve incontrolable, violenta o fuera de las normas establecidas”. Según el propio director y guionista expresó en el estreno: quiso poner de manifiesto “La distorsión que produce la crispación en los ciudadanos, en los vínculos familiares y en las parejas” así como exponer “un deseo de liberación en relación a las agresiones y a la invación de tu espacio vital, creo que representa el placer de animarse a reaccionar en contra de las injusticias.”, plantéo.
A título personal discentiría con el mentado director en eso de las injusticias que según él plantea la película, ya que me parece que no logra construirlas, sino que lo único que hace es pergeniar un “otro” peligroso, dañino, vil, violento y que provoca agresividad en el entorno social o familiar. No plantea una salida o solución a esta anomia (falta de reglas en el comportamiento en sociedad) social, sino que nos entrega un cóctel explosivo, que nos mantiene alerta las dos horas de proyección, pero que se descascara en girones si intentamos dar una respuesta seria a las fricciones que se dan cuando de relaciones humanas se trata.
Algunas frases de la peli hacen ruido y nos remiten a ciertos discursos que plantean, por ejemplo que la política es un camino inconduscente, cuando los puestos públicos están en manos de alguna
fuerza opositora. Algunas de ellas son: “Miserable servidor de este sistema corrupto”, “Estoy harto de que me roben la plata”, “Encontras una excusa para todo, culpas a la sociedad por todo”, “La sociedad no va a cambiar, vos no vas a cambiar y yo estoy cansada”, “¿La basurita ésta cobra un sueldo que sale de mis impuestos?”. Con el aditamento de la denuncia de episodios tales como que a un extranjero que le robaron la billetera, una protagonista responde: “¡Está tremendo!”.
Título: Relatos Salvajes
Dirección y guión: Damián Szifrón
Protagonistas: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Darío Grandinetti, Oscar Martínez, Rita Cortese y Érica Rivas
País: Argentina, España.
Año: 2014
Género: Comedia, Drama, Suspenso
Duración: 122 minutos

Un pedacito de historia

Por Graciela Muñoz

Mientras buscaba por entre carpetas y archivos de un compu, cierta peli que mi padre me había bajado de algún lugar en el que un solidario amigo la había colgado para que yo la bajase. Sorpresivamente me encontré con otra, largo tiempo la había buscado por internet, en vano, no la había encontrado.
Ésta peli se trata de un documental hecho, por una chica unos años menor que yo. El tema: “Las memorias de cierta parte de la generación de los 70' en Uruguay”; su título: “Secretos de lucha”.
Me relaciona con la directora, una persona, tío para ella, abuelo postizo para mí; el llegar alguna vez a una casa en Parque Del Plata, “Atherbea” (Refugio en vazco), un balneario de la Costa del Sol uruguaya y encontrar una casa llena de vida, tener raíces en el país más chico de América del Sur y por último, el amor por el cine. Bastante para dos personas que se han visto una sola vez en la vida.
Maiana quiere conocer un poco más sobre sus ancestros. Y es lo que logra luego del recorrido que hace en conversaciones con su padre y sus tíos; quienes forman parte de una familia de 8 hermanos vascos franceses – uruguayos. Y la gran respuesta que encuentra es el amor de una familia que arrastra sentimientos e ideales. Y sobre todo la fortaleza de sobreponerse a grandes dolores.
“Fue naturalmente que regresamos al país vazco, a la tierra de nuestros antepasados. Volvimos al lugar que había originado nuestras ideas, de libertad, de vivir indomables. Eso viene de lejos ¿sabes? Luego te fortaleces en tus ideas, aprendiendo, leyendo con cada pedacito de información posible. Les fuimos fieles a nuestros ancestros luchando por la justicia.” (Expresa con palabras firmes Marcelle).
“Como uno trata de saber de dónde viene, para poder dirigir sus pasos. Algunos secretos nunca serán revelados y algunos silencios deben ser respetados. Me quedo con el sentido de la lucha, con la certeza de que es posible hacer avanzar al mundo. Hoy es mi turno de emprender mi propia marcha y aunque sé ahora que deberé luchar antes que todo contra mis propios miedos, descubrí que para ayudarme traigo un arma invencible, el amor de mi familia.” (La emoción de Maiana pone el vocablo justo).
Como dice Jean Paul, su padre: “Han sido los mejores años de mi vida (frase vanal), la vida del trabajo, la aplicación del evangelio a la vida, la continuación de la vida de cristiano en familia. Volver y contemplar este cielo, estos atardeceres hace suspirar, sigue habiendo tanto por hacer.” Y aunque algunos de sus interrogantes sigan sin contestación, sigue cuestionándose cómo el ser humano es capaz de hacer ciertas cosas… Jean Paul se cuestiona sobre el perdón: “Un ser humano que fríamente tortura a otro, me da rabia. Y que tuve que rebajarme, que humillarme. Les encantaba: sangre y lágrimas. Todo eso me hizo daño y me costó años reconstruirme. Tengo que sacar de mi eso que me daría a mí sentimiento de venganza.” Y Marcelle le retruca: “Pero somos seres humanos, eso es divino. El espíritu te dice no voy a matarlo, pero es humano el odio y la venganza. Somos de carne también.” Pero Jean Paul no logra digerir ciertos comportamientos: “Pensar qué cortocircuito mental, evolución psicológica que de alguien de chico bueno, más bien simple, haber evolucionado a ser torturador. No puedo imaginarlo ¿Aceptará el un encuentro, una conversación?”
Muchos planteos quedan hechos, Maiana nos pasa la motivación para seguir el recorrido, hasta aquí un final feliz.
(PARA VER LA PELICULA) Link: https://www.youtube.com/watch?v=pkDkTRenKUI

FICHA TECNICA
Titulo Original: Secretos de lucha
Dirección: Maiana Bidegain
País(es): Francia, Uruguay
Categoría: Documental
Duración: 1 hora 25 minutos
Año de producción: 2007
Guión: Maiana Bidegain
Música: Claite Deak, Angus O'Sullivan
Sonido: Fabián Oliver, Pablo Benedetto, Patrick Marielle
Tema musical: Suelta pájaros: https://www.youtube.com/watch?v=0do5XPHmSB4

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