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Espacio de cine

Hacia lo alto los de abajo

Por Graciela Muñoz

Se necesita mucho de esa grandeza identitaria, tan bastardeada por la cultura dominante, como para construirla, sostenerla y esparcirla a los cuatro vientos de la llanura bonaerense, que pide ritmo cumbiero con verso y métrica afilados.
Desde Colombia nos llega la Cumbia, un género musical que con su baile en grupos de parejas demuestra cómo el hombre negro tuvo que luchar por conquistar a la mujer indígena, que finalmente cedió y así se creó una nueva generación. En su sonar guarda ritmos de tambores africanos y las melodías de las gaitas y flautas indígenas. Por último se suma el traje español dando como resultado una condensación de las tres culturas.
En los años 40 comienza a expandirse y desde su llegada a la Argentina sus transformaciones influenciadas por el chamamé además del tango dan origen finalmente a una versión importántísima de este subgénero que dio por llamarse: “Cumbia Villera”. Con la frente bien en alto nacerá como testimonio de una durísima realidad vivida hacia fines de los noventas y principios del 2000.
“Alta Cumbia” es una peli que va a contarnos el nacimiento de este estilo, que pronto, en los primeros minutos la frase: “Firme como tornillo de puente” dejará aclarado que sobre la pantalla desfilarán fragmentos de una cultura popular resistente a los embates del poder que la somete a la marginalidad, al dolor, y a la discriminación.
Varios grupos impondrán su sello particular en una amalgama que conjugará la base de la cumbia vieja, el sonido electrónico, el bombo de cancha, el ska, algún tema de iglesia… El refuerzo a todo esto llegará con contribuciones del rap y del hip-hop para robustecer la identidad cumbiera con la que se han criado. Desde la villa y hacia el mundo un lenguaje orgulloso y satisfecho con el hecho de por fin ponerle verbo a tanto padecer.
Quedan ustedes invitados a participar de la Cumbia, de la cumbia de la Villa, de las creaciones del negro villero, que entre sus otras opciones: el futbol y el choreo, elige la música. Y que tiene muy en claro que su cultura es subalterna y que como tal se le está negada la posibilidad de expresar sus padeceres. Contradictoriamente su vida, que es el resultado de la opresión y la invitación constante a negarse a sí mismo sojuzgado por la discriminación, no puede relatarla, si la cuenta se lo perseguirá y se lo censurará, porque debe sufrir, aguantar y soportar en silencio.
Ficha técnica:
Titulo Original:
Alta Cumbia
Dirección: Cristian Jure
Guión: Cristian Jure
Países: Argentina
Categoría:
Documental/Ficción
Duración: 98 minutos
Reparto: Diego Cremonesi, Natalia Pelayo, Pablo Lescano y Daniel Lescano.
Año: 2017

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¿Dónde están la verdad o la realidad?

Por Graciela Muñoz

“No existen… Son solo percepciones subjetivas. Están hechas a la medida de cada individuo, por eso es más fácil mentir que decir la verdad. Quién miente tiene libertad para construir su invensión y darle solidez. Quien dice la verdad es prisionero del recuerdo. Solo piense que tiene una realidad propia ¡La que usted decida! No se salga nunca de ella y todos la aceptarán.” Son palabras que le caen al “Elegido” en su instrucción que le demandará dejar su identidad para convertirse en otro, tan enajenado que hasta los sentimientos dejarán de gravitar su existencia.
El poder domina la realidad moldeándola según sus necesidades y exigencias utilizando instrumentos tales como la prensa, la policía, la justicia, etcétera. Al ser esta peli, “El elegido” una ficción sobre hechos reales ¿de qué lado queda? ¿Realidad o verdad? ¿La realidad de los opresores es la misma que la de los oprimidos? El hambre, la pobreza y la muerte ¿son realidades subjetivas o verdaderos sufrimientos?
Evidentemente las construcciones, de realidades erigidas por el poder hegemónico (Que es la dominación de la sociedad, culturalmente diversa, por la clase dominante, cuya cosmovisión —creencias, moral, explicaciones, percepciones, instituciones, valores o costumbres— se convierte en la norma cultural aceptada y en la ideología dominante, válida y universal. La hegemonía cultural justifica el statu quo social, político y económico como natural e inevitable, perpetuo y beneficioso para todo el mundo, en lugar de presentarlo como un constructo social artificial que beneficia únicamente a la clase dominante.), obligan a los dominados a una condición de oprimidos mediante la utilización de la violencia simbólica.
Si el despojamiento mayor es la imagen del olvido de uno mismo, si ese uno mismo es una simbolización del sujeto, sería el camino hacia el cual podríamos alcanzar esa homogeneidad tan desprestigiada por el poder político, que apunta todos sus dedos acusadores y nos arrastra al individualismo esgrimiendo argumentos de diversidad que lo único que hacen es separar a los humanos entre sí, enemistarlos y negarles la condición verdadera de perfecta equidad en cuanto a oprimidos y explotados.
Y si se podría buscar una dimensión naciente, tal vez una exploración allí en lo que aún no ha sido simbolizado pueda acercarnos codo a codo, hacia una realidad verdadera que por fin podamos construir desde el no poder subalterno.
Ficha técnica:
El elegido
Dirección: Antonio Chavarrías
Guión: Antonio Chavarrías
Países: España
Categoría: Thriller. Drama | Espionaje. Años 30. Años 40. Basado en hechos reales. Biográfico
Duración: 122 minutos
Reparto: Alfonso Herrera, Hannah Murray, Julian Sands, Elvira Mínguez
Año: 2016
Se puede ver en NETFLIX

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PROMETEMOS DORMIRNOS CANTANDO

Por Graciela Muñoz

Todo el Genocidio nos remite a dolor, irreparables, incontables y multicolores frustraciones, desolaciones aisladas y en
compañía, lágrimas y más llanto que sabemos sin fin.


Una totalidad que nos ha marcado con esas huellas que no se borrarán, el desconsuelo y los daños han perforado tanto que nunca volveremos a ser los mismos individuos ni la misma sociedad. La aberración desenfrenada de seres sin alma ha hecho tanto mal, que la lógica no pudo preveer tales nefastos sucesos.
Aun así la perversión llegó más allá, además de sustraer las vidas contrahechas, según ellos, enmascararon la identidad de centenares de bebés. Pero hasta el que no sospecha nada, lleva por sus venas, sus propios genes, no los que le dijeron que posee. Más allá de la irreparabilidad del perjuicio, jamás es tarde para poner de acuerdo el adentro con la realidad circundante, terminan de ordenarse enigmas y sinsentidos.
“La parte por el todo” nos cuenta, desde la mirada de tres nietos recuperados, como hablar de un bebé sustraído de su familia toda, lleva a concluir que la totalidad de lo ocurrido durante la dictadura fue un “Plan sistemático”, ya sea del “Robo de bebés” o de “Secuestros, torturas y muertes” llevado a cabo por la triple A(“Alianza Anticomunista Argentina”, grupo parapolicial), pergeñado por el “Plan Cóndor”, que fue el plan de coordinación de operaciones entre las cúpulas de los regímenes dictatoriales del Cono Sur de América —Chile, Argentina, Brasil, Paraguay, Uruguay, Bolivia y esporádicamente, Perú, Colombia, Venezuela, Ecuador— con la CIA (Agencia Central de Inteligencia de Estados Unidos).
Hoy como en los otros miles de momentos, todos los que tenemos amor además de sangre yendo y viniendo, llevamos una nana en nuestros corazones y en nuestras gargantas y dónde quieran que los destinos injustos los hayan llevado, hasta allí llega de esta forma un abrazo fuerte de cobijo y amparo.
Ficha técnica:
Titulo Original: La parte por el todo
Dirección: Gato Martínez Cantó, Santiago Nacif Cabrera, Roberto Persano
Dirección de Animación: Maxi Bearzi
Guión: Gato Martínez Cantó, Santiago Nacif Cabrera, Roberto Persano
Música: Tersa Parodi
Países: Argentina
Categoría: Cine Documental
Duración: 72 minutos
Año: 2015
Link: ODEON – CINE.AR PLAY – https://www.odeon.com.ar/INCAA/produccion/4005
José Carabajal (“El Sabalero”) – ANGELITOS (Canción)
https://www.youtube.com/watch?v=JPOgHPJcwuk

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La gravitación de la incompatibilidad

Por Graciela Muñoz

Desde el momento en que existe el amor, ha de existir, indefectible y dolorosamente el desamor. Como caras de una misma realidad, inapelable, injusta y contradictoria (como el capitalista que colabora con el comunista, en nombre de la libertad).

Libertad congelada en sures que amontonan montañas de nieve, pero que, de todas las formas que puede, busca ser auténtica y esquivar ataduras, y a sus contrarias: la esclavitud y la dependencia.
Con notas musicales (de Fede, gran pianista), palabras versadas comprendidas en poemas con propias alas y autodeterminación, en medio de estéticas que transmiten sensaciones intimistas y sentimientos encerrados entre pasiones que delatan adoración por la vida, por la humanidad, por lo justo, por lo primordial y en buena hora. Neruda, no es solo el seudónimo de Ricardo Eliécer Neftalí Reyes Basoalto, es una crónica de opuestos, de los que desde el primer momento optamos por uno, claramente y a sabiendas.
En el film se catapulta la historia a momentos actuales en los que suceden hechos que se han repetido en nuestras historias oprimidas por manos, cerebros y armas de los poderes añejos y gemelos de la cronología misma. Y como si nada hubiese pasado bajo el puente, ni por los cielos, ni las arrugas pudieran contarlo, el mismísimo travesti de ayer, hoy y siempre mira a los ojos al detective, personaje secundario (“El te escribió a ti escuchando cosas que nunca vas a lograr entender, despreciando las ideas y las palabras, a cien metros de la vida, impotente y frágil”) que la retórica de la vida no dejará desplazarse jamás al centro de la escena y le vomita su declaración trasnochada: “De repente él me dijo una poesía tan linda, larga - me puso la mano, aquí, en la rodilla – recuerdo - él estaba como calentito - y me lo dijo acá, despacito - de artista a artista, de hombre a hombre, de respeto humano - Pero eso vos, perro culeao, no lo vas a entender nunca.”

Ficha técnica:
Titulo Original: Neruda
Dirección: Pablo Larraín
Guión: Guillermo Calderón
Música: Federico Jusid (Hijo de Juan José Jusid)
Países: Chile, Francia, España, Argentina
Categoría: Cine biográfico
Duración: 107 minutos
Año: 2016
Protagonistas: Luis Gnecco, Gael García Bernal, Mercedes Morán

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Y si la vida golpea bajo…
levantate y anda.

Por Graciela Muñoz

A pesar de que por momentos se le suplique al universo que cesen los sufrimientos, que parezca que ya nunca nada será pum para arriba, la vida continúa. Aunque quedemos rotos, destrozados, irreparables, y seamos solo jirones de lo que fuimos, estamos vivos, nuestros corazones palpitan. Siempre algo nos demanda un esfuerzo, un movimiento, un ocuparse de… Allí reside el milagro de la resilencia, del levantarse entre los añicos, no como maravilla de aquel ave que nos remite al polvo al que se redujo nuestra existencia; sino como hecho real, concreto, cotidiano de seguir con vida, escuchando, latiendo. Y aquí el gigantesco logro de “Manchester frente al mar”, esa intimidad en la que nos obliga a la inevitabilidad del dolor padecido, insoportado, que apuñala doblemente en la herida sangrante. Y, sí, puestos a sufrir, padecemos junto con los protagonistas y lloramos lágrima a lágrima, por no decir moco a moco, que quita alcurnia, como lo hace la peli cuando humorea en medio de los sin sabores. Porque la vida y la muerte son así, van juntas, pegoteadas de gozo y padecimiento.
En tramos nos hundimos con ellos, si, total ¿para qué? No se puede parar el frío en el alma como la de ese invierno helado sobre la tierra y el mar de Manchester que acrecienta el sin fin de lo inóspito. En otros trechos queremos gritarles: ¡hay algo más por lo que levantarse cada mañana! Pero al cabo que la historia está tramada, la tramoya resuelta, entonces los acompañamos en el auto, en el insomnio, en lo absurdo de la burocracia que freeza la tierra y el depósito de los cuerpos. La brillantez con la que logra la intimidad cotidiana de lo inesperado, que termina uniéndose al devenir de un día como cualquier otro, más dramático, terrible, pero que viene después que otro y al que le seguirá el siguiente, creo que no ha tenido parangón en la historia del cine, al menos al que ha espectado ésta humilde cinéfila.
Puestos a sufrir, pero a compartir, toda la invitación a sentir pesar, pero el que deja el amor de haber amado con todo, alma y cuerpo. El dolor es parte de sentirse y estar al fin y al cabo vivos. Y entre nos: ¡Estos Afleck, son todos iguales! Jaja!
Ficha Técnica:
Título: Manchester frente al mar
Año: 2016
Director: Kenneth Lonergan
Intérpretes: Casey Affleck, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Michelle Williams, Erica McDermott, Gretchen Mol, Kara Hayward, Heather Burns
Duración: 138 minutos
Género: Drama
País: Estados Unidos

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¿SERÁ AMOR?

Por Graciela Muñoz

Con los vestigios de un estilo musical nacido a finales del siglo XIX en las comunidades negras de Estados Unidos de Norte América llega “La la Land” a colocar su granito de arena en el entramado de la red de significados en la que nacemos, crecemos y morimos. El recurso del Jazz es una delicia en esta combinación que ensambla diversas cuestiones para armar una obra de acabado casi perfecto. La música y la danza en sus cuotas puntuales y en el lugar perfecto de la trama dramática añaden la sutileza ideal para la transmisión de sentimientos y el deleite estético.
La peli arranca con un impacto de positividad, en el que nos interpela, a la vez que apela, a nuestra manera de encarar las vivencias cotidianas y en ese mismo momento nos disponemos a rever nuestra capacidad de ser felices como así también echamos a rodar nuestra máquina interna productora de sueños.
De allí en más nuestra curiosidad nos mantendrá en vilo para poder conocer el desenlace de la historia, pero no con la simple trascendencia del ocio expectante, sino con una incesante constatación de lo que ocurre en la pantalla con nuestra propia biografía. Mientras de forma inocente nos predisponemos a la proyección de un film, éste, ingeniosamente, nos convoca a cuestionar y cuestionarnos. Así, casi como en una improvisación jazzística.
La invitación está planteada: seguimos de esta manera, como estamos, como somos, como nos dijeron que debíamos ser y hacer… Entera e hipocritamente autoconvencidos de que es nuestro deseo más íntimo y genuino. O nos hacemos, nos reinventamos. ¿Es de esta manera que queremos amar, vivir, compartir, sentir, transmitir? Vivimos en una cultura manipuladora y manipulada, entonces: ¿la aceptamos? Porque la resistencia a ese orden obligado se paga cara, se han encargado de hacérnoslo saber. Pero que más terriblemente costoso y desgraciado que una existencia vivida de costado, tocada de oído.
Creer en “La la land” es creer que las cosas son completamente imposibles que pasen, en lugar de comprender cómo realmente son. En síntesis, es más fácil pensar que algo es imposible, que analizar cómo es en realidad, cuestionarlo, refutarlo y hacerlo posible. Con todo, desde el amor hasta preparar una sopa. Y por estos días de fechas como: “el día de los enamorados”, he escuchado en medios de comunicación, excusas, del tipo: “que cualquier fecha que se nos invita a festejar es bienvenida”, pero adoptando ésta permitimos una penetración cultural que no se limita simplemente a un día de flores y chocolate. Si no que nos impone una forma de relaciones amorosas adornadas con consumismos, con los que se tapan falencias, desamores, destratos, etcéteras, en lugar de poner empeño en relacionarnos desde nuestras propias esencias, de ser a ser, en una trascendencia que imprima de valor el compartir bienestar sincero, felicidad sobria y austera pero auténtica, sin fantochadas.

Ficha Técnica:
Director y guionista: Damien Chazelle
Intérpretes: Ryan Gosling, Emma Stone
Duración: 128 minutos
Género: Romance musical, comedia dramática
País: Estados Unidos

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Otro héroe de pacotilla

Por Graciela Muñoz

Vuelve a ocurrirme lo mismo, película taquillera, comentarios: “¡Está muy buena!” “Es sobre un caso real.” Y allí mi modo de ser curiosísimo, todo y lo único que quiere es sentarse frente al primer tipo de pantalla que encuentre y consumir ese título, con semejantes actores, directores, etcétera. Y otra vez la decepción, sentir que las sensaciones y sentimientos que se proponen desde allí no son lo suficientemente fuertes como para provocar algo, cualquier cosa, empatía, por ejemplo.
O están construidas sin el menor compromiso.
Y así medio caminando, a su estilo a lo cawboy, medio dirigiendo la peli se acerca, Clint Eastwood para saludarnos y nos propone un bodrio. Tal vez él sea un convencido de que la unión que produce en quienes conviven en un accidente trágico, es transformadora del mundo. Pero mi opinión es que queda en la singularidad del individualismo, ya sea personal o familiar. Se constriñe el universo a los presentes en aquel momento y quedan como tocados por una barita mágica que nunca transforma calabazas en carrozas.
Sully es el protagonista y capitán del vuelo, sus desvelos circundan el heroicismo, siempre y cuando su nombre quede intachable en la historia de cuánto pudo evitar y a cuántos salvar. Pero nunca se plantea mejorar su relación con la empresa de vuelos, ni particular ni socialmente. Y aquí el impecable Tom Hanks entrega su derecha e izquierda en ampulosos retratos que como siempre lo muestran magnánimo en esa brillantez obsecuente del perfecto exitoso.
Y me retuerzo en la butaca, en el sillón o silla y quiero que la antigua Grecia nos socorra con algo, que me permita ser un “deux ex machina” que transforme el relato en girones de opciones que desenmascaren la hipocresía de que los buenos son esos, que de esa forma se tiene una existencia constructiva, que eso es la solidaridad, el compañerismo y la amistad y que las “buenas” cosas se hacen entre todos. Porque hay todos y todos, depende de quien lo diga y a quiénes incluya, porque de exclusión sí que son los campeones.
Ficha técnica:
Titulo Original: Sully
Dirección y Producción: Clint Eastwood
País(es): EE.UU.
Categoría: Drama basado en hechos reales
Duración: 96 minutos
Año: 2016
Actores: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Autumn Reeser, Sam Huntington

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Obedecer a la vocación se paga con melancolía.

Por Graciela Muñoz

No hacen falta más explicaciones, con solo pronunciar su nombre, al decir “Gilda”, cada quien sabe de qué estamos hablando. Y parece que para la dirección y para las demás funciones que dieron origen al film, era más que suficiente mostrar a un exacto doble cantando sus canciones, con vos parecida, movimientos similares al bailar y un fisic du rol aplastante. Pero si se me permite, no me fue suficiente. La idea completa de la peli es mostrar a Gilda la mujer, su cotidianidad antes de entregarse a su postergada vocación y luego sus avatares dentro de ese mundo totalmente ajeno, el de la movida tropical.
Me disgusta contar las películas, por lo que intento dar una especie de mirada sobre los puntos más sobresalientes o relevantes. Trato de resaltar lo bueno y dar una crítica negativa de aquello con lo que podría discernir. Entonces, en el intento de mantenerme fiel a mis propósitos, voy a dar mi punto de vista. He trabajado en cine y conozco en mi piel y en mis insomnios laboriosos lo complicado y complejo de realizar una película. Pero también le exijo que mantenga una coherencia en relación a su mirada filosófica, puede tener problemas técnicos, estéticos, actorales, pero no me es posible disculpar una ideología favorable a los poderosos o a un status quo que es injusto hacia las mayorías oprimidas tal y como está planteado nuestro mundo de hoy.
Y tengo la convicción que el ser indiferente a las injusticias es ponerse del lado del poderoso. Y siento que Gilda, la película, es indiferente. Teniendo tan cercano al oprimido, ese espectador, fanático de su música y de sus encantos, estoy convencida que allí podría contarse una ficción grandísima, generosísima con nuestros postergados, nuestros oprimidos, nuestros desempleados, nuestros pobres materialmente hablando. Porque son de todos, todos somos responsables de que existan o existamos. Porque al fin y al cabo todos lo único y similar que tenemos para vender en el mercado es: nuestra fuerza de trabajo.
Y allí ésta historia de Gilda plantea un recorrido melancólico, superficial, totalmente olvidable en lugar de ahondar en esos recovecos de las almas, que nos sacuden y nos dejan meditando por días y hasta replanteándonos nuestras propias opiniones o puntos de vista. Al contrario deja al personaje, tan impoluto, tan de ese blanco que, de a momentos se entiende la obliga el crucifijo que cuelga de su cuello, otras el recuerdo en vida de sus hijos y por último la mafia, que pos mortum, parece que aún: “de eso no se habla”.
Ficha Técnica:
Título: Gilda no me arrepiento de este amor
Año: 2016
Director: Lorena Muñoz / Guión: Lorena Muñoz y Tamara Viñes
Intérpretes: Natalia Oreiro (Gilda adulta), Ángela Torres (Gilda adolescente), Javier Drolas, Lautaro Delgado, Susana Pampín, Roly Serrano
Duración: 108 minutos / Género: Drama musical / País: Argentina

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La tolerancia, madre de todos los males.

Por Graciela Muñoz

En el mes del día de la madre, hemos de enfrentarnos con el hecho de que no todas las madres son buenas, de que no todos tenemos madres, como tampoco lo somos (ni que decir del mandato: a “procrear”, al que nos somete la sociedad casi entera). Y en el que en nombre del aumento de ventas, hemos de afrontar a mil y un comercial que nos presentan a seres femeninos como los mejores del mundo, especiales, cariñosos, amorosos. Y de cara con la tristeza, estoicamente hemos de aceptar toda esta realidad dada, junto a muchas otras.
Joy es la protagonista del film homónimo. Es una ama de casa desempleada, “que se cree más de lo que es”, según palabras de su propio padre protagonizado por Robert De Niro. Como los espejitos de colores, la idea de la peli es empoderar al espectador; para ello utiliza: recuerdos de una infancia creativa, inventiva e imaginativa, como también: historias infantiles sobre las cigarras (que pueden llegar a esconderse por más de 17 años bajo la tierra).
El relato es una clásica historia de cuento de hadas, en el que el suspenso nos mantendrá en tensión hasta el final solo para averiguar si la calabaza regresa, por supuesto que lo único que deseamos es un final feliz. “Toleró casi cualquier cosa. Hasta que cuando tuvo que actuar sin titubear… actuó sin titubear”, dirá sobre Joy su abuela.
Entonces podemos decidir si cuestionarla, objetar o simplemente entregarnos a la exposición de la continuidad de argumentos. Que por supuesto no adolecen de golpes bajos, mientras provocan la clásica constricción de nuestros corazoncitos desesperados por hallar las respuestas que nos tranquilicen, que nos digan, simplemente, que estamos haciendo lo correcto.
Muchos a cierta altura de su propia expectación podrán objetarme, preguntándose: “¿Qué película vio esta persona?” Y mi respuesta sería vi una película dónde la solución que plantea no supera los inconvenientes, la miseria, la destrucción planetaria, la individualidad, el sálvese quien pueda que plantea el sistema capitalista. Su solución no es una solución, es la simple reproducción de este sistema. No plantea una salida colectiva, ni mucho menos.
Y dicho todo esto, me voy a un asado por el día de la madre, con mis contradicciones a cuestas, pero con la incansable tarea del pensamiento y la acción.
Para ver la peli: Descargá: Pop Corn Time y buscá “Joy”.
Ficha técnica:
Titulo Original: Joy, el nombre del éxito
Dirección y guión: David O. Russell
País(es): EE.UU.
Categoría: Comedia Dramática
Duración: 124 minutos
Año: 2015
Actores: Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Robert De Niro, Édgar Ramírez, Elisabeth Röhm, Isabella Rossellini, Diane Ladd, Virginia Madsen.

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Saber donde aprietan

Por Graciela Muñoz

Nunca estaremos a la altura de las pasiones femeninas almodovarianas, no si nos guardamos en la superficie de las formas. Las actitudes correctas nos protegen y nos mantienen a salvo de la ebullición de los sentimientos y pensamientos.
¿Cuánto puede pasar para decretarnos en crisis? ¿Cuánto se puede aguantar y esconder un dolor? ¿Qué tipo de vida podemos llevar con el alma en pena? ¿Cuánto llanto nos puede provocar una pregunta a la adulta presente sobre la imagen de su rostro dormido de niña de 2 años?
El inmenso director nos coloca de frente con las circunstancias de la vida pero las re-pinta en traslusencias infaliblemente mujeriles. Cada detalle estrella delicadezas provenientes de las hormonas femeninas contra la cámara. Que bien guarda para más tarde devolvérnoslas, casi tirándonoslas por la cabeza desde la gigante, hipnotizante pantalla de la sala cinematográfica. En primera instancia apela a tres de nuestros sentidos con el sonido de un piano y los tenues movimientos de una seda roja que ocupa toda la pantalla; y al comenzar la acción descubrimos, se trataba de la respiración de la protagonista bajo su bata.
A quien no le basta conocer al dedillo ese universo sino que a ello le suma la utilización de metáforas capaces de cristalizar tantísimo, como sintetizar en una sola toma toda la película. “Julieta” el film entero, queda plasmado con la genialidad de hacer aparecer por una puerta, avanzando, a tres mujeres. Que tomadas del brazo de la de al lado, las tres con zapatos rojos, caminan a paso lento pero seguro saliendo de la casa. Las tres generaciones, las tres historias en una. La esencia de la peli: contarnos la vida de ellas, de las tres y de todas las mujeres a la vez.
Nuestro ya nombrado, Pedro Almodóvar guiona “Julieta” basándose en los relatos de Alice Munro: “Destino”, “Pronto” y “Silencio”. ¿Y que podría haber elegido mejor como para dimensionar la existencia y los deambulares prevalentes en las mujeres, que “el amor” y “la culpa”? Luego la discusión, la meditación y las evaluaciones serán nuestras. Si estos sentimientos son naturales o impuestos culturalmente, si el amor maternal es un disfraz para obligar a las mujeres a cuidar a la cría, a entregar la prole al sistema, sin condicionamientos, y totalmente gratis. Tan solo porque el mandato social así lo dictamina ¡Y la culpa, la culpa que entierra montañas y nos ata, enredándonos a los pasados cortando las alas de la más pintada!

Chavela Vargas, “Si no te vas”:
https://pelisgo.tv/ver/234-julieta.html

FICHA TECNICA
Titulo Original: Julieta
Dirección y guión: Pedro Almodóvar
País(es): España
Categoría: Drama
Duración: 96 minutos
Año: 2016
Actores: Emma Suárez, Adriana Ugarte, Rossy de Palma

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La tierra sin mal

Por Graciela Muñoz

“Buscando al Comandante Andresito” habla de nuestra historia, es un documental dirigido por Camilo Gómez Montero e interpretado por Víctor Heredia y se propone contarnos lo que deberían contarnos en la escuela y han cojoneado. Porque ningún espíritu corajudo se mantiene rato encendido cuando se encuentra solitario, y sabernos varios, muchos, cientos, miles, nos hace sentir fuertes y no nos apagamos más. Entonces cuanto menos se sepa de ellos, más agua para el molino del poder hegemónico (el término deriva del griego que significa “conducir”, “ser guía”, “ser jefe”).
En el proceso independista hubo un revolucionario con todas las palabras, y de los que querían ir a lo profundo y revertir el avasallamiento sobre los oprimidos: José Gervasio Artigas quien fue el primer gran caudillo del Río de la Plata. Fue el gestor de la Liga de los Pueblos Libres, y defensor de la libertad y los derechos de la tierra para el pueblo.
Andrés Guacurari, El comandante Andresito, indígena Mbya Guaraní nació a orillas del río Uruguay. Se unió al ejército federal liderado por Artigas que lo acogió como hijo y hasta le dio su apellido. Esto le permitió, a pesar de su origen guaraní, llegar a ser oficial del ejército. “Para la historia oficial, fue un bandolero, general improvisado de un ejército harapiento, profanador de costumbres, apellidos y abolengos, usurpador de la tierra, vengador de tus abuelos. Para nosotros, en cambio, tu nombre será siempre, la sagrada rebeldía de una dignidad sin precio, que se aguanta la pobreza, sobrevive al saqueo, hijo fiel de tus mayores, peleando por tus derechos”, (Mario Boffil, “Andresito”; https://www.youtube.com/watch?v=s939sB_MW14).
En la mitología guaraní los dioses crean una tierra sin mal, en la que no había enfermedades ni faltaba alimento, pero sobrevino un diluvio causado por los dioses en castigo por un incesto. Luego la creación de la segunda tierra imperfecta, la que poblaran los sobrevivientes y en la que hay enfermedad, dolores y sufrimientos. Los hombres que habitan esta tierra buscarán siempre volver a la primera.
Y de la mano de esto: “Patria Sin Mal” es un Movimiento Social-Comunitario que está integrado por compañeros provenientes de distintas provincias, extracciones políticas nacionales, tradiciones y de Comunidades Originarias con quienes trabajan desde un nuevo paradigma, de la forma de hacer y construir política, basado en la tradición de los pueblos originarios en especial desde la cosmovisión Guaranitica de Tierra Sin Mal. Levantando la bandera federal y de la primera independencia declarada por la Liga de los Pueblos Libres conducidos por Jose Gervacio Artigas y el Comandante montonero Guarani Andresito, hecho historico ocultado y silenciado por la Oligarquía Cultural.

Ficha Técnica:
Título: “Buscando al Comandante Andresito”
Año: 2012
Director:
Camilo Gómez Montero
Intérpretes: Víctor Heredia
Duración: 47 minutos (mediometraje)
Género: Documental
País: Argentina

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Del sótano al cielo

Por Graciela Muñoz

“Tute Cabrero” es la ópera prima de Juan José Jusid (prolífico director argentino), a su debut se agregan los de Pepe Soriano, Juan Carlos Gené y Luis Brandoni; la misma suerte corrieron todos los que estaban detrás de cámara (venían del cine publicitario). Su estreno ocurrió en el año 1968, ya casi no se filmaba en blanco y negro, pero lo eligieron porque aportaba al dramatismo de la trama.
El argumento está basado en una obra de teatro: “La isla desierta” de Roberto Arlt* y fue co-guionado con Roberto “Tito” Cossa, indiscutidamente, uno de los dramaturgos contem-poráneos de la Argentina más importantes.
Lo trascendental del film es su actualidad, a 48 años, salvo por puestas, movimientos de cámara y ciertas tomas que denotan una retórica pasada de moda, todos los elementos de la historia podrían ser traspolados a la actualidad.
Entonces nos centramos en las relaciones humanas que se tejen en una oficina, cualquiera sea, una oficina de producción capitalista, en la que la racionalidad de la ganancia pone la voz de mando. Y en ese entorno, como si de quitar el alma al cuerpo se tratase, se destruyen los lazos de solidaridad, humanidad, fraternidad, en pos del “sálvese quien pueda” o de la “supervivencia darwinista del más fuerte”. Y en un ámbito que niega los cielos de éste mundo y nos sumerge en los sótanos de la producción a gran escala, cómo teatraliza sobre el papel nuestro viejo y querido Arlt.
Así como 48 años no son nada, tampoco lo son los aproximados 227 años de capitalismo que la historia se encarga muy bien de revelar cómo “la evolución”. Y así en tanto, la humanidad toda, adormilada, siguiendo patrones de comportamiento, de vida, de infelicidad, reproduciendo lo artificial como si fuese lo natural y sin cuestionar. Y al seguir el camino mandado, por conocido, no nos atrevemos a otros y menos aún a darles esa libertad a nuestros hijos. Resultado: más dolor, angustia, infelicidad, enfermedad, desamor, aislamiento y ni hablar de las consecuencias ambientales.
Comencemos por preguntarnos cómo queremos vivir y construyamos en ese sentido, y alentemos el buen vivir, que lejos está de los consumos variopintos que nos muestran como única alternativa, y las variantes son tantas como subjetividades. Y dejemos los sótanos para vivir, por fin, cabeza en alto, disfrutando los cielos a cada hora y en cada comarca.

Link de la peli: https://www.youtube.com/watch?v=EqkKPW9PgF0

Ficha Técnica:Título: Don Quijote, Don Kikhot (Original) Año: 1968 / Dirección: Juan José Jusid
Guión: Juan José Jusid y Roberto Cossa, sobre un argumento original de Roberto Cossa /
Director: Juan José Jusid
Intérpretes: Pepe Soriano, Juan Carlos Gené, Luis Brandonim, Flora Steimberg, Hugo Midón / Duración: 65 minutos / Género: Drama / País: Argentina

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El dominio de la caja boba

Por Graciela Muñoz

Las frutas tropicales exhibidas en un mercado popular y una voz radial subtitulada en español que nos dice: “Mucha temperatura” y “El sol está muy muy alto, como el dólar”, serán recursos de moneda corriente, como ocurrirá luego en toda la peli, en la que con mínimos recursos, pero con inmensa creatividad puesta en marcha harán avanzar la intriga y la acción sin tregua para el espectador.
Además del brillante argumento, su presentación, nudo y desenlace; “7 cajas” pone en evidencia un cúmulo de factores sociales, culturales y económicos tercermundistas, que el simple hecho que sea de origen paraguayo no dista para nada de poder ocurrir en cualquier otro país latinoamericano.
Entre todos ellos me gustaría hacer una analogía o una comparación, las 7 cajas que pesarán durante todo el film sobre el protagonista, podría ser la antigua caja boba, “la TV” que como medio de comunicación de la cultura dominante tanto marca y condiciona la vida de los pueblos latinoamericanos, y que de tonta nada tiene. Y su correlato con la ensoñación constante que vive éste mismo protagonista en relación a llegar a ser el mismo un actor.
Tal vez la particularidad de la falta de colaboración entre los integrantes del barrio no haya puesto incómodos solamente a quien escribe, es mi deseo que les haya ocurrido a varios más y lo siga haciendo con los nuevos públicos. La necesidad de sobrevivencia y del sálvese quien pueda acelera el pensamiento y desdibuja la posibilidad de la solidaridad en esa urgencia alimentaria, de salud, etc. No es inocente que se nos hayan impuesto los términos ciudades y ciudadanos, dejando muy lejos y con reminiscencias a naftalina el vocablo que nos remite a tanta riqueza ancestral como el de “la comunidad”.
“7 Cajas” una peli para ver, pensar y despertar las ganas de crear, más allá de los recursos materiales con los que se cuente. Un antiguo profesor nos decía que con solo el lápiz y el papel teníamos todo al alcance, y cuánta verdad.
Link a la peli: https://www.youtube.com/watch?v=_kDWdHPKrdA
Ficha Técnica:
Título: 7 Cajas
Año: 2012
Directores: Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori
Guión e idea original: Juan Carlos Maneglia
Protagonistas: Celso Franco, Lali González, entre otros
Género: Acción Thriller
País: Paraguay
Duración: 1 hora 40 minutos

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Crónica de una fuga

Por Graciela Muñoz

A 40 años del Golpe de Estado de 1976.
“Crónica de una fuga” es una película basada en la novela "Pase libre - La fuga de la Mansión Seré", de Claudio Tamburrini, en la que se relata la vida que llevaron unos jóvenes secuestrados en ese centro clandestino de detención, en la última dictadura cívico-militar. Con unos 9.000 muertos y 30.000 desaparecidos fue una de las más crueles y sangrientas que ha sufrido el continente latinoamericano en el siglo XX. El plan fue sistemático y generalizado para esquilmar a toda América Latina, los colaboradores demasiados, entre EEUU, España y Francia aportaron entrenamiento y dinero, empresas como Ford, los autos Falcon para el ejército ¡y la lista sigue, es enorme! Con muy buenos resultados para los poderosos de siempre, el siguiente gráfico de la pobreza lo certifica:
La historia se repite y es de todos, y los que quisieron y se quieren llevar puesto el dolor y la pobreza de los pueblos, no tienen descanso, pero de las cenizas renacen las fuerzas y las almas de los más postergados y aplastados. El film denuncia la tortura como método de adoctrinamiento.
Manfred Nowak, Relator Especial sobre la tortura, describe ésta como “un ataque directo a lo más íntimo de la personalidad humana, que reduce a las víctimas al más absoluto desamparo, las convierte en simples objetos y destruye su dignidad como seres humanos. La tortura hiere el cuerpo y es un ataque directo al alma.”.
El escritor chileno Ariel Dorfman utiliza palabras enérgicas cuando describe el precio que paga la sociedad:
“La tortura...coloca a la víctima fuera y más allá de toda forma de compasión o empatía y exige de todos los demás el mismo distanciamiento, el mismo aturdimiento, por parte de los que saben y cierran los ojos...y sus oídos y sus corazones. La tortura, pues, no sólo corrompe a los que participan directamente en el terrible contacto entre los dos cuerpos...la tortura también corrompe todo el tejido social porque prescribe un silencio de lo que ha estado sucediendo entre esos dos cuerpos, obliga a la gente a hacer creer que...nada ha estado sucediendo, exige que nos mintamos a nosotros mismos sobre lo que se está haciendo no lejos de donde hablamos, mientras comemos una chocolatina, sonreímos a un amante, leemos un libro, escuchamos un concierto, hacemos ejercicio por la mañana. La tortura nos obliga a ser sordos, ciegos y mudos. Y no podemos seguir viviendo así.
Con este incesante conocimiento del incesante horror, no podemos seguir viviendo así”.
Y bueno, tarea para el hogar: seguir reconstruyéndonos, y sobrevivir a la destrucción sistemática que sigue arrastrando nuestras existencias hacia abajo.
Link a la peli: https://www.youtube.com/watch?v=wPr8pdKdVuc
Ficha Técnica:
Título: Crónica de una fuga.
Guión: Israel Adrián Caetano, Esteban Student, Julian Loyola, sobre la novela "Pase libre - La fuga de la Mansión Seré", de Claudio Tamburrini.
Año: 2006
Director: Israel Adrián Caetano
Protagonistas: Rodrigo De La Serna, Pablo Echarri, Nazareno Casero, Lautaro Delgado
Duración: 143 minutos
Género: Drama histórico y de suspenso
País: Argentina

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Cuando el show es la vida misma

Por Graciela Muñoz

Un restaurante muy particular, “El Cenáculo” creado para dar cena a un invitado o a un grupo de comensales por vez, una única mesa. Con planificación anticipada de la cita y del menú. En el corazón de una Catedral Gótica, Vitraux, magestuosidad, pianos que tocan Chopin, jazz entre otras músicas, canciones en francés que dan espectáculos musicales montados en un pequeño escenario para pocos espectadores y exquisiteces, exóticos platos y comida de autor investidos por refinadas bebidas fermentadas.
Todo preparado para quienes estén dispuestos a pagar en moneda, o, los costos de enfrentarse a los fantasmas que espectran la vida cotidiana, pero que se aparecen en recónditos lugares. “El Cenáculo” crea sus propios tiempos y espacios y allí se dan encuentro los más apasionados arrebatos, sinceramientos y deseos.
Un hermano prestidigita los encuentros, su sobrino los cuece con el más selecto arte culinario y la hermana es la espectadora privilegiada. Toda una excentricidad para quién pueda darse el lujo.
Gustoso y apetecible film, que con tan solo entregarnos a la luna rodando por Callao, sueño soñado tantas veces, el de esta imagen, perfora la sensibilidad poética y romántica que todos atesoramos. Cabe entonces dejarnos impregnar por la creación de una ambientación, de delicadas tomas, hasta podemos llegar a sentir los aromas, o el agua cayendo sobre nosotros mismos. El director nos concede en pequeñas dosis y mixturizados colages reminiscencias de grandes cineastas. La música otra delicia más.

FICHA TÉCNICA:
Título: El espejo de los otros
Dirección: Marcos Carnevale
Guión: Marcos Carnevale
País: Argentina
Categoría: Comedia
Duración: 119 minutos
Año: 2015
Actores: Norma Aleandro/Graciela Borges/Leticia Brédice/Alfredo Casero/Pepe Cibrián/Mauricio Dayub/Julieta Díaz/Luis Machín/Oscar Martínez/Ana María Picchio/Favio Posca/Carola Reyna/Marilina Ross/María Socas/Gipsy Bonafina/Ana Fontán/Javier de Nevares

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Vivir la muerte

Por Graciela Muñoz

Reencontrarse con un amigo puede tener todos los tonos del agridulce placer-dolor, cuando el motivo es despedirse para siempre. Y eso solo ocurre cuando la inevitabilidad de la muerte se anuncia en consultorios y salta de los informes hacia los oídos angustiados de pacientes y allegados. Avisados todos, se arremolinan abrazos y contenciones, y solo resta acompañarse en todos los sentidos y con todos los sentidos.
Julián y Tomás se reencuentran en un Madrid frío para compartir escasos 4 días en los que la intensidad aplicará plumero a los rincones más escondidos de cuerpos y almas. La mayor parte del tiempo lo que sobran son palabras, pero la tibieza de los sentimientos, otras veces inexpresados, abre portales que realmente reconfortan. Y aunque en la cotidianidad pueda haber diferencias o disentimientos, todo adquiere otra dimensión cuando la urgencia del adiós impostergable arremete contra lo obvio y lo desarma en la ridiculez del: “y ahora qué importa”.
Lo que sigue es una sucesión de despedidas y aprontes, acomodar para la muerte, la trivialidad del “para cuando no esté”, como si ese modus operandi prestidigitado por nuestros últimos momentos de existencia nos asegurasen la trascendencia. Esa que nos mantiene vivos más allá de ya no estarlo. Y Julián se aferra a ella en su preocupación constante y hasta obsesiva, que tiene como único objetivo resolver dónde pasará sus días, cuando él ya no esté, Truman, su perro.
Convivir con lo trágico ineludible obliga a la estoicidad de no demostrar el compungimiento, aguantar cada lágrima. Pero dejar de tener palpable a un ser querido nos confronta no solo con una pérdida, sino además, con la cruel evidencia de nuestra propia finitud. Y la pena nos llena de espejos, en los que nos miramos unos a otros, pero ya no observamos la estética de los exteriores, nos encontramos esencia frente a esencia ¡tantas cosas retoman su banalidad!
Truman es el último film protagonizado por Ricardo Darín, en la que lo acompañó “Troilo” un perro entrenado para trabajar con niños autistas, y que falleció 6 meses después de terminado el rodaje.

FICHA TECNICA
Titulo Original: Truman
Dirección: Cesc Gay
Guión: Tomás Aragay y Cesc Gay
País(es): Argentina, España
Categoría: Drama
Duración: 108 minutos
Año de producción: 2015
Actores: Ricardo Darín, Javier Cámara, Dolores Fonzi

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Infinitas preguntas, ninguna respuesta

Por Graciela Muñoz

Una música de ópera abraza un paisaje montañoso mientras parpadea la noche entre las aspas de un molino, los títulos con una tipografía extraña nos ubican en un espectro rusoparlante y una fecha nos lleva atrás en el tiempo, hasta 1957. Cuando titula: “Don Quijote” nos avisa que nos contará un relato, el más publicado y traducido de la historia que en tono burlesco se rió, ya en 1605, de la estirpe caballerezca.
Levanta el alba en la primera toma en un pueblito de la campiña española mientras la sorpresa del “¡Otra vez está leyendo!”, en un claro ruso en boca de un actor, nos traslada a una dimensión única, toda la idiosincrasia española atravesada en el centro de su corazón, cual daga, por la vastedad del ser ruso. Y denuncia, con toda la ironía que pueden contener las palabras, la peligrosidad que portan las ideas en los libros.
Hasta nuestro tan querido Dostoievski ha considerado al Quijote como el mejor y más grande libro jamás escrito, y la obligatoriedad de su estudio en los colegios lo han convertido en símbolo de la lucha por la libertad y la igualdad contra los poderosos.
Don Quijote y Sancho Panza recorrerán los campos de Castilla (ambientados por un escultor español exiliado en la Unión Soviética luego de la guerra civil española), entretanto llevan como bandera inquebrantable la justicia, el bien hacia la humanidad, el amor hacia el otro, el cuestionamiento a la propiedad privada y la inconmesurable cualidad de ser ellos mismos, aunque deban sufrir y resistir la sanción social, que cae pesada y rotunda sobre cualquiera que quiera salirse de la senda.
Esta adaptación cinematográfica realizada por el director Grigori Kozintsev, discípulo de Einsestein, es considerada unánimemente la mejor respecto de la novela de Cervantes.
El resto es abstraerse y sumergirse en las sensaciones que nos regala la peli y quedarnos en interesantes reflexiones al concluir la proyección.
Ficha Técnica:
Título: Don Quijote, Don Kikhot (Original)
Año: 1957
Director: Grigori Kozintsev
Duración: 111 minutos
Classificación
Género:
Comédia Dramática
País: Rusia

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Un pedacito de historia

Por Graciela Muñoz

Mientras buscaba por entre carpetas y archivos de un compu, cierta peli que mi padre me había bajado de algún lugar en el que un solidario amigo la había colgado para que yo la bajase. Sorpresivamente me encontré con otra, largo tiempo la había buscado por internet, en vano, no la había encontrado.
Ésta peli se trata de un documental hecho, por una chica unos años menor que yo. El tema: “Las memorias de cierta parte de la generación de los 70' en Uruguay”; su título: “Secretos de lucha”.
Me relaciona con la directora, una persona, tío para ella, abuelo postizo para mí; el llegar alguna vez a una casa en Parque Del Plata, “Atherbea” (Refugio en vazco), un balneario de la Costa del Sol uruguaya y encontrar una casa llena de vida, tener raíces en el país más chico de América del Sur y por último, el amor por el cine. Bastante para dos personas que se han visto una sola vez en la vida.
Maiana quiere conocer un poco más sobre sus ancestros. Y es lo que logra luego del recorrido que hace en conversaciones con su padre y sus tíos; quienes forman parte de una familia de 8 hermanos vascos franceses – uruguayos. Y la gran respuesta que encuentra es el amor de una familia que arrastra sentimientos e ideales. Y sobre todo la fortaleza de sobreponerse a grandes dolores.
“Fue naturalmente que regresamos al país vazco, a la tierra de nuestros antepasados. Volvimos al lugar que había originado nuestras ideas, de libertad, de vivir indomables. Eso viene de lejos ¿sabes? Luego te fortaleces en tus ideas, aprendiendo, leyendo con cada pedacito de información posible. Les fuimos fieles a nuestros ancestros luchando por la justicia.” (Expresa con palabras firmes Marcelle).
“Como uno trata de saber de dónde viene, para poder dirigir sus pasos. Algunos secretos nunca serán revelados y algunos silencios deben ser respetados. Me quedo con el sentido de la lucha, con la certeza de que es posible hacer avanzar al mundo. Hoy es mi turno de emprender mi propia marcha y aunque sé ahora que deberé luchar antes que todo contra mis propios miedos, descubrí que para ayudarme traigo un arma invencible, el amor de mi familia.” (La emoción de Maiana pone el vocablo justo).
Como dice Jean Paul, su padre: “Han sido los mejores años de mi vida (frase vanal), la vida del trabajo, la aplicación del evangelio a la vida, la continuación de la vida de cristiano en familia. Volver y contemplar este cielo, estos atardeceres hace suspirar, sigue habiendo tanto por hacer.” Y aunque algunos de sus interrogantes sigan sin contestación, sigue cuestionándose cómo el ser humano es capaz de hacer ciertas cosas… Jean Paul se cuestiona sobre el perdón: “Un ser humano que fríamente tortura a otro, me da rabia. Y que tuve que rebajarme, que humillarme. Les encantaba: sangre y lágrimas. Todo eso me hizo daño y me costó años reconstruirme. Tengo que sacar de mi eso que me daría a mí sentimiento de venganza.” Y Marcelle le retruca: “Pero somos seres humanos, eso es divino. El espíritu te dice no voy a matarlo, pero es humano el odio y la venganza. Somos de carne también.” Pero Jean Paul no logra digerir ciertos comportamientos: “Pensar qué cortocircuito mental, evolución psicológica que de alguien de chico bueno, más bien simple, haber evolucionado a ser torturador. No puedo imaginarlo ¿Aceptará el un encuentro, una conversación?”
Muchos planteos quedan hechos, Maiana nos pasa la motivación para seguir el recorrido, hasta aquí un final feliz.
(PARA VER LA PELICULA) Link: https://www.youtube.com/watch?v=pkDkTRenKUI

FICHA TECNICA
Titulo Original: Secretos de lucha
Dirección: Maiana Bidegain
País(es): Francia, Uruguay
Categoría: Documental
Duración: 1 hora 25 minutos
Año de producción: 2007
Guión: Maiana Bidegain
Música: Claite Deak, Angus O'Sullivan
Sonido: Fabián Oliver, Pablo Benedetto, Patrick Marielle
Tema musical: Suelta pájaros: https://www.youtube.com/watch?v=0do5XPHmSB4

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Refugiarse del amor en el amor

Por Graciela Muñoz

La pregunta que me hacía todo el tiempo mientras avanzaba la historia de la película era: “¿Cómo quedamos después de las cosas que nos pasan?” E indefectiblemente todas las respuestas incluían palabras como: marcas, huellas, vestigios, rastros, resabios. Y como todos pasamos por unas u otras vivencias, es dichoso sentirnos como productos del “Kintsugi” que es el arte japonés de arreglar fracturas de la cerámica con barniz de resina espolvoreado o mezclado con polvo de oro, platino o plata. Incluido en una filosofía que esboza que las roturas y reparaciones forman parte de la historia de un objeto y deben mostrarse en lugar de ocultarse, incorporarse y además hacerlo para embellecer, poniendo de manifiesto su transformación e historia.
“Refugiado” cuenta cómo nosotros, los adultos, vemos lo que le ocurre a un niño, que vivencia la separación repentina y forzada de sus padres. Y allí comienzan a conjugarse mil y una variables. Tal vez el punto de vista de la cámara, para que esa mirada se acerque más a la del protagonista, Mati, tendría que bajarse al metro veinte, aunque quizá tampoco alcance. Pero el director elige seguir con los planos habituales. En muchos momentos la atención y el drama queda alrededor de la madre, entonces se mezclan los puntos de vista y nos alejamos del espacio íntimo de Mati.
A pesar de haber sido niños, ya no lo somos y si nos preguntan: “¿Cómo se siente un niño?” También nos equivocaríamos porque nadie siente igual a otro.
Creo que el director debería haberse sumergido de lleno en este tipo de sentir que es el que tiene Mati. Y desde ese profundo conocimiento de sus deseos, tristezas, anhelos, brocas, contarnos qué le pasa. Para ello faltó construir un poco más su mundo.
En partes, vimos el pequeño universo infantil, pero no el particular de Mati, que quedó algo anecdótico y no pudo ahondar en los matices y sus características únicas.
La historia está correcta, emociona y plantea la problemática. Pero podría ser mucho más profunda y humana si conociéramos más a estos dos seres que nos cuentan su tránsito por una experiencia dolorosísima. Como lo es, tener que alejarse de un ser querido, tan querido que el daño que puede producir es directamente proporcional a su amor.
Ficha técnica
Título: Refugiado
Dirección: Diego Lermam
Guión: Diego Lerman, María Meira
País: Argentina
Año: 2014
Duración: 95 min
Género: Drama social
Intérpretes: Julieta Díaz, Sebastián Molinaro, Marta Lubos, Silvia Baylé, Sofía Palomino, Sandra Villani, Paula Ituriza, Carlos Weber

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Simplemente Frida

Por Graciela Muñoz

Frida, un nombre de mujer, pero con el peso de significar todo lo que el universo de ser fémina porta en la existencia de cada cual y condensado en una sola.
Arrebatos de pasión por la vida, con los colores de un México injusto y doliente, pero que no se rinde. Igual que la pintora que no puede parar de expresar dolor. Sumergirse en la observación de sus dibujos es empaparse de sentimientos que quiebran el alma y el cuerpo. La transmisión es directa, los sentidos se ven afectados en una percepción que deja huellas imborrables. Estarse detenida la existencia frente a una de estas realizaciones sea el tiempo que dure esta inmovilidad quedará grabada para siempre como memoria de sufrimiento. Tan vívida es la empatía que habremos volado atravesando duraciones temporales y espaciales.
Pero la recuperación hacia el futuro, hacia el crecimiento, hacia la lucha constante por un mundo mejor nos devuelve, si las teníamos, o nos las contagia, unas terribles ganas de vivir. Pero no en transcurrencia opaca, acomodada, pasatista, sino con toda la fuerza y el afán de brillar, chisporrotear e ir tras lo deseado, lo querido, lo amado. Y dar rondas, a pesar de que el cuerpo no responda, con las emociones de amar la vida por sobre todas las cosas. Y allí está Frida ser en danza continua, contagiando arrojos, haciendo frente a los sinsabores a los que convierte en exquisitos instantes traducidos a colores y formas que nos ha dejado de regalo para todxs, que nos acompañaran de allí en más. Y agradecemos esos empujoncitos que es su ejemplo, ella toda.
Tras el Encuentro Nacional de Mujeres el pasado fin de semana en Mar del Plata, en Frida, un abrazo hacia todas las mujeres.
Ficha técnica
Título: Frida
Dirección: Julie Taymor
País: Canadá, Estados Unidos, México
Año: 2002
Duración: 123 min
Género: Drama, Romance, Biográfico
Intérpretes: Salma Hayek, Mía Maestro, Amelia Zapata, Alejandro Usigli, Diego Luna, Alfred Molina, Lucia Bravo, Valeria Golino, Patricia Reyes Spíndola, Loló Navarro

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Rebeldía que transforma

Por Graciela Muñoz

Primer virtud del director de “El estudiante”, Santiago Mitre: en 6 planos ya nos introdujo en la historia de la que va la peli; cuestión que para muchos toma unos 20 minutos. Primero: primerísimo primer plano de la oreja y perfil de Roque, el protagonista, en un ómnibus de noche. Segundo: nuca de Roque, mientras sale caminando por los pasillos de la terminal de Retiro, con los auriculares puestos y un bolso al hombro, también de noche. Tercero: Plano general de Roque que llega a una parada de colectivo en las afueras de Retiro. Cuarto: Roque que camina, recién llegado, por los pasillos de una pensión. Quinto: Primer plano de Roque mirando los “famosos” listados de la UBA que informan la adjudicación de materias. Sexto: Roque en los pasillos de la facultad de Ciencias Sociales (otrora tan recorridos por mi), repletos de carteles de organizaciones políticas y de estudiantes que van y vienen. Agreguemos tres más: entra y se sienta en un aula, y el tercero sentado en una mesa de un café de la facultad, en la que se habla de política.
Ya está, puede empezar el drama, la peli está planteada. A los nueve el relato puede ir para cualquier lugar. Sutilezas de lo pregnante (cualidad que poseen las figuras que pueden captarse por el sentido de la vista) y admirable del cine nos envolverán magnética-mente.
Entre los 12 y los 20 minutos sucesos escalo-nados muestran que efectivamente le ha cambiado la vida al protagonista y de allí hasta el final querremos saber cómo termina.
Y al fin tal vez se puedan hacer muchos reduccio-nismos y encontrar respuestas cómodas que tranquilicen nuestras ansias de cambio en general. Pero lejos de apaciguar las pasiones recomendaría empezar por intentar cuestionar las cosas dadas, como si a algo que por el simple hecho de haber sido siempre así se le pueda otorgar una validez eterna.
Y la peli lo plantea: ¿Qué se puede cambiar, los programas, los catedrá-ticos, las maneras de hacer política? ¿Para qué prepara la Universidad y qué orden de poderes reproduce?
Para todo el relato busca contar desde la intimidad de los sentimientos y sensaciones del prota-gonista.
Y con él trataremos de encontrar el camino que nos deje convencidos de que la sinceridad con nosotros mismos es la mayor virtud. Y que para seguir por esa senda ninguna mejor compañía que la rebeldía.

Ficha técnica:
Título: El Estudiante
Guión y Dirección: Santiago Mitre
Intérpretes: Esteban Lamothe, Romina Paula, Valeria Correa,
Ricardo Félix
País: Argentina
Categoría: Drama
Duración: 110 minutos
Año de Producción: 2011

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¿Un amor de película o una película de amor?

Por Graciela Muñoz

El tiempo es hoy, al sentarnos frente a la pantalla reír y conmovernos se disfruta y no es tan frecuente como quisiéramos.
La genealidad es escasa y menos aún entrelazada a la ternura más dulce y humana que el cine pueda recordar. Muchos atributos se le adjudicaron al por siempre vivo y enorme Charles Chaplin, pero el brillo de su mirada no tiene comparación. Podría rebobinar cien veces para volver a ver esa expresión que interroga de costado, con la ingenuidad que solo las buenas intenciones portan, que pide suplicante un auxilio inmediato que no llega y en su defecto lo empuja a hacerse cargo de la Historia y a ocupar un lugar que la interpele.
La dirección y el guión de “El gran dictador” estuvieron en sus manos y en su cabeza. Los planos, la música, las actuaciones, todo es perfecto y está al servicio del relato que tiene la retórica única que puede tejer un fin como el de comunicar futuro esperanzado y liberador. Tarea a cargo de un corazón abierto, que se hace de las herramientas necesarias para agitar los sentimientos y despabilar grilletes.
Chaplin fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades anti estadounidenses.
Discurso de El Gran Dictador (Fragmento)
“El camino de la vida puede ser libre y hermoso, pero lo hemos perdido. La codicia ha envenenado las almas. Ha levantado barreras de odio. Nos ha empujado hacia la miseria y las matanzas. Hemos progresado muy deprisa, pero nos hemos encarcelado nosotros. El maquinismo, que crea abundancia, nos deja en la necesidad. Nuestro conocimiento nos ha hecho cínicos. Nuestra inteligencia, duros y secos. Pensamos demasiado y sentimos muy poco.
Más que máquinas, necesitamos humanidad. Más que inteligencia, tener bondad y dulzura. Sin estas cualidades, la vida será violenta. Se perderá todo. Los aviones y la radio nos hacen sentirnos más cercanos. La verdadera naturaleza de estos inventos exige bondad humana. Exige la hermandad universal que nos una a todos nosotros. Ahora mismo mi voz llega a millones de seres en todo el mundo, a millones de hombres desesperados, mujeres y niños. Víctimas de un sistema que hace torturar a los hombres y encarcelar a gentes inocentes. A los que puedan oírme, les digo: no desesperéis. La desdicha que padecemos no es más que la pasajera codicia y la amargura de hombres que temen seguir el camino del progreso humano. El odio de los hombres pasará. Y caerán los dictadores. Y el poder que le quitaron al pueblo, se le reintegrará al pueblo. Y así, mientras el hombre exista, la libertad no perecerá”.
Charles Chaplin
Ficha técnica
Título: El gran dictador
Título original:
The Great Dictator
Dirección: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin
Intérpretes: Charles Chaplin, Jack Oakie, Reginald Gardiner, entre otros.
Música: Charles Chaplin, Meredith Willson
País: Estados Unidos
Categoría: Drama, Comedia, Bélico
Duración: 124 minutos
Año de Producción: 1940

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El gran amor por la humanidad

Por Graciela Muñoz

El tiempo es hoy, al sentarnos frente a la pantalla reír y conmo-vernos se disfruta y no es tan frecuente como quisiéramos.
La genealidad es escasa y menos aún entrelazada a la ternura más dulce y humana que el cine pueda recordar. Muchos atributos se le adjudicaron al por siempre vivo y enorme Charles Chaplin, pero el brillo de su mirada no tiene comparación. Podría rebobinar cien veces para volver a ver esa expresión que interroga de costado, con la ingenuidad que solo las buenas intenciones portan, que pide suplicante un auxilio inmediato que no llega y en su defecto lo empuja a hacerse cargo de la Historia y a ocupar un lugar que la interpele.
La dirección y el guión de “El gran dictador” estuvieron en sus manos y en su cabeza. Los planos, la música, las actuaciones, todo es perfecto y está al servicio del relato que tiene la retórica única que puede tejer un fin como el de comunicar futuro esperanzado y liberador. Tarea a cargo de un corazón abierto, que se hace de las herramientas necesarias para agitar los sentimientos y despabilar grilletes.
Chaplin fue uno de los cofundadores de la United Artists en 1919, junto con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y David Griffith, su carrera artística abarcó más de siete décadas y recibió un premio de la Academia en 1928. Candidato al premio Nobel de la Paz en 1948, abandonó Estados Unidos tras una serie de polémicas que lo involucraron con el comunismo y con la realización de actividades anti estadounidenses.
Discurso de El Gran Dictador (Fragmento)
“El camino de la vida puede ser libre y hermoso, pero lo hemos perdido. La codicia ha envenenado las almas. Ha levantado barreras de odio. Nos ha empujado hacia la miseria y las matanzas. Hemos progresado muy deprisa, pero nos hemos encarcelado nosotros. El maquinismo, que crea abundancia, nos deja en la necesidad. Nuestro conocimiento nos ha hecho cínicos. Nuestra inteligencia, duros y secos. Pensamos demasiado y sentimos muy poco.
Más que máquinas, necesitamos humanidad. Más que inteligencia, tener bondad y dulzura. Sin estas cualidades, la vida será violenta. Se perderá todo. Los aviones y la radio nos hacen sentirnos más cercanos. La verdadera naturaleza de estos inventos exige bondad humana. Exige la hermandad universal que nos una a todos nosotros. Ahora mismo mi voz llega a millones de seres en todo el mundo, a millones de hombres desesperados, mujeres y niños. Víctimas de un sistema que hace torturar a los hombres y encarcelar a gentes inocentes. A los que puedan oírme, les digo: no desesperéis. La desdicha que padecemos no es más que la pasajera codicia y la amargura de hombres que temen seguir el camino del progreso humano. El odio de los hombres pasará. Y caerán los dictadores. Y el poder que le quitaron al pueblo, se le reintegrará al pueblo. Y así, mientras el hombre exista, la libertad no perecerá”.
Charles Chaplin
Ficha técnica
Título: El gran dictador
Título original:
The Great Dictator
Dirección: Charles Chaplin
Guión: Charles Chaplin
Intérpretes: Charles Chaplin, Jack Oakie, Reginald Gardiner, entre otros.
Música: Charles Chaplin, Meredith Willson
País: Estados Unidos
Categoría: Drama, Comedia, Bélico
Duración: 124 minutos
Año de Producción: 1940

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El amor y la furia

Por Graciela Muñoz

Parafraseando a mi propio padre, no sé si el transcurso del tiempo me ha debilitado o las vivencias son más dolorosas, de todas formas se han tornado más insoportables. Esta peli la había visto en momentos de su estreno y la recordaba fuerte, pero hoy, a su término, necesité unas cuántas horas para reponerme y poder compartir con el mundo mi parecer y esta necesidad, que surge desde las entrañas mismas, de pedir, hasta suplicar, una sanación profunda y sincera de la sociedad en la que vivimos.
Con motivo de acompañar desde la expresión artística la convocatoria nacional de “Ni una menos y basta de femicidios” que tuvo lugar el miércoles 3 de junio, recordé la temática de esta obra de arte, que se titula: “El amor y la furia”. La historia comienza con la imagen de un paisaje apacible, que resulta ser un cartel publicitario, se abre el plano y nos encontramos de golpe en un suburbio de Nueva Zelanda. En un primer momento la violencia se instala y hasta nos parece estereotipada, pero al rato se naturaliza y se alterna con la música y el canto, presentes todo el tiempo que dan constante respiro a las almas atormentadas.
La cultura Maori de los protagonistas ahonda y vuelve corporales los sentimientos que se transmiten, cada uno se experimenta como si corriera por las venas mismas. El Haka que es una danza con gritos y golpes rítmicos, expresa, transmite y perfora la epidermis compartiendo sensaciones, aflicciones y angustias. La revalorización de las tradiciones frente al dominio colonial inglés y a la globalización intenta salvar las vidas que se han vuelto infernales de una familia y una sociedad. “Levanten los brazos para alcanzar las tierras ancestrales y oblíguenlas a entrar en sus cuerpos… algunos de ustedes parecen estar cazando mariposas…”. Son las palabras que recibe uno de los hijos en su aprendizaje de la tradición.
La peli pone en jaque el poder patriarcal de las sociedades occidentales, en las que la toma de decisiones está en manos del macho. Al fin y al cabo estamos bajo unas normas de convivencia despóticas en las que no cabe el diálogo, la mujer acata, el hombre decide. Pero esta manera de relacionarnos lo único que hace es dañarnos en nuestro foro más íntimo, a ambos géneros, así quedamos convertidos en encastres que responden al deber ser, y no a nuestros deseos, a nuestras naturalezas, que ya ni sabemos qué tenemos de naturales y qué de cultura impuesta.
“…Si mi espíritu ha sobrevivido contigo durante 18 años, sobrevivirá a cualquier cosa, tal vez eso me lo enseñaste tu.” Creo que es la frase de la película, la que nos salva a todos, la que nos tiende el punto de fuga hacia el cual podemos encontrar una salida de maduración y crecimiento. Si ya de vuelta del sufrimiento, pero reconstruidos y fortalecidos.
Puedes verla en el siguiente link:
https://www.youtube.com/watch?v=qqC-ASto1xw
Ficha técnica
Título original: Once Were Warriors (El amor y la furia)
Dirección: Lee Tamahori
Guión: Riwia Brown, según la novela de Alan Duff.
Intérpretes: Rena Owen (Beth Heke), Temuera Morrison (Jake Heke), Mamaengaroa Kerr-Bell (Grace Heke).
País: Nueva Zelanda
Categoría: Drama
Duración: 99 minutos
Año de Producción: 1994

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Uso mis manos, uso mis ideas

Por Graciela Muñoz

¿Para qué aprender a leer y a escribir?
“Uso mis manos, uso mis ideas” es un documental del grupo Mascaró, Cine Americano, cuyo núcleo central está formado por egresados de la Universidad Popular Madres de Plaza de Mayo, que fue premiado en varios festivales nacionales e internacionales.
La peli cuenta cómo un grupo de alfabetizadores; avalados y fomentados por el Estado Nacional en momentos de la presidencia de Cámpora, mediante el Ministerio de Educación en un proyecto llamado “Crear”, Campaña de reactivación educativa para el adulto para la reconstrucción; en el año 1973 llegó a un pueblito cercano a Neuquén Capital.
A partir de allí un mundo se abrió para todos.
Lo primero que se exigió fue un asesoramiento de Paulo Freire (Pedagogo de los oprimidos y transmisor de la pedagogía de la esperanza), y lo consiguieron. Una cámara prestada registró momentos de la comunidad que hoy dan testimonio de la magnitud del cambio que generó comenzar a pensar y actuar en colectivo a raíz de juntarse y organizarse, porque para Freire: el conocimiento no se transmite, se construye de forma permanente; el acto educativo no consiste en una transmisión de conocimientos, es la satisfacción de la constru-cción de un mundo común.
Todo es emoción y escuchar en voz del mismo Freire: “…la educadora es también una artista, la educadora rehace, redibuja, repinta el mundo, recanta y redanza el mundo.” nos invitan a la pasión de “pintar nuestra propia aldea” y en comunidad terminar con la analfa-betización del pueblo argentino, que de hecho, hay mucha.
Acordando con los dichos de Elsa, una de las protagonistas: “Es una exclusión sitematizada, programada”, comprendemos por qué Freire dice que el proceso de alfabetización tiene todos los ingredientes necesarios para la liberación. Porque solo a través de la palabra pueden liberarse y enfrentar críticamente el proceso dialéctico de su histo-rización, esto es: ser persona en la historia. Entonces se es capaz de escribir la propia vida, consciente de la existencia y de que se es protagonista de la historia. Es una conquista de la palabra, su palabra, una toma de conciencia del derecho de decir. la palabra.
Pero esto no ocurre en solitario, y para dar cuenta de ello la peli cita a Oesterheld: “No existen los héroes individuales, existen los héroes colectivos.”.
https://www.youtube.com/watch?v=R7xcUj9ZNHw
Ficha técnica
Título original: Uso mis manos, uso mis ideas
Dirección colectiva: Mascaró, Cine Americano
País: Argentina
Categoría: Documental
Duración: 55 m.
Año de Producción: 2003“

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Relatos Salvajes

Por Graciela Muñoz

Con toda la carga de estar frente a una de las pocas películas argentinas nominadas a los consagrados, y no por ésto refinandos o distinguidos, premios Oscar. Nos acomodamos en la butaca del cine, tras haber intentado conseguir el film episódico, que parecería es el más taquillero de la historia de nuestro cine con más de 2.414.00 espectadores, del director Damián Szifrón, con las actuaciones de Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Darío Grandinetti, Oscar Martínez, Rita Cortese y Érica Rivas entre otros. Después de habernos enterado, que “en lucha contra la piratería”, hubo una perseguida apuesta comercial, que intentó con todas sus fuerzas evitar los duplicados truchos. Cada copia proyectada en salas tiene una marca de agua, invisible a simple vista.
Si nos acercamos a las definiciones de las palabras del título, encontramos que podemos expresarlo como: “Narración breve incontrolable, violenta o fuera de las normas establecidas”. Según el propio director y guionista expresó en el estreno: quiso poner de manifiesto “La distorsión que produce la crispación en los ciudadanos, en los vínculos familiares y en las parejas” así como exponer “un deseo de liberación en relación a las agresiones y a la invación de tu espacio vital, creo que representa el placer de animarse a reaccionar en contra de las injusticias.”, plantéo.
A título personal discentiría con el mentado director en eso de las injusticias que según él plantea la película, ya que me parece que no logra construirlas, sino que lo único que hace es pergeniar un “otro” peligroso, dañino, vil, violento y que provoca agresividad en el entorno social o familiar. No plantea una salida o solución a esta anomia (falta de reglas en el comportamiento en sociedad) social, sino que nos entrega un cóctel explosivo, que nos mantiene alerta las dos horas de proyección, pero que se descascara en girones si intentamos dar una respuesta seria a las fricciones que se dan cuando de relaciones humanas se trata.
Algunas frases de la peli hacen ruido y nos remiten a ciertos discursos que plantean, por ejemplo que la política es un camino inconduscente, cuando los puestos públicos están en manos de alguna
fuerza opositora. Algunas de ellas son: “Miserable servidor de este sistema corrupto”, “Estoy harto de que me roben la plata”, “Encontras una excusa para todo, culpas a la sociedad por todo”, “La sociedad no va a cambiar, vos no vas a cambiar y yo estoy cansada”, “¿La basurita ésta cobra un sueldo que sale de mis impuestos?”. Con el aditamento de la denuncia de episodios tales como que a un extranjero que le robaron la billetera, una protagonista responde: “¡Está tremendo!”.
Título: Relatos Salvajes
Dirección y guión: Damián Szifrón
Protagonistas: Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia, Darío Grandinetti, Oscar Martínez, Rita Cortese y Érica Rivas
País: Argentina, España.
Año: 2014
Género: Comedia, Drama, Suspenso
Duración: 122 minutos

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Llueven y duelen las ausencias.

Por Graciela Muñoz

“Verdades verdaderas, la vida de Estela” es una película argentina que cuenta la historia de la desaparición de Laura, hija de Estela de Carlotto (Abuela de Plaza de Mayo), que al momento de desaparecer (última dictadura argentina) estaba embarazada. Su hijo nació en cautiverio y la familia perdió todo rastro suyo. Lo que sigue es la búsqueda constante y sin tregua de éste y del resto de los aproximadamente 500 nietos secuestrados por las Fuerzas Armadas Argentinas durante el proceso.
Esta historia podría contarse de mil maneras, pero la que eligieron el director y los guionistas disemina vida, amor, pasión y convicciones. Es imposible que no ruede una, dos, mil lágrimas en lo que dura la peli; todos los momentos alegres o tristes emocionan. Todo es armónico y transcurre como lo hace la vida misma. Constantemente traza paralelas con la infancia, lo que hace que la trama mantenga siempre una ternura particular. Y Estela siempre buscando a Laura, desde pequeña la llama: “Laura, Laura, Laura”, en varios momentos, y en los que no escuchamos la voz, sigue dentro nuestro el eco repitiendo ese nombre.
Tampoco el argumento cae en el error de particularizar los hechos, y esto lo explicita en el texto de la lápida de Laura: “No me pregunten quien soy, ni si me habían conocido, los sueños que había querido crecerán, aunque no estoy, ya no vivo, pero voy en lo que andaba soñando; y otros que siguen peleando harán nacer otras cosas, todos me estarán nombrando.”.
En este momento particular, en el que hace unos días ya que Estela se ha reencontrado con su nieto Guido, las palabras que le dedica la hermana de Laura, cobran una especial dimensión: “Se aferró a vos, aguantaron juntos. Podían robar los cuerpos, romperlos, tirarlos al río, pero hubo cosas con las que no pudieron, sueños con los que no pudieron, el sueño de tu mamá eras vos.”.
En los primeros días de búsqueda de los papás de Laura, llueve, llueve en la pantalla y en esas almas, llueve en nuestras caras de espectadores, como si el agua quisiera ayudar a lavar el dolor. Y luego esa pena, no se borra, pero muta, cambia, se potencia, por lo que quedó; por todo lo vivo que dejaron los que ya no están: en esos bebés, hombres y mujeres hoy.
Título: Verdades verdaderas, la vida de Estela
Dirección: Nicolas Gil Lavedra
Guión: María Laura Gargarella y Jorge Maestro
Reparto: Susú Pecoraro, Alejandro Awada, Rita Cortese, Laura Novoa, Inés Efron y Fernán Miras
Género: Comedia Dramática
Duración: 1 hora 33 minutos
País: Argentina
Año: 2011

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Al sur del alma.

Por Graciela Muñoz

Wakolda es una película de Lucía Puenzo, rodada en el año 2013 pero que cuenta sucesos de los años 60, sus actores principales Natalia Oreiro y Diego Peretti le ponen el sello de gran obra.
El paisaje que elige la directora es el invernal sur de la Argentina, más exactamente, Bariloche. La vastedad de kilómetros deshabitados es la metáfora perfecta de lo inabarcable e inacible del alma humana. Pero no del lado de la luminosidad, más bien todo lo contrario; la nieve y el viento suman a esa inmensidad la temperatura ideal para helar la sangre de protagonistas y espectadores.
La trama no nos enfrentará a monstruos ni a dragones sino a personas deshumanizadas, capaces de muchas cosas. Y el recurso más eficaz que utiliza es invitarnos a la convivencia entre un ser de estas características con una familia que además de darle hospedaje le entrega lo más valioso, la vida misma.
Sin ceremonia y sin diablo, pero en un pacto que podría pasar perfectamente como satánico, con el afán de la supervivencia y de la perfección, una madre pide todo. Y más aún si la promesa es tan grande y viene de uno de esos profesionales que ha pasado mucho de su tiempo entre libros de medicina, pacientes y hospitales. A quienes la sociedad toda, coloca en pedestales indiscutibles y hace caso omiso a indicaciones y tratamientos.
La analogía hombre-muñecas con corazón mecánico, primero hechas artesanalmente por el protagonista y luego en serie, da permiso a la ciencia para tomarnos como cuerpos suceptibles de ser estudiados e indagados experimentalmente, dentro de un paradigma que nos construye como seres materiales únicamente. En el que se apoya el desarrollo de toda la industria farma-cológica.
Aunque nunca estemos preparados para ciertas cosas, podemos sentarnos en un sillón y pasar el rato frente a esta peli, sin dejar de pensar en lo que no queremos, como humanidad, que vuelva a ocurrirnos.

Título: Wakolds / El médico alemán
Dirección: Lucía Puenzo
Protagonistas: Natalia Oreiro, Diego Peretti, Alex Brendemühl, Elena Roger
País: Argentina, España, Francia, Noruega.
Año: 2013
Género: Drama, Thriller
Duración: 90 minutos